Mar e Raízes

Maria Bethania - Casinha Branca

2011-04-04T18:41:00.000-07:00

Jornalismo - Marco Martins

2010-03-18T12:27:00.000-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"

Setembro 2009

Marco Martins

Cinema português além-fronteiras

Marco Martins nasceu em Lisboa em 1972 mas as suas raízes encontram-se no Algarve, na região de Tavira. Formado pela Escola Superior de Teatro e Cinema (1994) estagia na área de produção com os realizadores Wim Wenders, Manoel de Oliveira e Bertrand Tavernier e, durante dois anos, é assistente de realização de João Canijo.

Entre 1994 e 1998 escreve e realiza três curtas-metragens: “Mergulho no Ano Novo” que recebeu o prémio de Melhor Curta-metragem Nacional no Festival Internacional de Curtas-metragens de Vila do Conde; “Não Basta ser Cruel”, prémio Melhor Curta-Metragem e Melhor Realizador no VII Festival Ibérico de Cinema de Badajoz; e “No Caminho para a Escola”, prémio Eixo Atlântico no Festival de Ourém. Realiza também filmes publicitários e, em 2002 funda a sua própria produtora de publicidade, “Ministério dos Filmes”, que foi distinguida com vários prémios internacionais.

própria produtora de publicidade, “Ministério dos Filmes”, que foi distinguida com vários prémios internacionais.

“Escrever ou fazer filmes é sempre um trabalho sobre a memória”

“How to Draw a Perfect Circle” (Como Desenhar um Círculo Perfeito) é a nova longa-metragem de Marco Martins e vai ser estreada em Outubro. Uma história de incesto. Mais do que outra história, outro tema. “Gosto mais de temas do que de histórias”. As histórias aparecem com os temas e “gosto de temas pesados e controversos. Não pretendo chocar. São temas que me fascinam e fascinam-me ao ponto de me fazerem trabalhar sobre eles ao longo de dois anos”. Temas fortes, relacionados com ambientes familiares pesados. Em “Alice”, há um corte involuntário entre os pais e a filha, em “Como Desenhar um Círculo Perfeito”, temos dois irmãos isolados, entregues a si próprios, e o corte dá-se com o resto do mundo.

“A escolha de uma estrutura familiar tem a ver sobretudo com o trabalho. Escrever ou fazer filmes é sempre um trabalho sobre a memória. Estamos sempre a trabalhar sobre memórias. Há um interesse em explorar laços afectivos familiares na medida em que a família é uma estrutura onde existe muita coisa escondida, ocultada. Nunca se diz tudo sobre a família, e é isso que é interessante”.

Aqui é abordado o tema do incesto, um incesto “particular, entre irmãos e gémeos. Um dos grandes tabus, um dos poucos que continua a existir”.

Incesto como tema e abandono como sub-tema. “É um bocadinho como acontecia em “Alice” que era a história de um desaparecimento mas na verdade era um filme sobre uma visão de uma cidade. Este filme também aborda a temática do abandono, o abandono daquelas duas crianças por parte da família. O isolamento em que elas vivem, também provocado por elas próprias a partir de certa altura, porque acabam por criar um mundo que é só deles, demarcado pelo espaço da casa”.

“Alice”, um filme de exteriores e agora, “Como Desenhar um Círculo Perfeito” um filme onde a câmara explora sobretudo uma geografia de interiores.

Em “Como Desenhar um Círculo Perfeito” há uma parceria com Gonçalo M. Tavares. “Quando acabei o guião fiz-lhe um desafio: fazer uma segunda versão. E ele fez”. Marco escreve os seus próprios guiões mas está ligado sobretudo à imagem. Existem momentos em que sente necessidade de recorrer a quem domine verdadeiramente a linguagem literária. “O personagem do pai é escritor e escreve textos para o filho. Essa parte, evidentemente, é toda do Gonçalo”.

“A música é um género de subtexto da acção principal”

Estreia a sua primeira longa-metragem em 2005, um drama intitulado “Alice”. O actor Nuno Lopes encarna o papel de Mário, um pai obcecado pelo desaparecimento da sua filha de quatro anos e que, todos os dias, refaz o mesmo itinerário, repete os mesmos gestos, construindo e sustentando a esperança de encontrar alguma pista de Alice. Este filme explora a obsessão, materializando um estado de desespero resignado diante de uma realidade contra a qual muito pouco pode ser feito, e ao mesmo tempo retrata a cidade de Lisboa mostrando-a pelo seu lado de cidade fria e anónima.

“Alice” recebe diversos prémios internacionais: Festival de Cannes, Festival de Cinema Luso-Brasileiro (Melhor Filme e Prémio Revelação Melhor Actor - Nuno Lopes), Festival Internacional de Cinema de Mar del Plata na Argentina (Melhor Realização), Raindance Film Festival, (Melhor Filme, Melhor Fotografia e Prémio FIPRESCI), Festival Las Palmas (Melhor Primeira Obra), Coimbra Caminhos do Cinema Português (Prémio de Realizador Revelação), Globo de Ouro (Melhor Filme), Festival de Cinema de Países de Língua Portuguesa (Melhor Actor - Nuno Lopes, e Melhor Filme), Festival dos Cinemas do Mediterrâneo (Melhor Realizador, Melhor Montagem, Melhor Fotografia e Melhor Música).

Bernardo Sassetti foi o compositor escolhido para participar na banda sonora. Embora não abunde, a música tem um papel muito importante. Invade-nos os sentidos e transporta-nos para dentro da angústia de Mário. O piano a solo conduz-nos, lentamente, para sensações cada vez mais fundas, mais escuras e densas. “Na história da Alice interessava-me tudo o que era música repetitiva mas não minimal”, explica o cineasta, “com essa ideia de repetição, para o cada dia da personagem do Nuno ser absolutamente igual ao outro, ser uma constante repetição do outro, mas sempre com uma pequena evolução. Daí partimos para a composição da música”.

A música é de extrema importância nos filmes de Marco Martins pois não é vista “como um sublinhar da acção dramática e sim como outra linha textual, um género de subtexto da acção principal. Como se fosse a linha de pensamento da personagem principal”.

No próximo filme, Marco usa-a do mesmo modo, e oferece-nos outro desafio feito a Sassetti que desta vez não usará o piano. Aqui, a música funciona “às vezes até em contra-ciclo com o que estamos a ver, é quase um descodificador emocional da imagem”.

O trabalho do actor é visto como uma obra de arte

Faz um trabalho intenso com cada actor e descobrir o indicado para cada personagem é um trabalho exaustivo. Para “Como Desenhar um Circulo Perfeito” demorou muito tempo até encontrar as pessoas certas, sobretudo devido à idade dos personagens. “Qualquer actor como estes miúdos de dezasseis anos, é um não actor. Embora possam ter tido algumas experiências, não são actores. Não podemos olhar para o corpo de trabalho de cada um deles e perceber realmente o que é capaz de fazer. Há uma parte em que temos que adivinhar e outra parte em que temos que acreditar que ele vai lá chegar”. Um trabalho árduo que exige paciência e persistência. “No início eram 600 miúdos” e foi seleccionando até escolher três que trabalhou exaustivamente até definir os protagonistas.

“Tenho a noção que a partir do momento em que escolho o actor, ele vai condicionar uma reescrita do meu guião, por isso começo logo a reescrever mal escolho o actor”. Não lhe agrada a representação clássica, “dizer um texto ou representar uma acção. Obviamente todas as representações são representações, mais naturalistas ou menos naturalistas, mas gosto de levar ao extremo o trabalho com o actor. Trabalho muito tempo com eles. Com estes dois miúdos trabalhámos quase quatro meses à volta daquela personagem e com questões ligadas à representação. Como jovens actores que são, deixaram-se completamente submergir por aquelas personagens e depois já era difícil distinguir onde estava o actor e começava a personagem. Esse trabalho faz com que se chegue sempre a um sítio que já não é o sítio de partida. Não estou a tentar moldá-los a uma ideia que eu tinha da personagem, estou apenas a tentar chegar a uma ideia. Há uma confrontação com a realidade do material que nós temos”.

O trabalho do actor é exibido de um modo distinto em “Night Walks”, a vídeo instalação que esteve patente ao público na Casa das Artes de Tavira, “um projecto que nasceu durante a rodagem deste filme. Havia planos muito, muito longos que não tinham o ritmo do filme. Só duas personagens, a andar, que intimamente não faziam parte da montagem final. Eles, só por si, eram interessantes e colocavam uma série de questões quase como se fossem, eles próprios, uma narrativa fechada num só plano, sem qualquer tipo de contextualização”.

“Night Walk” apresenta-nos o trabalho do actor de cinema colocado no universo da vídeo arte, no espaço expositivo de uma galeria de arte, atribuindo-lhe assim o valor de obra de arte.

Aguarda-se com alguma expectativa a estreia de “How to Draw a Perfect Circle”, nos cinemas, já em Outubro.

Paula Ferro

jornalismo - Teresa Ramos e Teresa Calém

2010-03-18T11:58:00.000-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"

Outubro 2009

“Vai atrás do teu desejo, ou mata-o…”

Manuel Rodrigues

Trajectórias

Teresa Ramos e Teresa Calém, duas mulheres com o mesmo nome, nascidas no mesmo ano em locais quase opostos do país. Ambas fazem um percurso profissional sólido, mas num dado momento da sua vida, atingida já a maturidade e o sucesso, resolvem seguir um apelo interior e recomeçam o seu caminho ingressando numa escola de arte.

A audácia, a força provinda do seu desejo interior e uma entrega efectiva ao trabalho conduzem-nas a novos êxitos, agora nas artes plásticas.

Teresa Ramos

Sensibilidade e rigor

Teresa Ramos nasceu em Tavira (1953) mas divide a sua vida entre Faro, onde tem o seu atelier, e Lisboa, onde é professora e directora do Departamento de Cerâmica no Centro de Arte e Comunicação Visual (Ar.Co).

No início dos anos 80 fez formação em olaria na “Culturona”, em Lisboa, mas, durante doze anos trabalhou na produção de filmes de publicidade.

Apesar de muito bem paga, “os níveis de agressividade, a falta de respeito, os relacionamentos injustos e a desonestidade dentro do triângulo cliente, agência e produtor de filmes, tornou-se cada vez mais inaceitável para mim”. Abandonou a publicidade quase “em legítima defesa”.

A sua leitura do mundo conduziu-a “a seguir em frente, procurando algo mais, e outros mais que suspeito existirem além daquilo que é apresentado como a verdade, a realidade, e a vida”.

Decidiu andar pelas suas próprias pernas e construir o seu próprio chão, enquanto caminhasse. Aprender fascina-a e, aos 42 anos, decidiu fazer um curso de artes e mudar de vida. Foi para o Ar.Co. Fez o plano de estudos completo de cerâmica e o plano de estudos básico em desenho, e depois o curso avançado de artes plásticas.

Em actualizações permanentes

Quando frequentava o segundo ano do curso avançado de artes plásticas, “o Manuel Castro Caldas propôs-me ficar à frente do Departamento de Cerâmica. Pensei que seria uma coisa transitória, rápida. Eu queria mesmo era vir para o meu atelier, fazer as minhas coisas, sozinha…”, mas aceitou e gostou mais do que esperava. Foi reestruturando o curso durante cinco anos seguidos e foi incorporando “todas essas mudanças no meu próprio crescente, mesmo de pensamento e de reflexão sobre qual é o papel da escola, qual a sua função”.

O Ar.Co é uma escola independente com um cariz de experimentação muito forte. É no trabalho que as coisas se realizam, se descobrem, se questionam”.

Mas não é só o Departamento de Cerâmica que está em permanente mudança, “todos os anos há mudanças. As coisas estão em reajuste permanente”. Sente-se “em actualizações permanentes. Estou sempre a reajustar a minha posição, é quase diário, e agrada-me sentir que na escola onde trabalho isso também acontece”.

Se uma escola como esta seria importante no Algarve? Soltar um sorriso límpido e brilhante: “Uma escola assim é importante em qualquer parte”.

Já como Directora de Departamento começou a leccionar. Como professora, trabalha ao lado “das pessoas” e descobre com elas. “Não dou directrizes, mas faço propostas, senão a pessoa dispersa-se e não há o envolvimento necessário”. O envolvimento, a entrega, a reflexão e a dedicação ao trabalho são fundamentais, “é preciso começar a aprender que gostar é pouco, não chega!”

A preguiça é imaturidade

Paralelamente, há um contínuo trabalho de atelier, de pesquisa, de experimentação e reflexão com um sólido percurso próprio.

Expõe regularmente desde 1998. Está representada nas Colecções do Museu de Olaria de Barcelos e na do Ar.Co, assim como em diversas colecções particulares. Foi bolseira do Montepio Geral em 2001/2002.

A cerâmica como arte ou como artesanato? “Isso depende da atitude que se toma”. A arte é uma atitude, não reside no domínio de técnicas. “Não pode! O domínio de técnicas é outro assunto. Isso é outro departamento”. A arte é outra coisa, “podemos encontrar um quadro muito bem pintado, tudo muito certinho, mas sem interesse, sem assunto inclusivamente. Há um alto domínio técnico mas… é só isso!” Faz uma pequena pausa, e continua, tranquilamente, “há pessoas e há publico para tudo, portanto há a mesma legitimidade, não há é o mesmo interesse. Para mim não tem interesse nenhum, mas é legítimo!”

Usamos técnicas para exprimir o pensamento, quer as dominemos ou não. O domínio da técnica ”depende da utilização que se faz dela. Só na utilização há aperfeiçoamento”. As técnicas podem ser utilizadas de muitas maneiras, “no sentido da perfeição ou explorando os limites dos materiais; onde é que as coisas passam para o efeito ou para o defeito? Procura-se aquilo que se considerou defeito, ou não? Vai-se utilizar, ou não? Aí é que está a consciência na utilização dos materiais. Mas para haver consciência na utilização, tem que haver utilização”.

O acento está na produção “porque só com muito trabalho à frente é que temos assunto para conversar sobre as coisas e as coisas só acontecem se nós tivermos uma atitude de trabalho sistemático”. Há que respeitar os ritmos, “cada um tem o seu grau de necessidade de pôr cá para fora” mas a preguiça é “imaturidade”.

O seu principal meio de expressão tem sido através de materiais cerâmicos. Durante o curso começou a trabalhar a porcelana líquida e a modelá-la com tecido. Desenha, modela, e depois levanta e “é como se estivesse a fazer um vestido”. Há uma feminilidade velada que espreita em cada gesto e palavra, “aquilo é tudo em plano, é tudo pincelado, colado, levanta-se…”, faz o gesto com o olhar assentado em brilho, “a passagem do plano para o volumétrico, esta transição… dá-me prazer fazer assim. Gosto de passar, progressivamente, a ideia para o plano e de partir dele para a construção volumétrica”.

O seu raciocínio é claro e a imparcialidade abunda nas suas análises. Teresa é uma perfeccionista incansável. Trabalhando com a porcelana líquida, “o corpo do objecto é a pele de porcelana, criada na superfície de outro que foi seu hospedeiro. Na superfície do objecto produzido fica registada a presença morfológica dos materiais incorporados, apesar ausência da matriz que tornou possível a sua conformação. Escavando a superfície, revela-se com detalhe o registo e isto torna possível atingir uma comunicação simples, clara e directa com os diferentes níveis de informação alcançados em simultâneo”.

Relação entre desenho e cerâmica

O seu universo é quase microscópico, cada pormenor tratado com minúcia e paciência, a entrega ao gesto sobre gesto, criando mundos onde impera o aquático com sabor a vegetal.

O seu objectivo é continuar o seu caminho, mas, foi “prestando atenção ao que ia acontecendo”, foi fazendo “o balanço entre intuição e intenção” e deste modo começou “a reconhecer que estava a desenhar um trilho através do olhar dos outros”.

Existe uma relação velada entre o desenho e a cerâmica. No início do curso descobriu que “o desenho é importante para tudo, até para resolver problemas do meu dia a dia”. Mantém guardada uma produção de desenhos muito grande que agora lhe apetece mostrar. ”Só emoldurei três, estou ainda a seleccionar”.

Para além de desenhos, também outro tipo de imagens que tem vindo a recolher e a criar. Abre-se novo momento no seu processo em que Teresa sente vontade de repousar da cerâmica, “estou mais virada para o estirador, para a máquina fotográfica e para o registo de imagens… “

Aí vem nova etapa no seu trabalho e desatam-se novos entusiasmos. Mas Teresa não premedita, abre-se à vida e observa com tranquilidade e segurança. “Não corro atrás das coisas, elas vêm ter comigo, e depois embarco nelas, ou não”.

Teresa Calém

Desafio e transformação

Teresa Calém nasceu no Porto (1953) mas habita no Algarve desde os anos 80. Sempre se sentiu atraída pelo desenho e com 18 anos, naturalmente, inscreveu-se na Escola de Belas Artes do Porto, mas desistiu e ingressou na Fundação Espírito Santo onde tirou Arquitectura de Interiores.

Já no Algarve, cria a “Al Quatro”, uma empresa especializada em design de interiores que obteve franco sucesso. Mas, a pintora reclamava atenção dentro de si e em 2000, com 46 anos, decidiu mudar de vida e inscreveu-se no Ar.Co. Durante seis anos conciliou empresa, família e viagens para Lisboa, três vezes por semana, para ter aulas de Arte e História de Arte.

Em 2004 expõe na “Produzentengalerie”, em Hamburgo, e na “Artadentro”, em Faro. Em 2004, participa no “TRACTOR”, em Faro Capital Nacional da Cultura e numa exposição colectiva no “Palácio da Galeria”, em Tavira.

Em 2006, começa a dedicar-se à pintura a tempo inteiro e em 2007 expõe no Centro Cultural de S. Lourenço. Agora foi convidada para expor em 2010 na “Galeria de Arte do Nederlandsche Bank”, em Amesterdão.

Cabeças despidas em silêncios

As obras que tem vindo a apresentar são cabeças, de um por dois metros, em aguarela. Uma mistura de mítico, místico e fantástico, materializados pela exploração de técnicas de aguarela no sentido do retrato mas que não geram retratos e sim fisionomias anónimas, de tez outonal em cabeças despidas que nos transportam para silêncios. São brilhos exaltados de espanto em expressões suspensas, agarradas no início de uma metamorfose. E soltam-se frescos, com odor a relva molhada, que nos conduzem a fantásticas possibilidades de vida encerradas num olhar.

Cada cabeça acontece a partir de pequenos pormenores que retira de fotografias encontradas em revistas, jornais ou de desenhos e esboços feitos anteriormente. Não nasceram nesta dimensão, foram crescendo, e o atelier de Teresa está repleto de cabeças de várias dimensões que pertencem “a uma espécie de tribo”. Mas “no formato grande as cabeças ganham outra densidade”.

Porquê cabeças? “Não sei! Gosto imenso de gente e de cabeças, apetece-me muito mais pintar cabeças do que paisagens e vou para aquilo que me apetece”.

O seu atelier é um mundo à parte, povoado de fantástico. Misturados com cabeças, abundam desenhos, esboços, ilustrações de contos infantis, peças tridimensionais, umas feitas de papel de seda e cola branca, outras de pastas, outras ainda feitas de ramos secos e galhos que Teresa apanha nos seus passeios pelo campo e depois constrói, unindo bocadinhos com fio de cobre. Modelos que depois pinta com aguarela em busca de novos caminhos, de novas aventuras.

Atenção total é oração

“A arte é a possibilidade de nos surpreendermos connosco próprios e com o que fazemos.” É continuamente surpreendida pela sua criação e “a partir do momento em que começo a deixar de me surpreender, tenho de passar para outra coisa porque aquela já está inserida, já está a ficar fácil e já estou quase a repetir-me a mim própria”.

A escolha da aguarela encerra o desafio de não se poder emendar. Enquanto que nas técnicas a óleo se pode pintar uma camada sobre um erro e ocultá-lo, na aguarela, cada camada deixa ver o que está por baixo e todas as pinceladas ficam expressas no trabalho.

Descreve o processo de aparição de uma obra com o enlevo da entrega a cada gesto, que tem que ser “o gesto mais perfeito que se pode fazer naquele momento”, por isso é que requer a “atenção total”, e a “atenção total é a mesma coisa que uma oração”.

E mostra, numa dança iluminada pela melodia da sua voz, como estende o papel no chão, como o molha, depois “o pincel na vertical” e olha para mim cheia de um verde translúcido que vem lá do fundo, “a tinta escorre e cresce no papel molhado de um modo muito orgânico, enquanto se espalha no desenho” e depois vem o sol que seca, e já pronto, aí vem nova camada de molhado e tinta e sol e outra camada, e mais outra… com paciência e entrega, Teresa vai saboreando cada “visitação”.

Fascinada pela mitologia grega, explora temas como Dafne, deusa das ninfas que foge de Apolo e se transforma em árvore. O tema da transformação está sempre presente no seu trabalho. No seu trabalho, na sua vida e no modo como se posiciona. Continua em permanente busca, experimentação e formação. “O ano passado, em Julho, fui para Florença, para uma academia onde ensinavam técnicas antigas a óleo”, no Inverno passado frequentou aulas de História de Arte com Nuno Faria e este Verão participou no “Mobilehome”. A sua sede de novos desafios é evidente. Olha-me sorrindo e cita Picasso: “A inspiração é muito boa, sobretudo quando me apanha a trabalhar” e volta a sorrir, cheia de entusiasmo e algum mistério.

Paula Ferro

jornalismo - Júlio Pomar

2010-03-18T10:26:00.001-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"

Outubro 2009

“Figuras de Convite” em Estói

Exposição de Júlio Pomar

“Figuras de Convite” é uma exposição na Casa Rural da Villa Romana de Milreu, em Estói. Um diálogo histórico entre o mosaico romano, as figuras de convite que marcam o séc. XVIII e a contemporaneidade, através do olhar de Júlio Pomar.

Esta exposição pode ser visitada até Janeiro de 2010. Trata-se de uma iniciativa da Galeria Ratton e da Direcção Regional de Cultura do Algarve e integra-se no âmbito das Jornadas Europeias do Património que, em 2009, têm como tema, “Vi(r)Ver o Património”. Esta iniciativa é um convite ao envolvimento dos cidadãos na participação activa da descoberta da herança cultural, reforçando a memória colectiva e de afirmação de um Património comum cuja riqueza reside na sua diversidade.

“Toda a criação é recriação” - afirma o artista - “nada é feito a partir de zero. O próprio zero é uma criação magnífica do homem” - faz uma pausa e sorri - “gerações e gerações pereceram antes de alguém ter inventado o zero”.

As figuras de convite, pintadas sobre azulejos e aplicadas nas entradas das habitações da nobreza portuguesa do século XVIII, representam, à escala natural, criados de libré, guerreiros e damas que “recebem” os visitantes. No século XX renovou-se o uso do azulejo sem que a tradição das figuras de convite fosse renovada. A galeria Ratton reconhecendo essa ausência, já quase na entrada para o séc. XXI, convidou Júlio Pomar a preencher essa lacuna. O artista fá-lo com a habitual genialidade e sentido de humor, como o provam as seis obras expostas.

Ao longo da História “a arte como ‘fazer’ tende, na maior parte dos casos, a não evitar destruir aquilo que está em desacordo com o que o dito poder propõe” - explica o artista, - “as próprias cidades são destruídas sucessivamente. Penso que esse sentimento de conservação e de respeito, de amor e curiosidade é relativamente recente, mas ainda bem!”

As obras expostas que convidam a visitar vários compartimentos da Casa Rural são retratos, ou melhor caricaturas.

O retrato, em arte, seja qual for o suporte usado, é uma representação. Mas é também “a fixação do instante, mesmo que esse instante seja massivo. É um desejo da paragem do tempo. Uma tentativa de fixação ou de retenção do tempo” - sorri de novo - “as pessoas mudam…” e o retrato é como agarrar um instante e mantê-lo. “A história do instante é fundamental” - explica - “o viver o instante, o enaltecer o instante” - saboreia a ideia - “penso que tem muito a ver com a natureza da obra de arte. Com o gozo do existir e da própria obra de arte” - os seus olhos iluminados e sábios fitam-me - “o sentir o vivo a viver”.

“O mesmo é outro”

Perguntei-lhe sobre a importância da arte. “Se as artes têm alguma vantagem”,- responde - “é porque nos ajudam a olhar para as coisas e a ver que aquilo que parecia simples e limitado, no fundo, dá saída para mundos e mundos e mundos”.

A arte vive paredes-meias com a consciência “mas por vezes ela produz-se até, sem que o produtor tenha uma ideia, mesmo vaga, do que está a fazer. Não me refiro às artes dos loucos que têm o seu mérito, todo um certo alastramento”, alastramento esse que é “um sector importante da produção da coisa mental”.

“O que é a coisa mental?” – pergunto.

Ri-se e responde: “É a capacidade de pensar a existência de modo que esse pensar tenha forma e consistência, embora não tenha forma nem consistência”. - Sorri da minha reacção – “existe na cabeça, mentalmente” – continua – “e é a partir daí que se dá a forma a nível da visibilidade”.

Para se ser artista é necessário ter “muitas coisas juntas”.

A raiz da palavra “arte” define-a como “fazer de”, “a arte de carpinteiro, ou andar nas artes, como dizem os que vivem perto do mar e não trabalham no campo” - explica, calmamente - “andam nas artes. As palavras são potes sem fundo, saem-nos da boca e não reparamos nelas”, e “este andar nas artes, no fundo, é uma lição sobre o entendimento das coisas”.

As artes prendem-se com as suas técnicas e as substâncias, com a matéria, e com “uma provocação que é cada vez menor, não direi do acaso, mas de qualquer coisa desconhecida ou menos conhecida. É claro que o acaso para o comum das pessoas é uma coisa desprezível, sem regras nem leis, mas a gente, à medida que vai vivendo e apreendendo as coisas, vai chegando à conclusão que o acaso é a matemática mais rigorosa, é aquilo que se oferece só a quem pode perceber”.

As artes respondem a necessidades do homem. As artes da pesca e as artes do camponês respondem a necessidades de sobrevivência mas as artes plásticas também existem por uma necessidade humana. Se não existisse “essa necessidade vital”, o artista não era impelido a produzir e a dedicar a sua vida a fazê-lo.

“Como é um fazer, exige técnica, obrigatoriamente. Mas, a arte é técnica?” - Perguntei.

“Não” – respondeu - “da mesma maneira que a poesia não é gramática embora não possa viver sem ela”. No fundo, a gramática é “um conhecimento da maneira como a língua se processa, se articula, de como ela, por um lado serve o pensamento, e por outro o impulsiona. É sempre ambígua essa relação entre sujeito e objecto, entre o objecto, o sujeito e o predicado. A vida é uma troca constante de posições”.

“Pensa que o artista é aquele que apanha as essências?” – Perguntei.

“Se eu o veria assim?” – Responde – “Sim, sim. Há um jogo permanente entre o artista e o que o artista persegue, e aquilo que no fundo ele faz, que muita vez, quase sempre, transcende o seu projecto”, faz uma curta paragem e avança, “veja por exemplo toda a pintura ocidental, que é uma pintura determinada pela religião. Teoricamente devia acabar, uma vez que a religião é posta em questão, mas a verdade é que eu que não sou católico e continuo a emocionar-me com uma Virgem do Giotto”.

A arte está ligada à vida e vive dentro dela.

“O mesmo é outro, o mesmo é um poço aberto. Não há mesmos”. - Explica.

“E a arte?” – Interrogo.

“É parecido. É uma outra forma de se exprimir aquilo que se pode chamar inquietação. Um sexto conhecimento. Capacidade de absorção, amor, o que quiser. É um pote sem fundo. São cadeias de sensações, pensamentos…”

Paula Ferro

jornalismo - Francis Tondeur

2010-03-18T10:09:00.000-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"
Novembro 2009

“Aurora da minha humanidade”

Uma exposição de Francis Tondeur, num clima de instalação, faz um chamamento ao visitante para inter-agir, brincar e descobrir, no Palácio da Galeria, em Tavira, até ao final do ano.

Escultura, desenho e vídeo coabitam um espaço organizado encorpando o mesmo desafio. Volumes em algodão puro tornado pano, com bordados, desenhos e janelinhas, escondem peças de madeira e bronze fundido que nos espicaçam a curiosidade.

“Não há criação sem audácia”

Francis Tondeur nasceu em Uccle, na Bélgica, em 1939. Começa por se formar em Arquitectura e Artes Visuais, depois licencia-se em Biologia Molecular e faz o doutoramento em Bioquímica. Desde 1963 realiza exposições individuais e colectivas em Galerias e Museus de vários países da Europa e no Brasil.

A sua obra materializa-se de modo variado: desenho, pintura, azulejos, arte pública, cenários para peças de teatro… Mas o que mais o atrai é a escultura.

Foi docente de disciplinas artísticas em Universidades portuguesas, nomeadamente em Évora e no Algarve.

“Há muita coisa em comum no artista e no cientista”, afirma. Ambos devem sentir desejo criativo, devem ter audácia, imaginação e senso da observação do acaso. “Quantas vezes um cientista busca uma coisa e encontra outras? Por causa de um acaso. A mesma coisa acontece em arte. O acaso é uma coisa fabulosa. Uma mancha inicialmente indesejada pode-se transformar num milagre e um erro pode ser utilizado para enriquecer uma peça”.

A audácia é muito importante, sem ela caímos na repetição ou nas modas. “Não há criação sem audácia”.

O que distingue o cientista do artista é o jogo e o material com que se joga. Por um lado é a molécula e todas as ferramentas das físicas e das químicas, por outro é a cor, o pincel, a forma e as ferramentas adequadas aos materiais que se usam. A base é a mesma. “Também é necessário, em ambas, a persistência, a teimosia, e a paixão. A paixão faz parte”.

Há uma ligação muito forte entre o agora e o passado. A sua infância está viva nesta exposição que nasce nas brincadeiras que o artista tinha em criança quando manuseava blocos de madeira. Francis redescobre os seus próprios gestos nos gestos do filho mais novo enquanto ele brinca e espontaneamente repete os movimentos cometidos pelo pai há muitos anos atrás. Ao observá-lo Francis revive-se e sente, com alguma surpresa, que nada mudou no seu gesto. Existe uma outra consciência, um outro conhecimento de gramáticas e uso de materiais, mas o gesto mantém-se intacto.

As forras em algodão reportam para a casa da sua avó e o modo como protegia os móveis, envolvendo-os com panos brancos que causaram em Francis um forte impacto estético. A sua imaginação era instigada pelas inúmeras possibilidades de objectos velados. Desiludia-se depois, quando as forras eram retiradas e os móveis se deixavam ver, mas este desafio de descobrir o que se esconde, ficou até aos dias de hoje.

Em “Aurora da minha humanidade”, as forras fazem parte das peças e são também a ponte para o espectador, encarnam o lado lúdico da exposição e o convite ao visitante para participar do jogo iniciado pelo artista. As forras podem ser tiradas, deixando ver a escultura que está por baixo. Tirá-las, quer dizer entrar no jogo.

As matrizes das peças são feitas de madeira maciça e forte. Reciclagem de vigas, pranchas de cofragem, materiais de construção. Reciclagem que se transporta para a própria criação das peças. As matrizes originais são reutilizadas. Nelas, Francis desenha, pinta e acrescenta bocados de tela, tecidos, torneiras, válvulas e outros objectos. Mistura a madeira com bronze fundido. As peças são cobertas por panos já costurados com janelas, brechas para o olhar, sugestões de possíveis “espreitadelas” para o “mundo” que está lá dentro.

Com espírito lúdico e sentido de humor, aborda temas sociais, culturais e raciais que examina com seriedade e um sentido crítico que pretende que se amplie. Incomodam-no os contra-sensos das religiões e fica entristecido com as consequências da cegueira dos dogmatismos e da ambição económica. Não cruza os braços. O ser humano é-o na posição vertical, mantém-se de pé e em eterno combate. O fluir da vida implica amor pela própria vida e pela sua evolução.

Arte pública em Tavira

As duas esculturas em bronze e os oito cata-ventos que se encontram na rotunda da estação de caminhos-de-ferro, em Tavira, são de sua autoria.

Em 2000, foi convidado para fazer um monumento à guerra colonial. Francis não gostou do tema mas investigou e descobriu uma ligação humana que lhe interessou: o amor entre os soldados provindos de todas as partes do país e as mulheres da terra. O rapaz faz um sinal e a rapariga também. Não se sabe se é a felicidade do regresso ou a aflição do adeus para a guerra. O mesmo gesto simboliza emoções ambíguas que foram vividas neste local, representativo das entradas e saídas da terra onde o soldado vivia dentro e fora do quartel, referenciado na farda típica da época. A rapariga, Francis encontrou na sua fantasia.

Os cata-ventos aludem à história da cidade, antigo centro de comércio que entrava pelo porto fluvial. Evoca a importância do conhecimento dos ventos para o marinheiro. “Daí o cata-vento”.

As suas cores fortes e formas arredondadas prendem-se com outra interpretação. Ali, naqueles balões de banda desenhada com volume e ao vivo, cuja página que é aquela rotunda, estão inscritas as emoções fogosas, saudosas, calorosas, entristecidas, dos amantes que se encontram e/ou se despedem, com a guerra como pano de fundo do pensamento.

Paula Ferro

jornalismo - Isabel Baraona

2010-03-18T09:57:00.000-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"

Janeiro 2010

“folhas, páginas e outros desenhos” de Isabel Baraona

Isabel Baraona nasceu em 1974 em Cascais. Em 1996 conclui o curso de Introdução à Escultura, Pintura, Vidro e Desenho pelo Centro de Arte e Comunicação Visual (AR.CO), em Lisboa, e em 1997 o bacharelato em Artes Decorativas pela Escola Superior de Artes Decorativas na Fundação Ricardo Espírito Santo Silva, em Lisboa. Em 2002 licencia-se em Pintura e Pesquisa Tridimensional na Ecole Nationale Supérieur dês Artes de La Cambre, em Bruxelas, Bélgica, e em 2006 faz uma pós-graduação em Pintura pela faculdade de Belas Artes de Lisboa. Desde 2003, é docente na Escola Superior de Arte e Design das Caldas da Rainha. Começa a expor em 2001.

Uma narrativa mental construída através de imagens

“folhas, páginas e outros desenhos” tem estado patente ao público, e regressa, de 19 de Janeiro a 6 de Fevereiro de 2010, à Artadentro, em Faro. Trata-se de uma exposição de livros, feitos em desenho, e do processo de construção desses mesmos livros, da autoria de Isabel Baraona.

Isabel Baraona é uma artista cuja matéria de expressão é o desenho estruturado em forma de objecto-livro. Não se trata de catálogos ou compilações aleatórias de desenhos, são desenhos feitos com o objectivo de serem livros. A sua organização é ponderada, propositada, significativa, com uma sequência que conduz a uma leitura típica da narrativa. Existem estórias que se cruzam, e personagens que aparecem em várias estórias. “Estamos a falar de uma narrativa mental que é construída através de imagens”, elucida Isabel Baraona, “tenho personagens em mente e a intuição do que eles vão fazer, mas não sou escritora, não construo estes livros com base numa narrativa com princípio, meio e fim. Vou elaborando. Há livros que foram feitos em simultâneo, o que provavelmente dá azo a que personagens se repitam”.

Contar estórias sempre esteve presente no seu trabalho, “tenho séries de desenhos anteriores sobre os contos infantis, sobre os contos de fados e as mitologias”, mas agora, os desenhos são “feitos para serem impressos e apresentados em livro”.

A palavra também existe, mas aqui “é uma pontuação, é uma imagem. É uma palavra que é desenhada”, explica a artista, “as palavras acontecem enquanto desenho, enquanto caligrafia, enquanto pequenas pistas para as cenas de inter-acção entre os personagens, mas, evidentemente que não estamos a falar de prosa, nem de poesia, nem da leitura de um texto enquanto texto”.

Um livro para o qual eu espreito

Ao todo são cinco livros. O processo durou dois anos. “Agora que concluí este projecto dos livros, achei que seria interessante confrontar a colecção de livros com os desenhos originais”.

Um dos aspectos atraentes desta exposição é o facto de se poder comparar “a escala em que o desenho está reproduzido com a escala em que o desenho inicialmente foi feito” e o modo como a artista foi pensando, adaptando, e elaborando. “No processo criativo há sempre surpresas e também coisas que nós podemos planear muito, mas não há um domínio total”.

Outro aspecto a relevar é a aproximação do desenho, o carácter intimista como este nos é oferecido, “pelo facto de ser livro, uma forma que nos obriga a um contacto directo, poder-se-ia dizer ‘de mão em mão’ ou até ‘mãos nas mãos’, que nos obriga a observá-lo de um modo diferente do que seria” apresentado em exposição. Mesmo com os desenhos ordenados do mesmo modo, o facto de estarem expostos cria uma relação muito diferente do manusear um livro “que nos obriga a lê-lo. Aí reside toda a diferença, força, presença”. Por ser em livro e por ser “deste tamanho, intimista, um objecto que cabe nas mãos, quase de bolso. Pode-se esconder, guardar e é fácil manipular”. A escala do livro casa-se com o intimismo da acção dos personagens. “Não fazia muito sentido ser um livro grande, do qual tenho que me distanciar para ver. Faz sentido ser um livro para o qual eu espreito”.

Paula Ferro

jornalismo - Rico Sequeira

2010-03-18T09:40:00.000-07:00

in ".S" - caderno de artes do "Postal do Algarve"

Janeiro 2010

Rico Sequeira expõe no Palácio da Galeria

Referências que se misturam criando um universo de universos

Rico Sequeira nasceu em Portugal, em 1954. Estudou no Luxemburgo, nos EUA. O convívio com outros artistas foi sempre uma constante. Nomes como António Inverno, João Vieira, João Botelho, Malagatana… povoam as suas histórias de vida e de aprendizagem fluida.

Foi músico profissional mas vendeu toda a aparelhagem para se dedicar à pintura. “Retirou-se” para o Museu do Prado, em Madrid, onde passava os dias a desenhar as obras de Goya. Isso marcou-o para sempre no modo de olhar.

O seu percurso expositivo inicia-se em 1982 e regista-se em vários países, entre os quais se destaca Portugal, Espanha, França, Alemanha, Luxemburgo, Brasil e Argentina. Entre exposições individuais e colectivas em galerias, foi convidado a expor em vários museus, como o Museu de Payerne (Suiça) e o Museu Meistermann (Alemanha) e também em Feiras e Salões Internacionais de Arte, como sejam a ARCO, a FAC e no Salão Grands et Jeunes.

Ser coleccionador é para Rico Sequeira uma forma de estar na sua arte. Colecciona, entre outras coisas, originais de banda desenhada que integram vários dos seus projectos como o de Tavira.

Serve-se de originais de outros artistas. “A obra nasce do encontro de objectos. Qualquer coisa que vejo: papéis bonitos, folhas de provas mal impressas… interessam-me. É um trabalho que não foi feito por mim, mas que tem, graficamente, uma estrutura muito importante e que eu introduzo no meu trabalho”.

É também escultor. “Gosto de escultura mas não sou escultor de partir pedra”. Busca o caminho mais eficaz. “Recorto o tecido, mando cozer, encho de algodão e faço o molde. As coisas têm que ser muito práticas e muito simples”.

O seu trabalho incide essencialmente sobre a pintura e o desenho, duas técnicas que frequentemente se confrontam embora algumas vezes se consigam conciliar, quando realmente se conseguem esbater e misturar, uma na outra, dentro da mesma obra.

“Sempre gostei muito de desenhar”. Diz não dar qualquer importância à cor. “Essa parte da pintura pinta, pinta, é um bocado animalesco”. Rico é mais suave, mais concebível, no seu trabalho, e o verdadeiramente importante é o desenho. “As cores são bonitas mas se estiver uma paleta ali, o que me vier à mão é que eu ponho. O Matisse já dizia que quando o desenho está bem construído, está tudo bem!”

No entanto, Rico Sequeira pinta, e não só pinta, como só usa as tintas que faz. “Compro o pigmento e faço as minhas cores. Assim dou-lhes a dimensão que quero”.

O seu traço é gestualista e cria um efeito plástico de aleatoriedade, no entanto, é o resultado de uma súmula de gestos que já contém em si o pensado. “Gostava de ser um pintor abstracto mas não consigo”, confessa. E enceta uma conversa sobre o poder do escondido, do que está por baixo da tela que se pinta e de como esse escondido faz parte da própria obra.

Usa frequentemente técnicas mistas com colagens. Estas são a ponte entre a pintura e a originalidade da banda desenhada.

“Hops! Tom & Rico”: BD de Rico Sequeira

“’Hops! Tom & Rico’: BD de Rico Sequeira” é a exposição que se encontra patente ao público no Palácio da Galeria, em Tavira, até ao dia 30 de Janeiro de 2010.

Trata-se de um projecto antigo de Rico Sequeira que aqui se materializou. Uma espécie de “bomba-informação” provinda de milhentos lugares. Referências que se misturam criando um universo de universos que se aglutinam através do génio criador do artista, unidade da multiplicidade que é o mundo, destacando um lado onírico quase vivo, acrescentado pelo apelo à participação na criação conjunta.

Esta exposição oferece inúmeros encontros de opostos: o desenho e a pintura; a BD e a arte; a palavra que se exprime através da escrita e da escultura, nas onomatopeias, onde o som se congela em forma, apelando a outro modo de olhar esteticamente; a mostra do que existe, do que é, como que “sagrado”, os valiosos originais que o artista se esforça por encontrar por esse mundo fora, “profanados” por uma nova criação que não anula a primeira, antes lhe acrescenta o fluir da vida e do mundo inesgotado e interminado. E no valor estético tudo se equipara, os originais de BD e as provas de impressão mal feita. O que interessa é a estrutura gráfica que estimula o artista a ir mais além na expressão de si próprio como elo harmonizador da multiplicidade.

Para além da vertente informativa (exposição de partes da sua colecção, e das obras de sua autoria apresentadas em diversos formatos), há um lufar de cor em gritaria, um ar de festa e infância à solta e uma proposta num painel: “Estes quadros são para ser pintados pelas pessoas que visitam a exposição. Podem desenhar, escrever”… explica Rico, “depois faço uma intervenção, passo verniz e estes quadros vão constar, no próximo ano, na exposição de Schengen”, no Luxemburgo. E, os traços de quem por aqui passa, misturam-se com o traço do fluir da história, para além-fronteiras, compondo já, as próximas obras de Rico Sequeira.

Paula Ferro

jornalismo - Álvaro de Mendonça

2010-03-18T09:18:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes do "Postal do Algarve"
25 de Fevereiro de 2010

O poema urgente
Arte como modo permanência

Álvaro de Mendonça (1959), nasceu em Faro. Viveu sempre entregue a vários ramos das artes navegando abaixo da superfície. A arte é um modo de ser, não obstante isso, gosta de frequentar os lugares comuns e os subterrâneos da humanidade onde encontra as suas essências.

Qual é a sua formação?
Escola Superior de Belas Artes (ESBAL) de Lisboa, Pintura. Depois fui dar aulas. A partir de 85.

Gostou?
A princípio gostei apesar de ter sido iniciado sem qualquer preparação. Foi muito bom trabalhar com crianças e adolescentes. Tive a oportunidade de reaprender muitas coisas. A partir de 2005 deixou de fazer sentido pois os professores foram desprezados de forma indigente.

Tem tido um percurso artístico…
Claro! Desenho, pintura, poesia… Desde sempre. E também design gráfico, pois comecei por desenhar embalagens de plástico para produtos congelados.

O seu percurso individual como artista?
Nunca aderi a esquemas comerciais em nada.
Exposições…
Participei em muitas: Colectivas na Escola de Belas Artes, na Sociedade Nacional de Belas Artes, no Casino Estoril… Fiz a primeira individual em 83 no Instituto Superior de Ciências do Trabalho e da Empresa (ISCTE) a convite da Associação de Alunos. Fiz outras… A última foi na Galeria Trem em Faro e a próxima vai ser no Convento dos Capuchos em Almada.

Quando é que começou a gostar de desenho?
Desde muito cedo. Vivia numa casa à beira de uma floresta. Nasci em Faro mas o meu pai era militar e fomos viver para a zona de Sintra. Aí, passava os dias a desenhar, e tive acesso a um imaginário fabuloso.

Antes da escola?
Sim.
Também escreve…
Sim. Comecei a escrever poesia em Luanda, em 1972. Tinha comprado uma antologia luso-americana onde encontrei, pela primeira vez, o texto “arte poética” de Jorge Luís Borges. Fiquei de tal forma impressionado que me impus começar a escrever e então comecei.
Costuma ler outros poetas?
Leio todos.
Tem preferências?
Sim. Borges e Pessoa, sobre todos. De resto, Coleridge, Eliot, Whitman, Poe, Baudelaire, etc.
E de romance, gosta?
Não é uma questão de gosto. O primeiro livro que comprei na minha vida foi “Crime e Castigo”, de Fiódor Dostoiévski. Tinha treze anos.
Marcou-o?
Sim. Da forma mais impressionante. Não era propriamente um livro para ler naquela idade. O que aconteceu foi uma espécie de impressão profunda.
Impressão como?
Foi algo que me afectou para o resto da vida. Não me apercebi disso quando o li. Mas de facto, estava já perante aquilo que viria a ser o meu processo de destruição da personalidade.
“Tenho o direito de destruir tudo aquilo que construo”
Como assim?
Trata-se da construção de um personagem que passa a habitar o nosso tempo comum. Depois, podemos destruí-lo…
Até que ponto isso se insere na sua obra?
Trata-se de todo o processo de criação. Criação/destruição. Só quem consegue construir o personagem é que pode destruí-lo. Mais ninguém tem esse direito nem essa possibilidade.
Como é que isso interfere no seu processo criativo?
É simples. Eu tenho o direito de destruir tudo aquilo que construo. Tal como o genérico da humanidade. Todos nós imaginamos coisas e, de repente, por um acidente qualquer as esquecemos. É só!

É urgente para si a poesia?
Sempre.
Como é que a vive?
De uma forma natural. Não é a poesia que me interessa, é o modo como se pensa, como se sente o poema.
Trabalha a poesia?
Raramente. Normalmente é a “la prima”. O que sai é o que fica, em termos de escrita. O processo de sentir até chegar à escrita é que é muito mais moroso.
Como é esse processo?
Tem-se modificado muito ao longo do tempo. Quando era adolescente escrevia poesia porque gostava, sentia-me bem e afastava-me das coisas, pegava na máquina de escrever e ia escrever. Depois foi-se modificando. Cada vez mais, começou a virar as coisas ao contrário. Comecei a viver para a poesia.

Como é que se escreve?
Escrever é um momento raro. Acima de tudo tem que se viver o instante. Sem o instante nada existe. A poesia é, de facto, um momento de emoção. Não interessa a escrita. A escrita é um acidente previsto. O poema não se pode escrever… tem que se sentir.
Tem obras publicadas?
Publiquei um livro em 2005. Na altura, uma colectânea de textos recentes.
Mas tem poesia para publicar?
Tenho!
Escritas recentes?
Sim. Todos os dias escrevo um poema. Há mais de mil anos que escrevo um poema todos os dias, agora está a ver, um poema por dia, dá trezentos e sessenta e cinco poemas por ano, ou seja, mais de três mil e seiscentos e cinquenta poemas ao fim de dez anos…Eu ando aqui há séculos, e já escrevi largos milhares de poemas.
E os antigos já estão gastos?
De forma nenhuma. Nós somos sobreviventes da civilização ocidental. Não nos podemos esquecer dos gregos nem dos romanos, nem dos reinos que nos atravessaram. Ulisses é uma referência universal e intemporal, tal como Shakespear, Camões, Dante e Giordano Bruno.
“Desenhar ou escrever é a mesma coisa”
Poesia e desenho?
Para mim desenhar ou escrever é a mesma coisa. Tanto me faz desenhar um poema como escrever um desenho.

Nunca pensou em fazer um livro de artista com poesia e desenho?
Pensei. Tenho isso previsto. Os materiais estão quase prontos.
O que o move?
É a sensibilidade extrema. É a mesma coisa que dizer “não há pão para malucos”!
Desenha sempre a figura humana?
Sempre desenhei a figura humana. Quando comecei a desenhar, rapidamente passei dos bonequinhos para o desenho à vista. Com cinco, seis anos de idade desenhava figuras. Pessoas que via, pessoas que encontrava. Não passei propriamente por aquela fase dos bonecos com as mãos no ar e nuvens na cabeça, passei logo a uma forma figurativa, observada, sem partir do imaginário.
Não passou pelos objectos?
Também. Aliás, o meu pai tinha trazido da Índia uma mala de cânfora com arabescos e rendilhados enormes, esculpidos na madeira… Passava dias e dias a desenhar aquelas coisas. Era o meu grande modelo. No meio daquilo havia muitas figuras humanas que ia criando, que ia mexendo, quando mudava de posição…
Na pintura a figura humana também é central…
Sim. A figura humana é central. É o grande sujeito.
Porquê?
Porque nós somos só reflexo de nós próprios.
Não tem influências de mais ninguém?
Eu sofro de todo o tipo de influências. Todos os autores me afectam. Desde Fídias até Francis Bacon (séc. XX).
E na poesia?
Eu li gregos, romanos e troianos. Li Vergílio. Li na rocha profunda os anónimos que atravessaram a Antiguidade e toda a Idade Média. Recentemente, os textos de Fulcanelli. De resto, agora, Pablo Neruda, Allan Ginsberg…
“Aprendi a ser universal com Borges”
Portugueses?
Aprendi a ser universal com Borges. Não posso limitar-me à nacionalidade, apesar de pensar que, de facto, Pessoa é um ser infinito.
Quem é Pessoa para si?
Nos nossos dias, Pessoa é um escroque. Foi utilizado da forma mais repugnante pelo Estado.
Como assim?
Toda a gente sabe que o único livro que publicou em vida foi uma coisa com noventa e tal páginas. Mas isso serviu para espelhar o Império. O nosso Império.
E o baú?
O baú era dele. Ninguém tinha que ir lá vasculhar. A partir de certa altura, tornou-se moda e símbolo das mais diversas conjecturas intelectuais… vasculhar no baú do Fernando. E toda a gente foi lá buscar coisas, até as mais insignificantes, como rabiscos inúteis em pedaços de papel rasgado. Há dias fui ao Martinho da Arcada beber um copo e já lá não podia entrar. Tive que ficar na esplanada, cá fora, a pensar que podia ir lá dentro sentar-me à mesa com ele. Mas afinal, só lá estava um copo vazio quando todos sabemos que o que ele gostava era de copos cheios. Outra vez, andava eu a passear pela “Feira da Ladra às sete da manhã”, quando olho de soslaio para uma bancada estendida no chão e vejo um título que dizia: “ A Centenary Pessoa”.
Já foi à Casa Pessoa?
Sim. Fui lá passear há tempos com as minhas filhas. Pensava que lhes ia mostrar onde habitava o “Mestre”. Acabei por ter problemas para estacionar o carro e depois lá conseguimos entrar. Estava fechada. Só lá estavam os seguranças que não me souberam dizer nada mas, que nos deixaram entrar. Depois lá vimos a máquina de escrever, restos de textos espalhados e repetidos pelas paredes… e o quartinho onde, de facto, ele terá habitado, sem casa de banho.
O Futurismo diz-lhe alguma coisa?
Pelo que sei, o Futurismo em Portugal era ali no Chiado e às portas da Brasileira. O Santa Rita Pintor dava “estrilho” quando lhe apetecia, uns foram para Paris, uns outros estavam internados em hospícios, outros foram para Londres e alguns outros para Nova Iorque. Quem ficou cá? Foi o Álvaro de Campos que, tinha uma vantagem perante todos os outros, era o facto de não existir.
Quer dizer que o Futurismo não existiu?
Existiu, existiu… mas não serviu para nada. Quem se aproveitou bem foi o Almada.
“Temos que lutar contra a iniquidade”
Porquê?
O Almada sempre foi um poeta medíocre, tal como medíocre foi na expressão plástica… apesar de sustentado pelo marketing intelectual da época. Basta ir à Gulbenkian e olhar para aquele painel que nos obstrui a entrada, ou então, ir ao Cais e olhar para aquelas coisas. O “Quadrado Azul” é para esquecer.
E o Manifesto Anti-Dantas?
O Dantas era um parvalhão, e toda a gente se aproveitava dele, obviamente que o Almada teve que lá dar o seu “peido”. Até os retratos que ele fez do Pessoa são coisas delambidas.
Como se define como pintor?
Sou uma espécie de “neo-neo-expressionista” como diz a Brooke McGowen que agora vive em Nova Iorque.
O que é isso?
É elevar o gesto até à expressão. O “neo-neo-expressionismo” é uma corrente abstracta que resulta de um processo criativo complexo. Tem a ver com uma espécie de “abstracto-convencionismo”, ou seja, se nós conseguimos produzir uma imagem abstracta, também, ao mesmo tempo, conseguimos utilizar uma representação pictórica daquilo que não queremos representar. Pode parecer complicado, mas as coisas são mesmo assim. Uma vez pensámos que seria possível criar uma corrente chamada “abstract-realism”, ou seja, realismo abstracto, mas isso não deu nada, nem nunca há-de dar nada.
Onde encontra a sua inspiração?
Eu não tenho inspirações. Tudo aquilo que faço obedece a uma fórmula concisa.
Pode explicar melhor?
A inspiração é uma imagem metafórica que utilizamos desde que concebemos uma linguagem que tem a possibilidade de expressar a emoção. A emoção é a inspiração.
E a transpiração?
Isso deve ser uma coisa abjecta a que não temos acesso.
E essa história dos 5% de inspiração e 95 de transpiração?
Isso faz-me lembrar a nossa questão animal. Transpiramos pelo que pensamos mas nunca transpiramos por pensar.
Tem algum projecto entre mãos?
Tenho. Aniquilar a personalidade.
Isso é possível?
Sim. Com muito esforço. Temos que lutar contra a iniquidade.
Qual o seu próximo passo?
Destruir-me enquanto autor. E esta é a última entrevista que dou.
Porquê?
É uma questão de coerência.

Paula Ferro

Jornalismo - Nuno Faria

2010-03-11T13:06:00.000-08:00

in ".S" - Caderno de Artes do Postal do Algarve
28 de Janeiro de 2010

Uma ética que é uma estética

Nuno Faria nasceu em 1971 em Lisboa, formou-se em História da Arte pela Université Libre de Bruxelles, é professor do Curso Avançado de Fotografia do Ar.Co – Centro de Artes e Comunicação Visual e do Curso de Artes Visuais da Universidade de Faro. Escreveu na Revista História – Jornal de Letras, foi subdirector do Instituto de Arte Contemporânea, actual Instituto das Artes. Foi consultor e curador residente do Serviço de Belas Artes da Fundação Calouste Gulbenkian.
Veio residir para o Algarve no início do séc. XXI onde fez vários projectos: “Os dias de Tavira”, no ano de criação do Palácio da Galeria “em armazéns de sal, numa vertente sobretudo de arte contemporânea, com pessoas como o Francisco Tropa, Pedro Cabrita Reis, José Pedro Croft, Augusto Alves da Silva, entre outros”. No âmbito de “Faro, Capital da Cultura”, fez um projecto na Quinta de Marim, entre outros.
Foi convidado pela Fundação de Serralves para ser coordenador local da segunda edição do Allgarve.
Vive actualmente perto de Loulé e pretende “fazer um trabalho estruturante que crie um contexto e instancias críticas que contribuam para que o Algarve cumpra o seu destino que não é ser um mero local de férias, é sim, reencontrar a sua natureza de ponto de encontro, de troca civilizacional e cultural”.
Sente que no seu trabalho há “uma espécie de missão que o investe de uma responsabilidade muito para além do próprio prazer ou da realização profissional”, é absolutamente uma “uma ética e uma estética em simultâneo”.

Mobilehome
“Mobilehome – Curso Experimental de Arte Contemporânea” foi organizado pelo Atelier Educativo e a Câmara Municipal de Loulé, coordenado por Nuno Faria, decorreu no passado Verão e terminou com uma exposição no Lagar das Portas do Céu em Loulé. Este curso, integrado na programação do Allgarve dirigiu-se a artistas com percurso e a participação esteve sujeita a selecção.
“O projecto Mobilehome tem que ver com a leitura que fiz sobre as lacunas mais gritantes no panorama da arte contemporânea no Algarve”, explica Nuno, “não existem instâncias críticas no Algarve ou existem de forma muito isolada. Contam-se pelos dedos os espaços galerísticos com consistência e, mesmo assim, uma só mão chega e sobra. Uma das lacunas mais gritantes e aflitivas é o facto de haver uma panóplia muito interessante de artistas com trabalhos sólidos, a trabalhar cá, sem um enquadramento crítico. Os artistas precisam de diálogo, de trocar ideias, de ter pessoas em quem confiem e que saibam entabular uma crítica. Os artistas com trabalho consolidado são seres muito complexos e com uma estrutura crítica muito forte mas carecem muito do seu contexto para desenvolver trabalho e discutir sobre ele no sentido de enriquecer e ganhar novas perspectivas a partir dele”.
Faltava um bom projecto educativo que juntasse os artistas criando uma ponte de diálogo e acompanhamento de trabalho. “Faltava sobretudo um projecto equiparado ao que poderia ser uma pós-graduação, independente e experimental, para artistas com percurso e que convocasse outros artistas. A perspectiva tem que ser sempre a de tentar perceber o que é que faz falta e de abrir o lugar também a outras pessoas. Essa é a melhor maneira de se ultrapassar, de uma vez por todas, esta relação viciada e completamente assimétrica que é o mundo contemporâneo do Algarve e o seu modo de se posicionar como região periférica que é. A periferia geográfica não tem que corresponder uma periferia de pensamento. Quem acompanha o que se passa a nível internacional nas grandes dinâmicas de programação percebe que os ditos centros estão muito interessados nas periferias e estão a redescobri-las porque elas têm um potencial enorme”.
Trata-se de uma espécie de curso ou escola de Verão e “baseou-se num formato muito simples de seminário/workshop e numa relação de tutores com os participantes, de artista para artista, de curador ou de crítico para artista, e acredito que só é possível fazer isto com pessoas que tenham acção no meio, uma acção verdadeira, com pessoas que façam”.
Foram convocados artistas, “portugueses ou não, a viverem cá ou não, para fazerem parte deste corpo. Houve uma série de conferências, de masterclass e de artistas a falarem sobre o seu trabalho. Houve sobretudo cinco semanas de curso muito intensas que tiveram uma belíssima participação reunindo um conjunto de artistas muito qualificados, muito interessantes, que vivem aqui e trabalham aqui. Penso que a experiência foi muito forte para eles”. Participaram também artistas de outros pontos do país e do estrangeiro.
“Estamos a preparar a segunda edição que já está praticamente formatada”, informa, “em Novembro houve um encontro de preparação com vários tutores. É um projecto com um orçamento bastante vago. Não se acredite que só se fazem coisas com orçamentos altos”.
Este ano o formato vai ser sobretudo de investigação sobre o território. “A arte contemporânea tem uma dimensão política interventiva no sentido nobre do termo e, ao grupo de tutores, parecia impossível não se fazer um trabalho sobre o território, sobre as instituições, sobre esta bipolaridade algarvia. A bipolaridade litoral/ interior, Verão/ resto do ano, a produção própria, agrícola ou piscatória e o fornecimento de serviços, a relação entre a paisagem e os campos de golfe”.
O próximo Mobilehome vai ter também uma forte componente de residência para as pessoas se concentrarem totalmente no seu trabalho e vai haver um naipe de tutores absolutamente invejável.
“O encontro de preparação foi muito importante. Convidámos o Francisco Palma Dias para fazer uma leitura sobre o território. Ele é uma das pessoas mais decisivas, uma das muitas pessoas que aqui, no Algarve, se mantêm recatadas mas têm uma produção de pensamento absolutamente central. Convidei um arquitecto relativamente jovem, o João Soares que nasceu em Loulé, estudou em Veneza, é professor na Universidade de Évora e escreveu uma tese sobre o território algarvio, sobre as mudanças do território, muito pressionado pelo turismo. Tudo isto numa perspectiva de criar conhecimento e de multiplicar esse conhecimento. As coisas têm dado frutos. Alguns artistas estrangeiros que cá vieram querem estabelecer-se aqui, alguns até já o fizeram. Isto é uma lógica sempre multiplicadora. E é preciso entender uma coisa: estes projectos não se fazem com dinheiro, fazem-se com conhecimentos, com contactos, com o trabalho que vai sendo cozido. O meio da arte contemporânea é um meio que se move muito pela generosidade das pessoas. Estes projectos são muito acarinhados pelos agentes do meio, têm uma enorme visibilidade pública e percebe-se que têm em si uma semente que pode crescer de um modo muito forte”.
O projecto Mobilehome é uma parceria do Atelier Educativo com a Câmara Municipal de Loulé, “que continua e estamos a preparar um forte programa educativo que cobre vários escalões etários, várias áreas e pretende reunir um conjunto de pessoas em torno da energia que a arte contemporâneas evoca”.

Algarve Visionário, Excêntrico e Utópico
A Rede de Museus do Algarve criou um projecto expositivo que se chama “Algarve, do Reino à Região” que vai ter lugar em Maio do corrente ano onde participam catorze museus, tendo cada museu uma exposição dedicada a um tema e a uma época. O Museu Municipal de Faro escolheu o séc. XX e convidou Nuno Faria para conceber e comissariar um projecto relativo à arte contemporânea. O projecto apresentado intitula-se “Algarve Visionário, Excêntrico e Utópico” e faz uma leitura a partir de uma tese e de uma figura tutelar.
“A figura tutelar é o poeta João Lúcio que foi muito mais do que um poeta simbolista”, explica o curador, “tinha um trabalho e toda uma existência muito utópica e visionária com o chalé que construiu para criar, para escrever e que infelizmente não chegou a usar com a intensidade com que queria. João Lúcio tem todo um contexto e um conjunto de figuras anunciadoras como o João de Deus que ia e vinha para Coimbra, escrevinhando os seus poemas e dedilhando a sua guitarra numa espécie de prenúncio de uma beat generation. Teixeira Gomes, um vulto absolutamente incrível, foi a visão que o levou mais longe e à abdicação do poder para o exercício da viagem”.
Esta exposição, a partir de um conjunto de figuras, tenta estabelecer uma leitura do território e do modo como este influencia as pessoas “e tenta marcar um conjunto de projectos mais ou menos utópicos, mais ou menos excêntricos, mais ou menos conhecidos. Dá-nos a realidade deste território que é completamente estilhaçada, muito polimórfica, em que as pessoas raramente falam umas com as outras, em que vêm para estar isoladas, para realizar a sua mitologia e a sua utopia individual.”
A exposição estabelece uma ligação entre o Norte e o Sul. “O Algarve é uma espécie de Norte do Sul e de Sul do Norte. Desde sempre há uma relação simbolista com o mundo própria do Norte, essa relação intensa com a natureza, essa infalibilidade com os fenómenos. Isso confirma-se com a presença de um conjunto de figuras do grande Norte, os nórdicos, os austríacos, os alemães, os franceses, numa relação de grande fascínio. Isso tem que ver com o magnetismo deste lugar e o que a exposição faz, num certo sentido, é tentar mapear várias tipologias de relações com o lugar”. A construção da casa “que é a máxima utopia de valorização pessoal. Grande parte de projectos excêntricos e completamente deslocados do lugar são exemplo disso”.
A exposição é composta por vários núcleos. “Um núcleo que se chama ‘Gastronomia enquanto obra de arte total’ apresenta várias figuras e a importância da alimentação e da cozinha neste lugar e contém figuras que basearam todo o seu trabalho criativo aí, pessoas de cá e outras que vieram para cá, mas que levaram estes projectos para o Norte”.
Outro núcleo que tem que ver com o experimentalismo e como figura central René Bertholo apresenta “um disco maravilhoso que se chama ‘Um Argentino no Deserto’, um disco de música electrónica e experimental a que Bertholo dedicou grande parte da sua vida”.
Outro núcleo elege “a plêiade de personagens ligadas à poesia, à palavra, ou à tertúlia no final dos anos 50, princípio dos 60 que aconteceu em Faro gerando esse movimento absolutamente essencial para a mudança radical da literatura portuguesa a que se chama ‘Poesia 61’ e reuniu pessoas como Ramos Rosa, Luísa Neto Jorge, Gastão Cruz, Manuel Baptista, António Barahona e até Zeca Afonso. Aqui vai-se tentar ver, de uma forma mais ou menos livre, como o território influenciou a escrita”.
Outro núcleo diz respeito à relação entre a pintura e a escrita. A palavra e imagem, a poesia e a pintura. “Chama-se ‘Lagos são os Lagos’ e está entre o Joaquim Bravo e a Sofia de Melo Breyner”.
A exposição vai ocupar quatro lugares em Faro: as galerias municipais Trem e Arco, o Museu Municipal e no Museu Regional. “É uma exposição muito forte que vai durar sete meses. É uma espécie de laboratório e também uma homenagem ao Manuel Baptista. Vai ser um trabalho crítico mais decantado”. Os seus grandes “cúmplices” são Vasco Célio e com o Jorge Graça. “É um bocadinho agitar as águas, criar um chão para se debater”, explica, “e é uma exposição com um orçamento relativamente baixo”.
Sobre as críticas à falta de artistas da região no Allgarve,
Nuno Faria afirma: “O debate sobre o Allgarve é um desencontro de ideias e uma perda de energias. Assisti às mais patéticas manifestações de ignorância provindas quer de pessoas do Algarve e que aqui trabalham, quer de pessoas de Lisboa e do Porto e que têm responsabilidades críticas. O projecto Mobilehome esteve incluído na programação oficial do Allgarve e é um projecto que está a ser feito aqui, por uma associação sedeada no Algarve, em parceria com uma câmara algarvia e reuniu mais de vinte artistas que trabalham cá, vivem cá e são de cá.
É preciso ter conhecimento de causa para se falar sobre as coisas. Ninguém tem legitimidade crítica se não sabe distinguir o trigo do joio. Agora quando se quer ter plataforma, ter tribuna para se mostrar e se recorre a um tema como estes, é evidente que não se pode estar à espera que se fale de modo responsável”.

Paula Ferro

Jornalismo - Entrevista reportagem com Teresa Patrício

2009-10-25T04:44:00.000-07:00

in Postal do Algarve
Março 2008

(in "Geografias Variáveis" - Palácio da Galeria - Tavira)

“A arte é longa, a vida é breve”
In "Aforismos" de Hipócrates

O trabalho da artista prende-se com o ordenamento do território

É o sul, tenho raízes e estou apaixonada por Cacela Velha

Criar harmonias e envolventes que possam favorecer essa harmonia central

Teresa Patrício começou a interessar-se por actividades criativas quando o pai lhe ofereceu uma caixa de lápis de cor, “tinha talvez três ou quatro aninhos. Os lápis de cor eram assim uma grande alegria”, faz um gesto com os braços e fala pausadamente, “depois fui fazendo coisas. Desenhos. Depois encontrei as tintas, depois chateei-me com as tintas. Então descobri a tapeçaria e foi a grande paixão” e o rosto queda-se iluminado.
Está no Algarve desde 1981 “e o que me mantém aqui é tudo. Nunca tinha pensado muito bem na minha ascendência paterna mas é um facto que ela está cá. Tenho ascendência em Silves e Alcantarilha”. Parou o olhar num ponto do infinito só dela e… “é o sul, tenho raízes e é o sul, o Mediterrâneo, é uma questão de clima e estou apaixonada por Cacela Velha”. Riu, deixando transparecer uma imensa jovialidade.
Também fez teatro, “representei com o Grupo de Teatro António Aleixo”. Em Vila Real de Sto António aconteceram dois festivais de Teatro, “um foi organizado por mim e o Nuno Osório”. Fez “fotografia para a Revista Sul, as capas. Já não existe, saíram oito números e infelizmente acabou”.
Mas, chateou-se com as tintas? Perguntei. “Sim, as tintas são um grande susto”. E voltou a rir com tranquilo ar jovial, “assustam-me muito os pincéis, sinto-me mais à vontade com o têxtil”.
No entanto mostrou vários trabalhos onde os pincéis e as tintas estão presentes, quadros pintados a pastel de óleo diluído em aguarrás sobre pano porque “gosto da textura do pano, é muito menos agressivo do que aquela tela plastificada”. Encolheu os ombros e sorriu com ar de catraia, “tenho medo, não sou pintora”.

Acordo, olho para o meu cão e digo “vamos começar um bom dia?”

Outro tipo de trabalho com tintas e pincel é o restauro criativo e reorganizado de peças de barcos que “morrem na praia”. Peças que “pintei com as suas próprias cores e outras nem sequer pintei”. Usou “esmalte dos barcos, pregos dos barcos”, materiais como os de origem. “Fiz uma recolha de Vila Real de Sto António até Olhão. Peças lindíssimas!”
Conta que “para modernizar a frota pesqueira os pescadores que queriam um subsídio da comunidade europeia com 60 por cento a fundo perdido tinham que abater o seu pequeno e velho barco de pesca, muitas das vezes património marítimo absolutamente fascinante”. Fez uma pausa e sorriu tranquilamente. “Isso levou-me a fazer um trabalho com essas peças de barcos às quais chamei ‘Os Navegantes’” e esteve exposto na Casa Azul em Cacela Velha.
O quotidiano de Teresa Patrício é simples e sadio. O seu grande companheiro é um idoso cão de água algarvio que irradia simpatia. “Acordo, olho para o meu cão e digo ‘vamos começar um bom dia? ’ Ele dá uns grandes pinotes, tomamos o pequeno-almoço e vamos até à praia, depois ponho o meu cão em casa, pego na bicicleta e vou dar um passeio. Venho então para os meus trabalhos, quotidianamente”.
Para Teresa o acto criativo não se limita ao espaço de exposição, à galeria. Apesar da aparente rotina do seu quotidiano, a sua forma de estar na vida é interventiva, criativa e tem um objectivo muito forte. “Criar harmonias e envolventes que possam favorecer essa harmonia central. O objecto central e as envolventes trabalhadas é uma coisa que me fascina muito”.
Há cerca de vinte anos atrás, fez uma instalação na praia de Cacela “uma praia deserta, não tem caixotes… tinha muito lixo. Eu e o Ricardo Baptista, tivemos um mês de Agosto, inteirinho, todos os dias, a apanhar o lixo. Delimitámos trinta mil metros quadrados entre Cacela e a Manta Rota, centrámos Cacela e limpámos tudo até ao mais pequenino pormenor, e metíamos em sacos de plástico atrás da duna.” Parou, divertida. “Havia um amigo nosso muito preocupado, ‘e se vos roubam o lixo’!?” Um riso verdadeiro assomou-se-lhe ao rosto. “Enfim, ninguém nos roubou o lixo”, um sorriso-riso de pausa, “eram mil e quinhentos sacos de lixo e fizemos a instalação que era uma cruz de tóxico, das dunas até ao mar. Havia um panfletozinho explicativo onde também agradecíamos que cada pessoa que veio à exposição levasse um ou dois saquinhos para o contentor mais próximo. A areia agradece!” Fez um gesto largo com o braço, divertida com a lembrança. “A exposição chamava-se ‘O chamamento da Areia’. Bem, a praia ficou mais limpa!”
Teresa Patrício sente que “Cacela Velha devia ser a Pérola da Ria Formosa” e “apeteceu-me fazer coisas que mantivessem essa calma que existia em Cacela, essa cal e essa harmonia”. Passou a pertencer a uma associação, “a ADRIC, Associação de Defesa, Reabilitação do Património Natural e Cultura” onde permaneceu durante vinte anos. “Era uma associação muito novinha mas já existia. Deu origem a muitos trabalhos de defesa do património: caçar caçadores de fósseis, caçadores de pássaros, as arribas… enfim, toda a envolvente natural leva a querer preservar isto ao máximo e isso foi um trabalho…” buscou o adjectivo que a rondava, “… poético!” E sorriu.
“Uma vez que o parque nem sequer tem possibilidade de ter guardas por todo o lado, isto aqui em Cacela era um santuário de tiros e de redes ali no ribeiro que é um santuário de verdade. Deu-nos algum trabalho andar à caça dos caçadores. Criámos alguns inimigos”. Por outro lado, “gente de toda a banda vinha de picareta dar cabo das margens do ribeiro para apanhar fósseis. Foi outro trabalho. Vinham até de Universidades da Europa. O mundo soube antes de nós que aqui era a jazida fóssil mais importante da Península Ibérica. Está praticamente destruída, salvo alguns sítios onde há muita vegetação”.
Cacela é um ponto com importância arqueológica. “O início da arqueologia foi uma coisa nossa. Fazer com que as entidades dessem o devido valor à arqueologia. Passaram muitos povos por aqui antes de nós. Existem marcas romanas e islâmicas. Mas toda a história de Cacela está provavelmente por desvendar uma vez que o tremor de terra de 1755 deu cabo das provas históricas que poderiam existir e depois um fogo em Vila Real de Sto António também destruiu arquivos”.

Cacela está no meu trabalho mais do que tudo.

Há que preservar e fazer viver. A casa que habita é uma prova disso. Recuperada adequando, de modo harmonioso e criativo, a resposta às necessidades actuais com a falta de espaço e a traça de sempre do edifício. Teresa gosta de raízes que prolongam e continuam a vida, de mexer nos materiais naturais, de os tratar com cuidado e preciosidade. “Descobri a cana”, exclama apontando para o tecto da parte térrea da casa, (todo o resto é escavado), tratado por ela “desde o canavial, cortar com um bisturi aquela parte da folha para não rasgar…” e prende o olhar às canas, impecavelmente tratadas, com amor e orgulho.
Contacta com outros artistas. “Infelizmente a pessoa com que me dava mais morreu, o René Bértholo. Morava aqui na Ribeira do Álamo, uma pessoa extraordinária, fazia parte do grupo dos pintores do Levante com Manuel Baptista, Jorge Martins, Costa Pinheiro, entre outros. A esposa dele, a Elna Hellwig, continua por cá e pinta, fotografa.”
Neste momento integra a exposição colectiva “Geografias Variáveis” que se encontra patente ao público no Palácio da Galeria. “O que exponho não é tapeçaria, chamo-lho ‘trapologia’ no sentido do estudo do pano pela arte. Gosto dos materiais e gosto de trabalhar com eles. Trabalho como se fosse um puzzle”. Quadros que em vez de serem construídos com tintas são construídos com pedaços de pano. Usa a máquina de costura, “começo pelo material, pela textura e pela cor. Linhos, de preferência. Isso tem-me dado a possibilidade de criar formas monocromáticas através de linhas de cosedura” vai buscar uma textura diferente, cose os panos, combina diferenças ordenadas, daí a relação entre o seu trabalho e o ordenamento do território. “Cacela está no meu trabalho mais do que tudo. A cal, as formas, os muros e as portas e as janelas e para dentro e para fora disso. Tem a ver com a paisagem natural e também com a urbana. Hoje já não podem ser separadas, temos a paisagem humanizada misturada com a paisagem natural e mais uma vez o ordenamento seria maravilhoso para não termos mais desastres como os que estão por aí à vista”.

Paula Ferro

Jornalismo - Entrevista reportagem com Patrícia Gonçalves

2009-10-25T04:19:00.000-07:00

in Postal do Algarve

Fevereiro 2008

(in "Geografias Variáveis" -

- Palácio da Galeria - Tavira)

“A arte é o lugar da liberdade perfeita”
André Suarés

Tenho a certeza que fiz a opção correcta

Os diálogos com Bartolomeu dos Santos fizeram-me crescer

O desenho e a pintura têm o poder do prazer e da comunicação

Patrícia Gonçalves nasceu em Tavira em 1982. A tendência para a arte foi algo que foi crescendo com ela. Desde pequena que gostava de pintar, desenhar, misturar materiais, criar formas. “Quando cheguei à adolescência havia quem dissesse que o meu interesse pela pintura e por todo este mundo artístico era algo passageiro. Isso fazia-me pensar” Sorriu. “Mas a verdade é que não me via sem estar neste meio”. Fez uma pequena pausa e ofereceu-me um sorriso iluminado. “Hoje tenho a certeza que fiz a opção correcta!”
Tem bacharel em Pintura e licenciatura em Artes Plásticas pela Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha. Trabalhou com Bartolomeu Cid dos Santos no seu atelier onde aprendeu técnicas de gravura. “Mostrei-lhe o meu trabalho e ele convidou-me para trabalhar no seu atelier onde aprendi imenso com as nossas conversas e as histórias que ele me contava”. Parou um pouco como quem volta atrás nas recordações “Os diálogos entre nós fizeram-me crescer”. Sorriu com o seu peculiar jeito de menina crescida “Eu mostrava-lhe o meu ponto de vista que nem sempre era coincidente com o dele e conversávamos, como iguais,” sorriu mais uma vez, parou e ficou com ar sério, como se tivesse dito algo que não devia “apesar de eu ter uma noção bem definida das distâncias”. Fitou-me séria de modo a não deixar lugar para dúvidas. “Respeito imenso o seu percurso e o seu estatuto de Mestre que me parece quase inalcançável, sobretudo porque estou ainda no início de carreira”.
Relativamente a gravura “ainda estou a explorar as potencialidades desta técnica. Faz-me lembrar um pouco o processo da fotografia. Colocando a chapa nos ácidos, pouco a pouco vão surgindo resultados e não se sabe o que vai sair dali, só depois da prensa é que sabe. Ou seja, imagina-se e cria-se com uma ideia inicial, mas o resultado final é diferente”. Sorriu com ar de catraia, “principalmente para mim pois é uma técnica que ainda não domino, e por isso ainda não sei calcular tempos para deixar a chapa nos ácidos”. Pequena pausa. “Mas posso dizer que tenho gostado dos resultados”.

O desenho e a pintura são testemunhos da vida

Seguidamente entrou no estágio profissional na Câmara de Tavira. Trabalha no Palácio da Galeria/ Museu Municipal de Tavira, na área do Serviço Educativo. Para Patrícia Gonçalves o desenho e a pintura são testemunhos da vida. “Desde a pré-histórica que temos vestígios destas duas formas de arte com as pinturas rupestres” e deixou sair aquela expressão de quem ainda não se despegou da escola. “Já aqui podemos notar que estas duas formas de arte são testemunhos da vida. São como um livro de história porque nos permitem analisar épocas. São duas formas de arte que comunicam”. Parou como quem busca uma forma melhor de dizer as coisas “Talvez me atreva a chamar-lhes ‘ferramentas para mostrar a vida’, o visível e não visível dela” Pequena pausa. “Mostram pensamentos ocultos, acontecimentos mais infelizes ou mais felizes, críticas, etc”. Sorriu, olhou para mim e continuou, “bem, nem sempre comunicam algo. Pode apenas fazer-nos usufruir da sua estética. Esse é o poder do desenho e da pintura. Tal como outras formas de arte, têm o poder do prazer e da comunicação”.

Não me parece que exista uma ‘definição universal’ do que é considerado arte

Tentar saber o que é a arte é uma questão complexa, “é tão complexa que leva sociólogos e filósofos a ocuparem-se dela e a desenvolverem imensas teorias. A arte está em constante reflexão intelectual. É repensada, redefinida, e muito trabalhada. Não tenho a ousadia de dar uma definição de arte”. Sorriu expressando humildade, “depois também não me parece que exista uma ‘definição universal’ do que é considerado arte. Para uns, algumas obras não são consideradas arte, já para outros são. Ou seja, com este paradoxo, parece-me que há necessidade de se saber primeiro o que poderá ser classificado como obra de arte” e o discurso flúi sem paragens. “Quais são as propriedades que levam a tal. Será que a obra para ser considerada uma obra de arte tem que estar no museu? É o museu que dá estatuto à obra? Têm que ser contemplada para ser arte? Quem poderá criar uma obra de arte? Quem é considerado artista? Quem considera que um determinado ‘trabalho’ tem estatuto para ser considerado de obra de arte?” Pequena pausa. “Poderia continuar com imensas questões. Parece-me que o mais adequado seria chegar a um consenso entre entendidos desta área. O que não me parece que seja possível”. Tanta divergência deve-se “talvez ao facto de o mundo estar em constante mudança e a arte ser o ‘espelho’ da vida. Sempre mudando. Isso faz com que as teorias sobre artes, mudem com ele”. Fez uma pausa, ficou séria e esclareceu, “quando iniciei o curso de artes plásticas, pensava que me ia ser dada uma definição de arte mas não.” Pausa. “O que é certo é que aprendi diversas maneiras de reflectir sobre arte, tive conhecimentos de várias teorias, problemas que surgiram ao longo dos anos, li opiniões de diferentes pensadores sobre este assunto. Mas apenas e uma única definição, não”.

O vidro permite que tudo seja visível tal como é

Os trabalhos que apresenta na exposição colectiva intitulada “Geografias Variáveis” que se encontra patente ao público no Palácio da Galeria são fotografias, instalação e escultura. “É um trabalho límpido, branco, translúcido, requintado e até frágil, pois o vidro é um dos materiais de eleição para a realização das peças. São peças visualmente leves mas fisicamente pesadas”.
Utiliza várias matérias e materiais, mas os de maior destaque são o vidro incolor, por vezes água, luz e gesso. “A escolha do vidro e não de outro material, tem haver com a sua característica primordial, a sua transparência. Esta permite que tudo seja visível, que possamos ver além de... É um trabalho com uma mensagem de valorização pelo que é genuíno, o espontâneo, o verdadeiro. O vidro não consegue esconder, permite que tudo seja visível tal como é”. O branco do gesso também está associado à pureza. “Já em latim ‘puro’ tem um sentido material, que é puro o que é limpo, sem mancha, ou seja, sem nódoa”. Reflectiu um pouco. “Apesar de achar que a pureza, a nível do humano não existe. Mas, há sempre pessoas que não vêm o mal onde ele, de facto, não está. Pelo contrário, há muitas outras que vêm mal em toda a parte. Eu procuro valorizar o bom da vida, como uma espécie de ‘hino à vida’”.

As formas arredondadas são apelativas ao toque

A luz do dia, a luz emitida pelo sol, também é importante para a realização do seu trabalho. “A luz simboliza constantemente a vida e a felicidade, as minhas peças/instalações só vivem com luz. O vidro é um material reflectivo e absorve as energias da atmosfera em redor, envolvendo o meio onde se encontra e variando, consoante a hora do dia e até a estação do ano. Aproveito-me da luz inimitável para a realização das fotografias. A luz é o tema central das minhas fotos”.
Outra característica do trabalho apresentado nesta exposição, é o uso de formas arredondadas. “As formas arredondadas são apelativas ao toque ao passo que as pontiagudas, transmitem violência e agressividade” esclarece, “de modo geral é esta a razão da escolha das matérias e materiais para a realização do meu trabalho nesta exposição”.

Paula Ferro

Jornalismo - Entrevista reportagem com Margarida Santos

2009-10-25T03:47:00.000-07:00

in Postal do Algarve

Abril 2008

(in "Geografias Variáveis" - Palácio da Galeria - Tavira)

“A arte, um dos grandes valores da vida, deve ensinar aos homens humildade, tolerância, sabedoria e magnanimidade”
William Sommerset Maugham

Quando quero expressar algo tenho em conta a cor escolhida

Tanto a pintura como o desenho funcionam como catarse mas de modos diferentes.

A gravura permite-me libertar-me imenso

Margarida dos Santos nasceu em Tavira em 1968. Entrou para o Ar.Co em 1991 onde estudou Pintura, Desenho e História de Arte. Seguidamente estudou Temas de Estética e Teorias de Arte Contemporânea na Sociedade Nacional de Belas Artes. Concluiu vários outros cursos e então ingressou na Faculdade de Belas Artes onde se licenciou em Artes Plásticas – Pintura em 2002.
Começou a expor em 1993 numa colectiva do Ar.Co. A partir daí participou em diversas mostras colectivas em locais como o Museu de Angra do Heroísmo nos Açores e Casa das Artes de Tavira, entre outros. Expôs individualmente na Galeria Passage em Ayamonte, Igreja de Monsaraz e Galeria Gravura em Lisboa, entre outros locais.
Em 1995 “fiz um worshop de gravura com o Mestre Bartolomeu dos Santos na Casa das Artes de Tavira. Fui explorar técnicas de gravura que já me vinham despertando curiosidade há algum tempo, mais concretamente a textura e uma série de possibilidades dos materiais. Tirar partido da plasticidade, da técnica em si. Gostei muito”. Afirma “A gravura permite-me libertar-me imenso. Existe uma grande envolvência, e essencialmente permite-me ser mais criativa. Posso usar a fotografia, colagens, aguarela… é um conjunto de experiências que vai mais ao encontro daquilo que eu pretendo transmitir.”
Trabalhar com Bartolomeu dos Santos foi bastante gratificante e enriquecedor porque “partilha connosco as suas experiências, dialoga sobre os nossos trabalhos e fá-lo com imensa abertura. Isso incentiva-nos e ajuda a que o trabalho avance”, conta Margarida dos Santos, “fala muito sobre a influência de outros artistas no nosso trabalho e sobre as técnicas mas sublinha que estas não são mais do que meios para se chegar a algo que só se atinge se nos desligarmos do tecnicismo para outra coisa maior, a procura da nossa própria essência enquanto artistas. Isso conduz-me a uma maior reflexão sobre o meu próprio trabalho”.

Quando pinto existe uma enorme inquietação e no desenho não

No ano seguinte Bartolomeu dos Santos convidou Margarida para ser sua assistente num novo Workshop e “aí explorei um pouco mais esta forma de expressão artística. Foi nessa altura que ficou definitivamente marcado em mim o gosto pela gravura.” Em 2003/04 desenvolve a técnica da gravura na Galeria Diferença em Lisboa.
A pintura e o desenho são essenciais para o seu percurso artístico mas sente-os de modos diferentes. “Quando pinto existe uma enorme inquietação e no desenho não. O desenho permite-me deambular pelo espaço que eu crio”. Independentemente de se usar o desenho ou a pintura como suporte, o fundamental é chegar à profundidade do sentir. A música é muito importante para o seu trabalho. “Quando conseguimos mergulhar nas profundezas da própria arte na busca de tesouros invisíveis, aí está aberto o caminho para a Grande Arte É aqui que entra a música, desempenhando um papel muito importante no mundo da minha pintura. Esta funciona como um fio condutor entre o eu e a arte. Permite-me entrar no espaço criado e conduzir-me a uma maior reflexão. Ao som de Rachel’s, Maria Callas, Rodrigo Leão ou do piano de Keith Jarret, entre outros, vão surgindo novas etapas de um percurso criativo”.

O desenho é fundamental, quer a nível da estruturação do trabalho quer em termos de representação plástica

A cor é inevitável tanto no desenho como na pintura. “Bem, no desenho tento simplificar os meios. Mas, a cor transmite vibrações. Provoca em mim sensações muito fortes que chegam a ser incomodativas” e dá outra direcção ao caminho da reflexão. Impõe outro tipo de opções e de percursos. “Quando quero expressar algo tenho em conta a cor escolhida. Nada é por acaso. Isso torna a pintura mais expressiva e intensa. Quando pinto, o choque comigo mesma é inevitável porque a cor mexe em coisas ocultas, talvez ao nível do inconsciente” muito embora o uso do inconsciente no trabalho final tenha que ser feito com muita consciência. “Tanto a pintura como o desenho funcionam como catarse mas de modos diferentes porque o desenho se torna mais libertador, mais tranquilo, traz-me o encontro comigo própria. A pintura e o desenho quase que são opostos embora se toquem. Um não faz sentido sem o outro, completam-se. Na maioria dos meus trabalhos existe uma fusão entre dois”.
A nível da educação do olhar, o desenho é um mestre para todas as áreas, “é a base de tudo, é fundamental, quer a nível da estruturação do trabalho quer em termos de representação plástica”. Já a pintura “é essencialmente a representação das sensações comunicadas pelo espaço circundante. Bem, ultimamente, com os trabalhos que realizei em função de ‘Geografias Variáveis’ alterarei um pouco a minha opinião sobre o desenho. Tive sensações muito fortes. Começo a aproximar muito o desenho da pintura. Não sei mesmo se o que estou a fazer em desenho não irá ultrapassar o que experimentava antes apenas com a pintura.”
O seu trabalho pretende ter um papel de intervenção. “Quando pinto pretendo abarcar as questões contemporâneas que preocupam a humanidade, nomeadamente ambiente, guerra, sexo…. Interessa-me intervir, mexer com as consciências, essencialmente fazer pensar, sensibilizar, agitar, romper com os preconceitos”.
É importante o estudo da História de Arte porque todos os artistas recebem influências. “A presença constante dos artistas alemães no meu percurso surgiu quase de forma imediata. Inicialmente, aderindo inconscientemente. Hoje percebo que é pela sua força transmitida numa expressividade quase teatral”, explica. “Percursores que vão ao encontro da minha forma de pensar a arte? Vários, Anselm Kiefer, Gerard Richter, Joseph Beuys, William Kentridge, Luc Tuymans, Kiki Smiths e outros”.
Ultimamente “tenho enveredado pelo caminho do design gráfico e ilustração sem deixar de lado as artes plásticas. Tenho vindo a fazer formação nestas áreas, nomeadamente o Workshop de ilustração no AR.CO com Daniel Lima, ‘História da Ilustração’ com Jorge Silva, e ‘Design Gráfico’ em diversas instituições”.

Tenho feito imensas descobertas, essencialmente na exploração das novas tecnologias

Colabora em Lisboa com uma agência de talentos criativos (WHO) com ilustração e Design Gráfico, “tenho feito imensas descobertas, essencialmente na exploração das novas tecnologias que afinal de contas são o futuro e também servem de suporte para o meu trabalho plástico”.
Participou durante três anos consecutivos no Concurso de Ilustração da ETIC (Escola Técnica de Imagem e Comunicação). Ilustrou o “Clube da Poetisa Morta” Adília Lopes editado na Alemanha, assim como diversas capas de livros para o GEOTA (Associação Ambientalista) entre outros projectos gráficos.
“Colaborei com o arqueólogo João Caninas no âmbito da pesquisa documental sobre património arqueológico e etnológico na linha de metro entre o Lumiar e o aeroporto de Lisboa. Neste momento participo da exposição colectiva intitulada “Geografias Variáveis” para a qual fui convidada pelo Dr. Jorge Queiroz que se encontra no Palácio da Galeria em Tavira. Preparo também uma exposição de pintura na Alemanha (Dusseldorf). Paralelamente desenvolvo uma série de projectos gráficos no âmbito de colaborações com o departamento sócio-cultural da Câmara Municipal de Tavira e em trabalhos da Associação Campo Arqueológico de Tavira”.

Paula Ferro

Jornalismo - momentos marcantes- Casa das Artes de Tavira

2009-10-25T03:39:00.000-07:00

in Postal do Algarve

Junho 2008

Dois olhares diferentes sobre o Algarve

O poético e o crítico completam-se no mesmo lugar

A Casa das Artes de Tavira iniciou a época “Verão-2008” no passado sábado pelas 22 horas com a inauguração de duas exposições de fotografia: “Portobello” de Patrícia Almeida e “Doce Sal” de Catarina Mendes. O tema explorado pelas fotógrafas é o Algarve.
“Portobello” de Patrícia Almeida debruça-se sobre os não lugares associados ao turismo de massa. Trata-se de uma série de fotografias realizadas no Algarve entre 2005 e 2007. Tal como acontece com nomes como «Acapulco», «Tahiti» ou «Éden», «Portobello» procura evocar um imaginário exótico genérico geralmente associado a uma ideia de natureza virgem e paradisíaca assim como às “insígnias luminescentes” de discotecas, bares, hotéis e outros registos das férias no Alagrve. O que incentiva Patrícia a este trabalho “começou por esse interesse sobre o que são as férias, esta coisa do tempo morto, um tempo para onde vamos para não fazer nada. Apagar o que está para trás. Sem passado, sem futuro, só para estar, para se viver o presente”. Conta a fotógrafa ao POSTAL.
Patrícia Almeida dá-nos uma ideia clara do que representa o Algarve para muitos turistas, um mundo artificial desligado de uma realidade particular para que seja permitido viver fantasias em segurança. Por outro lado Patrícia dá-nos também uma visão mordaz e irónica, “quase Parriana”, de uma zona do país e da forma como a reconstrução do espaço, a urbanização, é encarada . “Como se continua a construir desenfreadamente? Como é que ainda há espaço?” Questiona.
Em simultâneo, “Doce Sal” de Catarina Mendes, explora a magia do sal, a ambivalência que o faz balançar entre o sombrio e o solar, entre o que escurece e o que ilumina. Um percurso poético por várias características do sal.
Dois conjuntos de fotografias que apresentam duas formas diferentes e originais de olhar para o mesmo espaço. Duas formas diferentes de expressão sobre o mesmo tema, usando o mesmo suporte. Com caminhos e visões diferentes, dois olhares especiais e interessantes que nos ajudam a repensar o nosso espaço podem ser vistos na Casa das Artes de Tavira até 1 de Agosto, todos os dias, das 21 e 30 até às 0 e 30 horas. E depois, outras surpresas se seguirão.
Para mais informações pode consultar http://www.acasadasartes.com.
Paula Ferro

Jornalismo - momentos marcantes - Casa das Artes de Tavira

2009-10-25T03:03:00.000-07:00

in Postal do Algarve
Junho de 2007

Casa das Artes de Tavira abriu a sua época de exposições

Exposição colectiva de fotografia, escultura, desenho, gravura e vídeo

Tibéria Rosa (à esquerda) e Nada Mandelbaum

Nada Mandelbaum com fotografia analógica a cores e a preto e branco

A Casa das Artes de Tavira abriu a sua época de exposições com uma exposição de fotografia da alemã Nada Mandelbaum e com a dupla de escultores portugueses Miguel Martinho e José Macedo Rodrigues no passado sábado pelas 21 e 30 horas.
Nada Mandelbaum nasceu em Dusseldorf /Alemanha onde estudou dança clássica nas escolas de bailado von Bulow e Pergel, a partir dos anos 80 Modern-Dance, Jazz, Afro, Dança Teatro e Butoh com Kazuo Ohno no Japão. Em 1979 licenciou-se em Arte na Escola Superior de Pedagogia em Neuss/Alemanha. Desde 1985 fez espectáculos de dança em Dusseldorf, Mettmann, Ratingen, Bruxelas e Nova York. Em Portugal fez performances na Galeria Trem, em Faro, na Quinta da Arte e na Casa das Artes em Tavira. Faz fotografia, pintura e cerâmica deste 1983.
A sua máquina fotográfica é um prolongamento de si própria. Através dela fixa momentos que são etapas da história da região onde vive actualmente, dos locais e por onde passa quotidianamente. A actual exposição é formada por um conjunto de fotografias em formato analógico seleccionadas entre muitas que foi tirando ao longo dos anos 2002/2003 e mostram a transformação da paisagem ao lado da EN 125, entre Faro e Olhão. São apresentadas fotografias a cores e a preto e branco. “A beleza é a cores, o mundo antigo do Algarve, os valores arquitectónicos, as casas antigas que nos atraem e vão desaparecer”, revela a artista ao Postal do Algarve, “depois vem o preto e branco que mostra o que vai aparecer a seguir: o betão, os gradeamentos, o mundo da industrialização que não têm a beleza da arquitectura tradicional que está desaparecendo e que está apresentada a cores.” A artista neste momento está trabalhando sobretudo em pintura, tem outra série de fotografias pronta a ser mostrada mas ainda não sabe exactamente onde as vai apresentar.

Miguel Martinho “mais uma tentativa de chamar a atenção para o estado do mundo”

Miguel Martinho, José Delgado Martins e José Macedo Rodrigues

Outra sala é ocupada pelos escultores Miguel Martinho e José Macedo Rodrigues com um projecto de escultura, gravura, desenho e vídeo intitulado “O pano a cair azul”.
Miguel Martinho realizou em 2003 a exposição “Redes Neuronais Artificiais” na Casa das Artes de Tavira, participou em 2005 na XIV Galeria Aberta do Museu Jorge Vieira em Beja e na Bienal de Gravura do Douro em Alijó. Em 2006 foi convidado a participar com um trabalho de vídeo na exposição 50 anos de Gravura em Portugal, Tavira/Lisboa.
José Macedo Rodrigues conta com cerca de 40 exposições colectivas e alguns prémios. Além das colecções privadas está representado em algumas institucionais: Centro de Arte Contemporânea – Palácio da Cerca (Almada), Caixa de Crédito Agrícola de Estremoz, Direcção Regional dos Assuntos Culturais – Secretaria Regional do Turismo e Cultura Funchal, Casa do Sal – Angra do Heroísmo, Casa da Cultura do Município de Santa Cruz – Madeira, Centro Cultural John dos Passos – Madeira.
Para Miguel Martinho há a necessidade de apelar à reflexão sobre a evolução, sobre o que o Ser Humano continua a fazer ao mundo em que vive. “Milhares de anos de evolução tecnológica entregues à sofisticação do fim. A cada dia que passa o ar que respiramos torna-se mais letal. Aparente inocência de insidiosa mercadoria, formatando mentalidades. Energia aplicada no desenvolvimento bélico é negra, visa a destruição. Já conseguimos abalar o equilíbrio precário de demasiados ecossistemas.” É o modo como anuncia o conjunto dos seus trabalhos.
Os dois escultores colaboram em termos técnicos, juntam-se uma vez por mês para desenvolverem trabalhos de fundição em conjunto mas cada um tem o seu caminho individual e os seus objectivos pessoais.
“Em certas coisas trabalhamos juntos, nós fundimos juntos”, explica Miguel Martinho ao Postal do Algarve, “isto é fundido pelos próprios. O facto de se dominar a tecnologia da fundição vai permitir que o resultado seja totalmente diferente do que se fosse uma peça feita e mandada passar a gesso por outras pessoas.” Para Miguel faz todo o sentido que a arte seja uma reflexão sobre a sociedade “nós vivemos tempos que são terríveis e isto no fundo é mais uma tentativa de chamar a atenção para o estado do mundo”, esclarece o escultor “isto no fundo são ruínas do futuro. Estes cavalos são os quatro cavalos do Apocalipse. Os nomes dos canhões são todos muito queridos. Isto é a ironizar no fundo com o grande flagelo que é a guerra e se passa todos os dias no mundo.”

José Macedo Rodrigues em busca de si próprio no universo medieval

José Macedo Rodrigues percorre um caminho diferente dentro da arte. “O vocabulário dos símbolos compõe-se, diversifica-se, segundos critérios de representação gráfica e formal, onde um tipo de comunicação visual se gera, se desenvolve, e se movimenta. Articula-se não em ordem a uma quantidade de registos repetidos, mas segundo uma desfocagem do mundo concreto, a determinação de um efeito global de imagens eficazmente activas, semiabstractas, abertas ao controlo do olhar, que nos fornece desta realidade uma perspectiva dinâmica, e onde as referências anteriores do visível vão perdendo o nexo narrativo”. Assim define o escultor o trabalho que expõe.
“A pretensão de fazer este tipo de objectos, desenhos ou esculturas, não é propriamente transmitir uma mensagem, faço-os para mim, é o mundo que eu invento para mim”, confessa o escultor ao Postal do Algarve, “é uma busca de uma imagética, neste caso particular com a ajuda de símbolos, de ícones na construção de uma linguagem mas para mim”. O artista tem um trabalho muito mais individualista “em busca de mim próprio” e é fascinado pelos ambientes, símbolos e mistérios medievais.
Esta exposição está patente ao público, todos os dias, das 21 e 30 horas às 00 e 30 horas, até dia 20 do corrente mês.

Paula Ferro

Jornalismo- Momentos marcantes

2009-10-25T02:47:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"

Fevereiro de 2008

“Lápis” de Paulo Serra no Palácio da Galeria

Paulo Serra mostra a vergonha que não é falada

“Lápis” intitula-se a exposição de Paulo Serra inaugurada no passado sábado no Palácio da Galeria. Desenhos de figuras humanas, paisagens urbanas e algumas colagens podem ser vistas nesta exposição individual.
Desde 2002 dedica-se sobretudo ao desenho porque “é um material com diversas possibilidades e acrescenta muito mais ao meu trabalho do que a cor. Torna-o mais lúcido”, afirma Paulo Serra ao Postal do Algarve, “O meu desenho é uma investigação. Onde é que estou? Como é que sou? É uma provocação a mim próprio e ao mesmo tempo é uma verdade que acrescento a mim”. Trabalha diariamente, compulsivamente. “Há momentos em que me afasto e só volto ao trabalho quando me sinto intimamente preparado para retomar essa provocação”, afirma.
Sedento por ver trabalhos de outros artistas, trocar ideias e experiências gosta de História de Arte. “Com Van Gogh aprendi a percorrer o caminho que é só meu.” Sempre foi curioso. O desconhecido atrai-o. “Lobo Antunes diz ‘não entres tão depressa nessa noite escura’. Eu vou muito depressa para esse desconhecido e isso reflecte-se no meu trabalho”.
É possível “desenhar o vento, o cheiro da maçã, o aroma do charuto…Penso: Qual é o melhor material? Qual é a melhor maneira de desenhar? Qual é o melhor estado mental? No fundo as sensações são imagens mentais que mais ou menos se elaboram e que vêm do coração, da razão, vêm do lado mais calmo ou mais instável… Como se está nesse momento? Qual é a história de vida? Tudo isso influencia a imagem mental que se cria e vai ser processada pela mão. A mão é física mas ao mesmo tempo é afectiva. Com a mão se afaga uma criança, a nossa mãe ou uma mulher e tudo isso tem relações ou conexões com a nossa maneira de fazer. Quando mostro um desenho também mostro a maneira como o faço”.
Os seus desenhos não deixam o espectador indiferente porque “há coisas que não são faladas. A vergonha não é falada. Eu mostro essa vergonha que não é falada”.
Esta exposição está patente ao público no Palácio da Galeria até dia 8 de Março. O Palácio da Galeria está aberto de terça a sábado das 10 horas às 12 e 30 e das 14horas às 17 e 30.

Paula Ferro

Entrevista - Reportagem com Rui Martins

2009-09-08T06:18:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"

Agosto de 2007

“Pouco importam as notas na música, o que conta são as sensações produzidas por elas”.
Leonid Pervomaisky

“A Arte tem qualquer coisa de mistério e de mágico.”

“A música, no estado puro, é independente do instrumento e do género.”

Rui Martins começou a interessar-se pela música ainda em criança. Em menino, pediu aos pais para lhe oferecerem uma guitarra, “porque eu gostava desse instrumento não sei porquê”. Aos 12 anos começou a tocar “com amigos que já eram músicos na área popular, no rock. Aos 13, 14 anos é que entrei na Academia de Amadores de Música. O presidente era o Lopes Graça, o grande compositor português”. Fez os seus estudos na Academia e no Conservatório de Musica de Lisboa com os professores J. Coutinho, N. V. de Almeida, e P. Naggy. “Depois de completar os meus estudos fui para França”. Foi aperfeiçoar-se na guitarra e em harmonia com A. Ponce e A. Weber e M. Rosset, professores do Conservatório Superior de Paris. Obteve o diploma superior de guitarra do Conservatório Nacional de Região de Música de Courneve e a Medalha de ouro - 1º Prémio (diploma superior) da Escola Nacional de Música de Fresnes. As suas actividades como músico foram variadas, desde concertista a professor de guitarra clássica no Conservatório de Música de Bois-Colombes (região de Paris) e na Escola de Música de St. Witz (França). Organizou encontros de guitarra, foi director de orquestra e júri de diversos concursos do ensino musical.

“É um erro analisar a arte só pela técnica”

Para Rui Martins “a música, no estado puro, é independente do instrumento, é até do género, se é música clássica, barroca, popular, rock, jazz… cada vez me delicio mais com qualquer género de música, quando gosto. Ia dizer quando é boa mas isso é muito vago, pode uma coisa parecer-me boa para mim e má a outra pessoa devido à nossa sociabilidade, à nossa cultura, e à qualidade técnica. Às vezes os músicos analisam a música um bocado mais tecnicamente ou deliciam-se com música que é muito técnica. No entanto uma música pode ser extraordinária com três ou quatro sons diferentes. Não é a quantidade de notas que nos faz deliciar”. O que nos delicia numa música nem sempre é a sua intelectualidade, “é um bocado como na pintura, não me estou a referir a Miró ou Matisse ou a artistas específicos, mas há quadros em que num bocado, num traço, existe uma coisa qualquer que nos faz sentir uma força, uma poesia… e não é preciso o quadro estar cheio de técnica ou de cores. Com a música é a mesma coisa, não é preciso a música estar cheia de notas, com uma técnica incrível, com contrapontos e uma harmonia extraordinariamente intelectual. Com três ou quatro notas pode colocar-nos assim num estado sentimental profundo”. A simplicidade é muito importante, “Mozart era um génio da simplicidade. Tem harmonias extremamente simples, só que as faz de uma forma extraordinariamente bela e genial. Quando a gente sinaliza uma partitura de orquestra dele é uma coisa simples, é acorde de dó, é mi, é sol. São quase as três notas do acorde. Claro que não é só isso mas a base é assim. Outros músicos, contemporâneos e não só, já fazem uma coisa muito mais intelectual. Não quer dizer que não nos possamos deliciar também. Não há assim tanta regra para os sentimentos das pessoas, é como gostar de outra pessoa. Porque é que eu gosto dela? A gente não se vai pôr a definir não sei com quantos parâmetros porque gosta da pessoa: é isto, isto, e isto… às vezes a gente nem sabe bem dizer porque é que gosta de uma pessoa e a Arte também é assim. É um erro analisar a arte só pela técnica. Quando se tem a técnica como referência é muito mais fácil não se errar a fazer um julgamento sobre uma pintura ou uma fotografia. Na música também é mais fácil dizer que um músico que tem mais raciocínio intelectual é bom. Ao ouvirmos um músico popular que usa poucas notas, é mais difícil dizer se é bom ou não mas acho que é mais importante ligar às sensações que nós sentimos do que propriamente à técnica”.

“Uma música pode ser extraordinária com três ou quatro sons diferentes”

“A harmonia é uma questão de moda”
Desde criança que o compositor está presente nele, “ com um amigo meu, o Carlos Cabral, desde a primeira vez que nos encontrámos, enquanto os outros meninos jogavam à bola, nós tocávamos. É giro porque éramos miúdos, não sabíamos tocar, não sabíamos notas mas fazíamos música”. Em França compôs peças de carácter pedagógico e de concerto para guitarra, coro, quarteto de cordas e orquestra. “Componho mais na área da música contemporânea, embora não seja música da vanguarda, longe disso. Tenho uma pulsação rítmica forte. O ritmo é importante porque é essencial na nossa vida”. Os sons, a harmonia “é uma questão de moda. Sons que eram dissonantes aqui há uns anos, são agora perfeitamente normais e as pessoas gostam” mas o ritmo é eterno e faz parte da vida, está dentro dela, “quando andamos temos o nosso ritmo, a maneira de falar, cada um tem o seu ritmo, o ritmo existe na vida. Quando se faz uma música sem pulsação rítmica, como há pessoas que fazem, para mim vai contra a natureza, toca-me muito menos. Mesmo quando se toca Mozart, Bethooven, Fernando Sor, etc., compositores de guitarra clássica do séc. XVIII, XIX, essa música tem que ser tocada com uma pulsação forte e é muito mais difícil criar essa pulsação quando não há percussão e bateria”.

“Agora penso é na música que está dentro da minha cabeça”
Quando compõe põe-se num estado especial de concentração “concentro-me e liberto-me, começo a compor, a tocar, começam-me a sair as notas, escrevo, começo a encontrar outras vozes, outros instrumentos e só a partir de um certo momento é começo a ver onde é que a música me vai levar. Começo a encontrar um tema e um título para a música e só aí é que sigo a direcção daquela música. Funciono muito pela intuição e por sensações”. A técnica é importante “ quando faço a música e me liberto, começo a libertar as notas, aos poucos e poucos começo a utilizar a técnica, porque da técnica precisamos todos, mas tento sempre libertar-me ao máximo disso. Não gosto muito de raciocinar antes, raciocino depois, claro. Quero ir mais directamente a uma coisa que não se explica pelo raciocínio. Acho que a Arte tem qualquer coisa de mistério e de mágico.”
Tem apenas uma guitarra clássica, a música não depende do número de instrumentos que se possui nem de um instrumento especial, a música existe dentro dele. “Já senti uma intimidade maior com a minha guitarra do que sinto agora. Antes, um instrumento era assim como uma pessoa, ligava-me ao instrumento de uma forma muito íntima, pessoal. Agora não, agora penso é na música que está dentro da minha cabeça e a guitarra é um simples instrumento”.
Actualmente lecciona nos Conservatórios de Vila Real de Sto António, de Faro e de Olhão.

Paula Ferro

Jornalismo - Entrevista com António Inverno

2009-08-11T11:43:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes do "Postal do Algarve"

Setembro de 2008

“Libertar as pessoas é o objectivo da arte, logo, a arte é a ciência da liberdade.”
Joseph Beuys

António Inverno
Defensor incondicional da liberdade

Um defensor incondicional da liberdade, cria e dinamiza projectos culturais por onde passa. Partilha o que sabe com a naturalidade com que respira. Fundou instituições como o Centro de Comunicação Visual A.R.C.O. e o Centro Cultural de Almada. Nasce como serígrafo para salvar a Seara Nova e hoje é um homem de destaque internacional na serigrafia, pintura e gravura. Trata por tu os grandes da arte e da política. Actualmente, entre outras actividades, é professor na ESE de Beja.

António Inverno nasceu em 1944 em Monsaraz. Em 64 conclui o curso de Gravador Litografo na Escola António Arroio. Teve como principais mestres, Roberto de Araújo, Manuel Lima, Estrela Faria e Abreu Lima. Trabalhou no atelier de Jorge Barradas na Fábrica da Viúva Lamego, com Rogério Ribeiro e Mário Rafael. Colabora na decoração de interiores do edifício da actual sede da Gulbenkian. Fez parte da equipa de Thomas de Mello, no sector gráfico na Feira Internacional de Lisboa. Em 1970 colabora na "Seara Nova" onde promove edições de serigrafias de artistas portugueses contemporâneos o que lhe dá dimensão internacional. Cria um atelier exclusivamente consagrado à serigrafia na Avenida Conde Valbom. Colabora com Júlio Pomar, Vespeira, Charrua, Espiga Pinto. Eduardo Nery. Maria Keil, Francisco Relógio, Jorge Vieira, Costa Pinheiro, Eurico Gonçalves entre outros. É sócio fundador do Centro Comunicação Visual A.R.C.O. e membro fundador do Centro Cultural de Almada. Organizou e leccionou cursos de serigrafia através de quase todo o país, destinados a professores de Educação Visual, bem como a animadores ligados às autarquias. No âmbito do intercâmbio com África seleccionou jovens artistas aos quais são atribuídas bolsas de estudo nos principais centros culturais da Europa e deu assistência a bolseiros da Fundação Calouste Gulbenkian.
Em 1993 criou o Centro de Serigrafia António Inverno. Colabora em vários Centros Culturais no Alentejo, promovendo exposições de artes plásticas de âmbito nacional. É professor de pintura, gravura, serigrafia e desenho na Escola Superior de Educação de Beja e brevemente também na de Viseu.

A gravura e a serigrafia, são ambas, métodos de reprodução gráfica. Qual a diferença?
Para se fazer serigrafia tem que haver um original e na gravura o original é feito em cima da chapa. Pode haver uma ideia preconcebida para aquela gravura mas a chapa é desenhada na altura.
Em Portugal, a gravura tem vindo a desaparecer, para grande mágoa minha porque gosto muito de gravura. Faz uma pequena pausa como quem desfolha lembranças e continua, olhe, havia um homem que infelizmente faleceu há pouco tempo, para mim um dos melhores gravadores da Europa ou mesmo do mundo, o Bartolomeu dos Santos. Vieram pessoas de todas as partes do mundo para aprender com o Bartolomeu. Ainda existe a Sociedade Portuguesa de Gravadores Portugueses onde ele também trabalhou. Aqui há uns anos os pintores faziam lá os seus trabalhos de gravura. Mas a gravura exige tempo e aquilo suja muito as mãos. Riu-se, há uma série de factores. Uma prensa não é muito cara mas é muito pesada, é difícil deslocá-la. Para fazerem as suas próprias gravuras, os artistas têm de ir a Tavira, onde está a prensa do Bartolomeu ou à Sociedade dos Gravadores Portugueses. Há uma também na Galeria Diferença em Lisboa.
A gravura tem que ser feita pelo próprio artista, não é como a serigrafia que pode ser feita por terceiros. Comecei a fazer serigrafia, as coisas começaram a correr bem, vinha gente do estrangeiro para trabalhar comigo. E a gravura foi sendo anulada. Neste momento, dentro das minhas possibilidades tento recuperá-la.

A arte tem que estar obrigatoriamente ligada à liberdade

Há uma relação entre o António Inverno serígrafo e a Seara Nova.
Pousa o olhar sobre mim com um sorriso e relata: houve uma altura em que a PIDE destruiu a Seara Nova. Fiz uma edição de 18 pintores para pagar coisas da Seara Nova que era uma revista muito importante, onde escreveu o Mário Soares, o Manuel Alegre, o Soromenho, o Zé Saramago… onde escreveu muita gente. Uma revista muito interessante. E a partir dessas edições comecei a ficar conhecido a nível mundial. Acabo por nascer na Seara Nova. Mas só fiz isso porque era preciso manter a Seara Nova, a PIDE partiu máquinas, partiu armários, partiu tudo…

A arte tem de estar ligada à liberdade?
Obrigatoriamente à liberdade. Razão pela qual os pintores na União Soviética, desapareciam, fugiam. Não tinham liberdade. E há boa pintura na Rússia, mas tinha muitas casinhas, muitas florzinhas… Tinha que ser tudo muito concreto.
O artista nunca se deu bem com a falta de liberdade.
Ninguém tem o direito de interromper o meu pensamento. De dizer: ‘tu não podes!’ Um pensamento é sempre criticável. Ninguém é dono da verdade, mas deixem-me ser livre! Faz uma pausa, olha-me de frente, sorri de novo e continua, agora, infelizmente vivemos num país onde as autoridades políticas não fazem nada pela cultura. Têm medo da cultura, sorri, olhe, o futebol! Não tenho nada contra o futebol nem contra quem gosta de futebol, mas é um tónico que dão às pessoas para terem ausências de pensamento, para nem sequer experimentarem a ter liberdade.

E, o que é a liberdade?
A liberdade? Olhe, a liberdade não é fazer tudo o que me apetece. Não, não é nada disso! A liberdade é não haver polícias, não haver juízes, não haver fome, não haver miséria. Um homem ter a possibilidade de se exprimir de qualquer forma, seja através da arte ou do que for. E é ter mais respeito pelo semelhante.

Portanto a liberdade define-se a partir de valores como o respeito e o livre pensamento.
Exactamente!

Mas tudo tem um reverso e cada atitude que se comete, uma consequência.
Claro!

Quando se age livremente pensa-se nas consequências dos nossos gestos e aí está a responsabilidade, não é?
É evidente! E esta liberdade que hoje dizem que temos, é mentira. E incomoda-me bastante este desprezo pela cultura. Não estou a acusar o ministro da cultura. Sou amigo dele, é uma pessoa muito inteligente, um grande senhor, mas não faz muito pela cultura neste país. Não há condições para isso, nem ele as vai criar.

Quando há cultura, as pessoas lidam umas com as outras de outra maneira.

A cultura é mesmo fundamental?
É! Pois claro que é!

Porquê?
Olhe, porque há países com menos recursos naturais que Portugal e no entanto têm um nível de vida superior porque têm melhor nível cultural.
A cultura é necessária sim, e constato que só por carolice nossa é que hoje se passam coisas muito interessantes neste país e cada vez mais, fora de Lisboa. Mas essas pessoas que dinamizam esses projectos deviam ser apoiadas. E o apoio nem sempre é dinheiro. As pessoas querem sentir-se compensadas com o seu acto de liberdade de pensamento. O Ministério da Cultura tem a mania de responder: “não temos verba para isso”. Ninguém lhes está a pedir dinheiro e muitas vezes se pedirem é para material que fica ali para outros eventos.

Homenagem em Algezur

Foi-lhe feita uma homenagem no passado dia 2 de Agosto em Aljezur onde pode ser visitada uma exposição fotoducomental, de serigrafias e aguarelas até dia 28. O evento contou com o Alto Patrocínio do Presidente da República. Presentes estiveram cerca de 400 pessoas provindas de diversos lugares do mundo e entre elas, personalidades como Luís Cabral. Na Comissão de Honra, encontram-se nomes como Elísio Summavielle e Gonçalo Couceiro e como os patronos, personalidades como Durão Barroso e Mário Soares. Contou com o apoio de instituições como o Governo Civil de Faro, Fundação Calouste Gulbenkian, Circulo Artur Bual e a Câmara da Amadora, entre outras.

Foi-lhe feita, em Aljezur, uma Homenagem. Qual a sua relação com Aljezur?
Gosto muito de andar por ali porque é de facto um ambiente de liberdade com interesse pelo saber. Existem projectos que não contam só com a população de Aljezur que é um concelho pequeno. Há a colaboração da Amadora. Penso que o Ministério da Cultura também vai participar. A Câmara de Aljezur? O Vereador, o Presidente e o Francisco Oliveira são pessoas abertas. Noutros sítios por onde tenho andado, às vezes perguntam: ‘aquele teu amigo não é de direita? Ou, não é de esquerda? ‘Houve lá uma série de conferências que se chamavam Desconversas, fui eu quem convidou as pessoas e nunca ninguém me perguntou se os meus amigos são de direita ou de esquerda.
O vereador da cultura é um grande senhor, sabe muito bem o que quer e tem uma vantagem, quando não sabe, pergunta. O Presidente da Câmara, é um homem que fala com as pessoas, senta-se à mesa com toda a gente, é uma pessoa calma e respeitada.
Em Aljezur sinto-me bem porque há democracia. E aquilo que está mal, procuram fazer melhor, e procuram aprender. E acho engraçado, eles perguntarem às pessoas como é que é.

Mas afinal o que é a cultura?
É ter a noção do que se passa à nossa volta. Se houver cultura há informação e poderemos fazer crescer algumas pessoas e atenuar as mágoas e as dores de muita gente. Tem que haver cultura para tudo isso. O mundo não pode viver só com fábricas. E as pessoas que estão na caixa de um supermercado também têm que ter cultura para fazerem mais e melhor, terem consciência e atenderem com alguma delicadeza. Olhe os polícias, um polícia não tem o direito de me tratar mal só porque tem uma farda. Isso não é cultura nem liberdade nem coisa nenhuma. Quando há cultura, as pessoas lidam umas com as outras de outra maneira.

Nem todos os capitalistas são fascistas

A cultura é imprescindível para ter mundo?
Claro! Faz uma pequena pausa, olhe, quando estive na guerra, estive na Guiné. Por vezes ocupei-me de explicar aos soldados portugueses afinal o que é a liberdade, o que é a cultura. Mostrar-lhes que para atingirmos a liberdade temos que dar liberdade aos outros. Fui castigado por causa disso! Eu tinha uma boa relação com o chamado inimigo exactamente através da liberdade que eu sentia e queria para os outros. É que as crianças não podem fugir e os velhos também não, ficam no terreno. Era consciencializar os soldados. Muitos abraçaram-me e outros trataram-me mal. Faz uma pausa. Sente-se nele uma certa comoção. Quando o homem tem alguma cultura entende muito bem e eu sempre procurei, dentro daquilo que eu possa saber, ensinar os outros.
Nessa altura já havia quem defendesse a liberdade dos povos e também devo dizer que nem todos os capitalistas são fascistas. Olhe, um grande capitalista que vivia em Lisboa, o Manuel Vinhas entregou-me sacos de dinheiro que eu, ainda jovem, entregava ao Agostinho Neto, ao Amílcar Cabral e a outros. Nova pausa, com outro sorriso, sereno, fiquei com muitos amigos, mas também fiquei com inimigos. E os inimigos quem são? São homens que por falta de cultura, por falta de educação, por falta de informação, por falta de uma série de coisas, viam em mim um mau exemplo, não defendia o meu país. Isso é mentira! Eu sempre defendi o meu país! Mas neste sentido: que os outros também sejam livres. Para eu ter liberdade não posso oprimir os outros. Isso foi o meu grande problema e que deixou marcas. Pausa. Agora lamento muito que outros homens, que às vezes vão para o poder, e que andaram a atirar pedradas, não para magoar alguém, mas contra um determinado poder, quando lá chegam, fazem exactamente aquilo que condenaram nos outros.

Acha que o poder é corruptor da humanidade dos homens?
Acho que sim!

Como pode ser educado o homem que vai exercer o poder?
Isso é muito difícil, repare, já há polícias para guardarem outros polícias. Já se mandam juízes para julgar outros juízes. Já não se está a acreditar em ninguém. Teríamos que nos educar a todos, a nós próprios, primeiro. Então, a partir daí, poderia nascer qualquer coisa.

A cultura é muito vasta, não é só erudita.
Com certeza, olhe, por exemplo, devia haver muito mais respeito pelos poetas populares, porque a erudição vem depois.

Artesanato e arte?
A arte é uma coisa e o artesanato é outra. Para o artesanato tem que haver muita habilidade, na arte pode não se ser tão habilidoso. Há indivíduos que são muito habilidosos e vivem dessa habilidade, mas a habilidade também não é a mesma coisa que a arte.

E o ultra-realismo?
Tem mais habilidade que arte. Por exemplo, encomenda um retrato da sua avó, paga ao pintor, põe na parede e depois convive com aquilo, chega a uma altura em que deixa de lhe dar importância. Os retratistas não ficam na história.

Mas o retrato pode ser feito de outro modo.
Pode! Olhe, o retrato que o Pomar fez do Mário Soares.

Concorda que o 25 de Abril chegou à Galeria da Presidência da Republica com o retrato do Mário Soares feito pelo Pomar?
Sim, sim. Riu. Foi muito contestado, não é?

A arte estimula o pensamento do artista e o seu trabalho estimula o pensamento de terceiros?
Exacto. Eu posso fazer uma pintura e daí a uns tempos alguém me vir dizer que descobriu isto e aquilo nessa pintura e eu responder: ‘isso é verdade, mas nunca tinha pensado nisso’.

O valor é do autor do quadro, não é do habilidoso que o reproduziu

Isso significa que perde a propriedade da sua pintura quando acaba a obra? A obra passa a ser propriedade do colectivo?
Eu vendo um quadro e esse quadro só deixa de ser meu ou da minha família 75 anos depois de eu morrer. Por exemplo, há aquele quadro de Fernando Pessoa que fez o Almada. O que está na Gulbenkian é uma réplica. O verdadeiro está no Museu da Cidade. Aqui há muitos anos o Jorge de Brito comprou-o e ofereceu-o à cidade. Comprou esse quadro num leilão. O que o Jorge de Brito pagou pelo quadro foi muito mais do que aquilo que o Almada recebeu por ele. Tenho impressão que o Almada recebeu mais da mais valia do que pelo quadro. Existe uma réplica na Gulbenkian, mas o seu valor é do autor do quadro, não é do habilidoso que o reproduziu.

O acto de pintar é um acto de solidão?
Um pintor está fechado entre quatro paredes, não fala com ninguém mas de propósito. Não se considera um indivíduo que vive em solidão. Mas pintar é um acto de solidão, sim.
O Sá Nogueira dizia que um pintor nunca deve estar desacompanhado. Tem que ter sempre um livro aberto, uma revista, uma coisa qualquer, mesmo que seja de pernas para o ar. E depois é a música, normalmente um pintor tem música no atelier.

A pincelada pode ser influenciada pela música?
Pode, pois pode. Até as cores podem ser influenciadas pela música.

Um allegro pode determinar um quadro cheio de movimento?
Sim, pode! A pintura é um acto de liberdade. Um homem é livre de fazer aquilo que quiser quando pega num pincel. Onde aprendi também muito foi com os loucos. Aquela liberdade que eles têm de se soltarem num espaço branco e depois começam a fazer aquelas pinceladas e começam a rir, e começam a soltar-se, começam a subir, a crescer.
Há essa solidão e depois também há esse acto de liberdade.

Onde aprendi muito foi com os loucos!

A relação do desaprender de Picasso e o acto do louco que não aprendeu mas que apenas se exprime e a arte em si?
O trabalho dos loucos interessa exactamente porque não aprenderam, já são crescidos e fazem as coisas como crianças. Um indivíduo chega a uma certa altura acaba por mecanizar os gestos e os pensamentos, por perder essa espontaneidade que os loucos têm.

Como começa um quadro?
Prefiro começar pelo caos, ir organizando um caos. Primeiro jogo a tinta para o espaço, depois dou pinceladas de todo a maneira e feitio. Muita gente começa por aí. Depois começo a organizar o caos. Uma das minhas funções é organizar esse caos. Muitas vezes acabo por descobrir no caos coisas que tinha pensado há muito tempo. Tem que ter uma dimensão de equilíbrio e uma dimensão da cor porque as cores também têm uma dimensão.

A arte mora no pensamento.

A arte mora onde?
Mora no pensamento.
A arte não é copiar o que se vê, isso pode ser habilidade. A arte quer transmitir um pensamento, um estado, uma emoção. Por exemplo na minha relação com os toiros na pintura, estou cá em cima na bancada e todo aquele desenho que se desenvolve numa arena, aquelas cores, aquela gente, o próprio desenho da arena, as pessoas ali sentadas e é redondo normalmente. Acho aquilo muito bonito! Aquelas cores lá em baixo, aqueles capotes, o toiro, a areia, tudo aquilo é bonito e tem movimento. A pintura não é uma coisa estática, tem que ter movimento. Esse movimento e toda essa emoção, um habilidoso pode não ser capaz de retratar, um menos habilidoso por vezes busca uma outra solução, faz de outra maneira e torna-se muito mais interessante. Por exemplo, se eu pintasse toiros na Rússia não ia preso, ou se calhar ia porque não há lá toiros, mas eles preferiam que eu pintasse uma casinha, uma jarra, uma criancinha a correr, tinham que perceber o que é que eu estava a pintar. Nada dessa coisa desses estados e dessas emoções. Nada que fosse discutível, que fizesse pensar, e a arte, no fundo é o pensamento. E faz com que as pessoas pensem.

Paula Ferro e Ricardo Claro

Entrevista com Miguel Lobo Antunes

2009-07-23T10:31:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes do "Postal do Algarve"

Abril de 2009

“Quem tem imaginação mas não tem cultura, possui asas, mas não tem pés”.
Joseph Joubert

Miguel Lobo Antunes
Clareza, eficiência e flexibilidade

Miguel Lobo Antunes foi vice-presidente do ex-Instituto Português de Cinema (1983-85), director para o Cinema e Animação na Europália (1989-92), assessor jurídico de Lisboa Capital da Cultura (1994), geriu o Centro Cultural de Belém (1996-2001), foi programador do Festival Internacional de Música de Mafra, jurista do Tribunal Constitucional e actualmente é gestor da Culturgest.

Nunca houve tanta produção artística como actualmente

Gostaria que me falasse sobre a relação entre educação e cidadania e do papel da arte em ambas.
A arte é qualquer coisa de intrínseco à natureza humana. Desde sempre o homem teve uma necessidade ou um impulso para a criação artística. E continua a tê-la. Faz parte da condição humana. O homem sempre teve a procura do belo, ou o uso da imaginação, ou da construção, seja na arte popular, seja na erudita. Isso é um impulso, faz parte da natureza humana. Ninguém pode apagar isso, nunca se apagará. Haverá sempre artistas, sempre, enquanto existirem homens e mulheres.
Põem-se outras questões: haver um ambiente mais ou menos propício para que essas vocações, para que essa necessidade interior que as pessoas têm, se possa de exprimir e chegar aos outros. E isso tem variado segundo épocas históricas embora se tenha mantido sempre.
Existem épocas menos florescentes e épocas mais florescentes na história da humanidade. Houve alturas em que, por circunstâncias variadíssimas, se deu um crescimento singular, excepcional, na produção artística. Acho que actualmente vivemos um desses momentos, no sentido em que a produção artística se generalizou pelo mundo todo. Há imensas relações de comunicação, logo temos o acesso facilitado às produções artísticas mais díspares e das origens mais diferentes. De algum modo a criação artística globalizou-se.
Nunca houve, provavelmente, tanta produção artística como actualmente. Um dos problemas da gestão cultural que se começa a assinalar é que há mais oferta que procura. Há mais gente a produzir e os públicos não aumentam significativamente. Esse é um problema actual que não é de Portugal, é de todos os países mais desenvolvidos.
A arte relaciona-se com a cidadania, no sentido em que, para se exercer bem a cidadania, o conhecimento é importantíssimo, e o conhecimento da inovação e da criação são fundamentais para a formação das pessoas, para o esclarecimento das pessoas, para que tenham uma visão do mundo mais compreensiva, mais tolerante.
O conhecimento da actividade artística, do produto do que os artistas fazem, ajuda-nos a reflectir sobre o mundo, a reflectir sobre nós próprios, portanto, por consequência, a sermos melhores cidadãos, no sentido em que, o conhecimento é fundamental para exercermos bem a nossa vida com os outros.
A educação também se relaciona com isto porque é outra forma de contribuir para a formação do homem, para nos salvar da selvajaria, para nos dar outra dimensão.

Não há razão nenhuma para que se aplique o raciocínio económico à criação artística

Como educar para a cidadania com arte, ou como educar para a cidadania através da arte? É possível? Deve ser assim?
A educação, por natureza, contribui sempre para a cidadania. O simples aprender a ler, a escrever e a contar, mesmo que o ensino seja muito mau, mesmo que haja muitas críticas sobre o ensino, não tenho dúvidas que o adquirir conhecimentos, mesmo que a importância desses conhecimentos não seja a maior, esses não sejam os conhecimentos mais importantes para adquirir, é sempre positivo. E, as opiniões sobre a educação têm variado muito ao longo dos anos, os homens têm-se enganado tanto sobre o que é a educação…. De qualquer maneira, esta é sempre positiva para a cidadania porque forma as pessoas, porque dá conhecimento, e está provado que as pessoas mais educadas são aquelas que têm mais propensão para apreciar, gozar e compreender as práticas artísticas, sobretudo as práticas artísticas não populares, que exigem alguma reflexão, que interpelam as pessoas, que as põem em causa, que interrogam a sociedade. As pessoas que têm educação estão mais habilitadas a perceber, a compreender e a apreciar esse tipo de objecto artístico de construção dos homens.
Como deveremos agir nas nossas cidades relativamente à arte? Devemos dar-lhe valor? Incentivar?
Hoje em dia não há dúvidas. Toda a gente está de acordo que as artes devem ser incentivadas. A parte artística, a construção de objectos artísticos deve ser incentivada. Onde as pessoas se podem dividir é relativamente aos modelos para o fazer. Basicamente existem dois modelos: onde a intervenção do estado é fundamental, e o modelo anglo-saxónico, em que a participação dos particulares, dos privados, é mais predominante, ainda que nesses modelos particulares existam benefícios fiscais, e aí, o estado, indirectamente também apoia. Hoje em dia isso é indiscutível, ninguém põe em causa que sempre foi assim na história da humanidade.
Há certo tipo de realização artística que o mercado não justifica, não sustenta, e sempre foi assim a partir de certa altura na história do homem. Suponho que isso é pacífico. Há um acordo unânime que a prática artística, aquela que não consegue resolver-se no mercado, só sobrevive graças à generosidade dos particulares ou à generosidade do estado.
A arte não poderá nunca ser rentável?
Não. Eu acho que não.
Porque não serve para nada, é isso?
Não, não. Serve! O problema está em que, a certa altura, nos anos oitenta, o poder económico começou a predominar em todos os campos da sociedade. O único padrão de valores, a única maneira de dizer aquilo é bom e aquilo é mau era um discurso económico. No Renascimento, na Grécia, quando se faziam catedrais ou quando se faziam pirâmides, ninguém pensava nisso assim. Era a coisa mais abstrusa do ponto de vista económico e também social, morria imensa gente, os custos eram elevadíssimos.
A certa altura da nossa evolução, só se justificava aquilo que o mercado justificava, aquilo que economicamente se auto sustentava. Acho que não há razão nenhuma para que se aplique o raciocínio económico à criação artística, sem que isso signifique um completo desprezo pelo público.
O artista romântico e muitos artistas contemporâneos achavam que aquilo que tem muito êxito, não presta. Sobretudo a partir do romantismo há muito essa ideia, que muitos artistas geniais, aquilo que faziam, só teria valor se fosse apreciado por muito poucos. De facto, quando as coisas são muito inovadoras, não são compreensíveis pela generalidade das pessoas, são compreendidas por uma fracção. Daí a 50 ou 100 anos já não é assim, mas no momento em que surgem, são de tal modo inovadoras que o número de pessoas para quem aquela obra de arte fala, é um número muito restrito. Mas se não houver inovação também não há evolução na criação artística, por isso é essencial que isso exista assim. O artista, de alguma maneira, está à frente na compreensão. É muito mais inventivo, está muito mais à frente do que a generalidade das pessoas, por isso é que é artista.

Não é por se ouvir muito Marco Paulo que se chega ao Bach.

Para que a arte erudita seja mais amplamente compreendida, deveríamos tentar motivar as pessoas para se interessarem pelas artes. Isso implica uma aprendizagem. É útil e válido intensificar a cultura popular? Há um grau aqui?
Uma coisa não tem a ver com a outra. Não é por se ouvir muito Marco Paulo que se chega ao Bach. Não é por aí! O que não quer dizer que não se dê grande valor à cultura popular. Acho óptimo que as pessoas se emocionem com essas coisas. Muitas vezes não têm outras maneiras de se exprimir, de vibrar.
Agora em relação à arte mais inovadora, acho que deve haver um esforço de explicação. Há artistas que acham que não, que a obra vale por si, quem compreende, compreende, quem não compreende, não compreende. Não concordo, acho que, sobretudo nas formas de maior ruptura, se deve dar a maior informação possível, com a maior qualidade possível, para que maior número de pessoas possa entrar nesse mundo. Daí os serviços educativos e outras medidas que se criam hoje em dia.
Por exemplo nas artes visuais a ruptura é muito complexa. Na música contemporânea a ruptura foi muito grande. Ganha-se em dar às pessoas informação que lhes permita apreciar essa criação. Quanto mais pessoas apreciarem melhor.
Para alguns criadores isso é indiferente, suponho que grande parte deles cria para um grupo restrito de pessoas. Há outros que não, que precisam do sucesso, o sucesso é-lhes fundamental porque chegam a mais gente. Para outros o sucesso é visto noutra dimensão, não é o sucesso em números, é outra coisa.
Mas acho que deve haver a preocupação de tentar, não é explicar, é dar informação, ao maior número de pessoas possível, que há-de ser sempre um número relativamente restrito. Não é possível que todos os homens e todas as mulheres apreciem a Guernica, ou um quarteto de Bartók. Não creio que seja possível. As Quatro Estações de Vivaldi ainda acredito que sim, mas a maior parte das criações não. Depois, há pessoas que gostam de música e não gostam de pintura, depende de cada um. Os homens são muito variáveis.

Paula Ferro

Entrevista reportagem com Rafa Sendin

2009-07-23T10:19:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes do "Postal do Algarve"

Abril de 2009

“Eu jamais iria para a fogueira por uma opinião minha, afinal, não tenho certeza alguma. Porém, eu iria para a fogueira pelo direito de ter e de mudar de opinião, quantas vezes eu quisesse.”

Friedrich Nietzsche

Rafa Sendín
Arte com(o) atitude

Rafa Sendín nasceu em Salamanca em 1971. Frequenta ateliês dinamizados por Christian Boltanski, Gabriel Orozco e Nacho Criado e estuda com Rogelio López Cuenca. Desde 2000 participa em mostras individuais e colectivas, em Espanha, França e Portugal. Em 2005 beneficia da Bolsa Francisco Zurbarán da Junta da Extremadura. A sua obra é objecto de várias publicações e integra as colecções do Banco Santander, da Junta da Extremadura, a Colecção MEIAC, da Institución Cultural El Brocense e do Domus Artium.

A arte detém o conhecimento da história de arte, e há certas normas não escritas, uma delas é a liberdade.

Em “Fossa Comum”, exposição de fotografia e vídeo que se encontra patente ao público até dia 16 de Maio na Artadentro em Faro, Rafa Sendín reflete a partir de registos que retratam o brilho do progresso, ou a informação como sedução. “Este trabalho surge das fotografias publicitárias que podemos ver pelas ruas”, explica, “quando passeio com a minha câmara vou recolhendo muitas coisas, entre elas, fotos aos cartazes publicitários”.
Neste conjunto de obras primeiro vem a ideia, como um desenho mental, depois vêm as fotos, e a seguir, o trabalhá-las em computador. “O estúdio leva-me a elaborar o trabalho de outra maneira. Comecei a reflectir sobre o retrato. Construo um retrato a partir de dois retratos, feitos por outro fotógrafo. Estou a apropriar-me do trabalho de outro artista, ou de outro profissional, neste caso da fotografia publicitária. Utilizo uma parte feminina e outra masculina, e assim introduzo a noção de género: Feminino, masculino. Introduzo o tema da tendência sexual: homem/mulher, mulher/mulher, homem/homem”.
As coisas acontecem. A realidade motiva o olhar de diferentes pontos de vista. “São trabalhos que se desenvolvem muito lentamente. Então, vou introduzindo uma temática múltipla. Não há apenas uma, mas muitas leituras. Por exemplo, os cadáveres esquisitos dos surrealistas. Fazer retratos com duas partes de rostos diferentes que fazem um só retrato. E é curioso ver como duas expressões, de duas secções dos rostos, fazem uma expressão natural”.
Pára diante de uma das suas obras, olha um pouco em silêncio, aponta a fotografia, vira-se e afirma:
“O género não está no rosto nem está no corpo, está na cultura, na educação”.
Somente?
“Principalmente, não somente. É lógico que fisicamente o homem e a mulher são diferentes. Não no rosto, no rosto não são diferentes”.
E no comportamento?
“No comportamento? Sim, mas o comportamento geral é dado pela cultura”.
Nada pelos genes?
“Logicamente algo influirá, mas não tanto como agora sucede”, e lembra, “as nossas mães trabalhavam em casa, cuidando de nós e da casa, enquanto os nossos pais trabalhavam fora. Agora vêem-se, as mulheres e os homens, não de uma maneira igualitária ainda, a aproximar-se muito no desempenho dos mesmos trabalhos”.
Pensa que entre os homens e as mulheres não existem diferenças?
“Muito poucas. As mesmas diferenças que existem entre uma pessoa e outra”.

A arte é uma ferramenta de pensamento e por isso de construção individual

A arte é assumida como gesto, o gesto de um observador intenso em estratégia reflexiva sobre o mundo, essa globalidade variável em permanente transformação.
Também fala de homossexualidade e heterossexualidade…
“Não falo, penso, reflicto. Não trato de resolver. Não me interessa resolver estas questões. Interessa-me assinalar que é negativo que suceda que nos vão guiando. Não quero guias, não quero guias nem na arte, nem na vida. Mas quero informação, quero que me digam as coisas. Com isso me basta, eu decidirei”, pausa., “por exemplo, não tenho formação artística, não estudei arte”, encolhe os ombros num gesto desprendido, “bem, não estudei de forma académica. Evidentemente que me tenho informado e me mantenho informado”, olha com clareza e simplicidade, “não quero tutores. Há uma canção em Espanha que diz ‘eu não quero um bom tutor, prefiro enganar-me eu’”.
“Fossa comum”. Porque razão este título?
“A fossa comum é o local onde se enterravam os fuzilados, na guerra civil, sem identificar os corpos. E como isto sai da publicidade”… sorri, “para mim a publicidade é como uma fossa comum do pensamento dos indivíduos”, olha-me sério, “não?” Pausa, “a publicidade trata de guiar o pensamento, e eu trato aqui de libertar as ideias, de abrir o pensamento”.
Rafa Sendín está atento ao que o rodeia, e para além da dimensão estética, o seu trabalho encerra uma dimensão ética, na medida em que se debruça sobre os fenómenos da alienação colectiva em que vivemos.
“Creio que em arte há um único ponto a atingir, infelizmente muito distante, que é a liberdade. A liberdade de pensamento e a liberdade de acção. A liberdade na hora de trabalhar a obra, na hora de pensar, e na hora de viver”.
Gosta que o espectador da sua obra vá desprevenido de informação, “quero que se possa apreciá-la sem todas as minhas reflexões. Não me importa que não se veja. Quero que o espectador, quando se confronta com uma obra minha, esteja limpo de informação. Primeiro que a veja, que a perceba, e se lhe interessa, que aprofunde a causa. Para isso existe o livro, o texto crítico, as minhas ideias, as minhas intenções… mas primeiro, a obra tem que funcionar visualmente sem informação. Tem que ser vista.”
A arte como generosidade individual, como comportamento, ou melhor, como atitude. “Para mim a arte é uma ferramenta de pensamento e por isso de construção individual”.
Constrói-se através da arte. Essa é uma das funções da arte? Qual a função da arte?
“Bem, função!?” e joga a mão ao queixo para agarrar o pensamento, “bem, não acredito que a arte seja uma coisa inútil. Logicamente não é uma forma de ganhar a vida, não é um trabalho remunerado. A arte é uma atitude, uma maneira de fazer, de pensar e de viver. Não é um trabalho ao uso, que chega ao fim do mês e alguém paga. E não tem horários, pode-se estar trabalhando toda a vida, incluindo quando se dorme. Um artista, tudo o que faz é arte”.
E o que é um artista?
“Aquele que faz arte”.
E o que é a arte?
“A arte detém o conhecimento da história de arte, e há certas normas não escritas, uma delas é a liberdade”.
A liberdade é o caminho da arte?
“Claro, pelo menos como a vejo. Com Goya, nas pinturas da Quinta del Sordo, ou com a pintura política, de livre pensamento, não arte de encargo”.
Pensa que a sua arte é política?
“Existem aí conceitos políticos mas não são reconhecidos na obra. Podem sê-lo, porque falo da liberdade”.
Pensa que a política e a liberdade estão ligadas?
“Sim, claro, a política implica a liberdade e a condenação”.

Nunca me interessou desenhar a realidade. Para isso temos olhos, para vê-la.

Esta exposição é de fotografia, mas Rafa Sendín usa outros suportes para se exprimir. “A ideia vem primeiro, e a ideia é, principalmente, essa meta distante da liberdade. Esteticamente vou procurando a liberdade criativa. Em desenho trabalho com círculos porque me parece ser a forma mais básica. O quadrado é muito artificial. Não faço círculos perfeitos. Se usasse compasso cortaria a minha liberdade”. Em fotografia? “Não sou fotógrafo, utilizo a câmara”.
Gosta especialmente de retrato. “Quando comecei a desenhar fazia sempre retratos. Retratos imaginários, nunca retratavam ninguém. O retrato podia ser desta ou daquela pessoa, mas a única coisa que se assemelhava fisicamente à pessoa que queria retratar era o nome, não o desenho” e sorri, simplesmente, “nunca me interessou desenhar a realidade. Para isso temos olhos, para vê-la”.
Mas o retrato, “é quase o mais importante em arte. O retrato representa-nos, não?”, o olhar abre-se com ar de óbvio, “e através dele quero introduzir muito mais temas. A vida interior do adormecido e a casca da morte”, faz um gesto com a mão, “o corpo que sai…”, olha-me num sorriso, “e estou falando de religião também. Ao fotografar um morto, estou fotografando a alma, ou simplesmente algo que não tem vida? São muitas coisas…” e entrega-se a um sorriso pensativo.
Corto o silencio:
A religião e a morte estão relacionadas.
“Claro, mas eu sou agnóstico. Não creio absolutamente em nada que não seja a vida, o amor, e a liberdade”.
É a concepção da morte, a descoberta da existência da morte, que faz nascer a religião.
“Claro. As perguntas inexplicáveis deram origem à religião. Claro. Inventar histórias para que possamos viver mais a gosto com essas perguntas que não têm respostas”, repousa o olhar no infinito aberto em sorriso, “quando é muito melhor ter perguntas que não têm respostas”.

Paula Ferro

Entrevista/reportagem com Jorge Côrte-Real

2009-06-03T07:39:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"
Abril de 2007

"A foto-retrato é um campo cerrado de forças. Quatro imaginários aí se cruzam... diante da objectiva, sou ao mesmo tempo, aquele que a fotografia julga e aquele de que se serve para exibir sua arte."
Roland Barthes in “A Câmara Clara”

Quando deixar de haver “material fotográfico sensível” a fotografia morre.

Jorge Côrte-Real nasce praticamente com uma máquina fotográfica nas mãos. O negócio de família na fotografia vem de Angola faz mais de 60 anos. Começou com um tio paterno que mais tarde passa o negócio a seu pai (hoje com 80 anos). Já em Portugal, passa para o seu irmão mais velho (já falecido). Actualmente encontra-se nas suas mãos. Como profissional começou a “dar ao dedo” em velhas maquinetas analógicas aos 14 anos. Na firma, inicialmente a sua tarefa era mais parecida com a pintura. Limitava-se a retocar os positivos de fotografia. Não apenas as de maiores dimensões como era habitual, mas em todos os tamanhos devido ao perfeccionismo do pai. Apesar de ser um trabalho mais de pintura do que de fotógrafo, entusiasmou-o e agudizou a sua paixão pela imagem.

Depois do 25 de Abril “caí em Olhão por acaso. O meu pai é natural de Ermesinde mas como na altura não havia lá lugar para nós, acabámos por rumar ao Algarve. Naquela altura mandar revelar um rolo de fotografias a cores demorava no mínimo uma semana. Eram todos revelados em Lisboa. O meu pai abriu o primeiro laboratório a cores no Algarve para onde passaram a ser encaminhadas quase todas as revelações da região. Trabalhávamos praticamente 20 horas por dia. Quase todo o trabalho era artesanal”. Nessa altura os Côrte-Real já tinham preocupações ambientais. “Os químicos não eram despejados directamente nos esgotos. Eram previamente filtrados. O processo permitia não só evitar descargas poluentes mas também a recuperação da prata existente na película fotográfica que era posteriormente vendida, o que nos proporcionava uma mais valia. Hoje em dia temos de pagar a empresas para a recolha das soluções químicas.”

- Desculpem interromper. Isto é uma entrevista?
- É!
- Para que jornal?
- Para o “Postal do Algarve”!
- Mas como? Eu também venho fazer uma entrevista para o “Postal”. Há aqui qualquer coisa que não bate certo!
- Problema seu... o meu está praticamente resolvido.
- Mas o que não está é o meu...

- “Desculpem, não tenho nada a ver com isso nem quero ser mal educado, mas ou fazem mais perguntas ou vou-me embora. Tenho mais que fazer!”

Regista Olhão, o Algarve e as suas gentes há mais de 30 anos.

Jorge Côrte-Real regista Olhão, o Algarve e as suas gentes, em película, até hoje. Isso resulta num espólio considerável. Um testemunho histórico importante que já merecia ser estudado e publicado. No seu deambular de mais de 30 anos pelas ruas desta cidade foi captando imagens do que já não existe e daqueles que já cá não estão. Muitas personagens típicas desta cidade só continuam a existir graças às suas películas religiosamente guardadas.
A primeira exposição de fotografia em que Jorge participa foi uma colectiva em Olhão em 1981, num antigo café à data abandonado, onde hoje funciona a dependência do Banco Espírito Santo e Comercial de Lisboa. Exposição que na altura se saldou por um sucesso de público calculado em alguns milhares de pessoas.
Em “A Semana Santa do Senhor Morto em Olhão” - fotos nocturnas de 1984- as fotografias são impressas em tela de modo artesanal, o que lhes confere um ar quase “sobrenatural” quando a cor e o brilho da textura da tela se misturam. Todo o processo é manual, desde a captação das imagens sem flash, até às molduras que ele próprio cola e pinta.
- Desculpe mas agora sou eu a fazer a pergunta!
- Como queira, desde que não me atrapalhe!
- Ora querem lá ver!?
- “Ou se entendem ou vou-me mesmo embora!... Santa paciência!”

Possui material e conhecimentos para ampliar fotos em grandes dimensões

Possuidor de diverso material que possibilita ampliações de grandes dimensões em papel fotográfico, mantém-no guardado numa cave do seu antigo laboratório em Olhão, Jorge Côrte-Real confidencia que consegue “revelar fotos de 3 por 5 metros. Hoje em dia não sei se haverá mais alguém em Portugal com capacidade ou conhecimentos para fazer ampliações tão grandes. Há alguns anos havia laboratórios que o faziam mas agora não sei se haverá.” Truques que aprendeu na mestria do ofício e lhe permitem, utilizando pequenas tinas, revelar fotografias de grandes dimensões. Um segredo que guarda só para si: “há pessoas que têm noções de fotografia e quando vêem fotografias grandes dizem: ‘Isto teve que ser no chão, teve que ser na banheira!’ Não é nada disso! A ampliação faz-se na parede e a revelação em tinas pequenas. São trabalhos que dão muito gozo mas que hoje raramente faço por falta de tempo. Estou sozinho no negócio. O meu pai já tem 80 anos, está reformado, o meu irmão faleceu. Tenho mais irmãos que gostam de fotografia mas não se dedicam a ela profissionalmente”.

A firma Côrte-Real foi das últimas a aderir ao formato digital sem ter abandonando o analógico. Prova disso é que as reportagens efectuadas pelo Jorge ainda são feitas em filme e só depois passadas para digital. Diz-nos com alguma mágoa que “no dia em que a película a preto e branco acabar, a fotografia para mim e para outros que eu conheço, acaba também. A fotografia analógica tem magia! É uma lente mágica! Quando deixar de haver o “material fotográfico sensível” a fotografia morre, perde o interesse.”

Não somos pessimistas ao ponto de pensar que a fotografia acabará quando se deixar de fotografar em película ou quando se deixar de revelar em papel fotográfico. A prova disso mesmo é existirem artistas como ele. E enquanto existirem artistas tão sensíveis e imensamente grandes na sua simplicidade como Jorge Côrte-Real uma coisa é certa: as coisas que eles fizeram ou vierem a fazer, quer queiramos ou não, ficarão para sempre guardados em filme, ou em fotografias amareladas pelo tempo, muito para lá da nossa memória colectiva.

- Só por curiosidade, quem assina a entrevista?
- Claro que sou eu!
- Tu... E porque não eu?
- Porque estou há mais tempo no jornal e porque fui eu quem começou a entrevistar o Jorge.
- Pois vê-se pelos cabelos brancos! Mas também pelo que escreves... não aprendeste nada.
- “Basta! Xau até depois. Mas que seca de entrevista!”
- Jorge... Jorge? Espera lá, Jorge... ainda não...
- Olha, foi-se embora! Tinhas mais alguma pergunta para fazer?
- Eu não. E tu?
- Eu também não... que se lixe! Fica assim...

Paula Ferro versus Henrique Estêvão

Entrevista/reportagem com Daniel Vieira

2009-06-03T07:10:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"

Abril de 2007

“Pela Arte o homem sente que domina e detém, enfim, o poder de imobilizar e conservar, não só o que viu à sua volta, mas também o que viveu dentro de si.”

RENÉ HUYGHE

A minha verdadeira universidade foi pelos cafés e por aí.

Daniel Vieira começou a gostar de pintura em criança. “O meu pai pintava a vista da varanda e eu gostava daquilo. Um dia apareceu aqui um pintor da velha escola dos impressionistas, o senhor Jorge Falcão Trigoso. O meu pai levou-o para casa. Eu gostava das coisas que ele fazia.” Não achava graça à escola. “ Fui estudar para Faro. Mau estudante! Não estudei nada! Eu gostava era de rua! Voltei para Alte e comecei a pintar com o meu pai. Tinha pr’ aí 12 anos.” Hipnotizado pela vida, não parou de aprender coisas. “A gente aprende em qualquer lado, não é? A minha verdadeira universidade foi nos cafés e por aí. O meu tio Caixeiro, um dia deixou cair uma bilha no poço. O poço tinha o gargalo de pedra. Ele disse-me: Estás a ver? O baraço é mole, não é? Mas tantas vezes foi buscar coisas lá em baixo que furou a pedra! Assim podes ser tu!” Nessa altura já Daniel queria ser pintor e “um senhor, parente do Cândido Guerreiro, disse-me que um pintor tem que saber de tudo. Essa também me ficou na cabeça. Entusiasmei-me e comecei a estudar em Loulé, na explicação do sr. Porfírio Lopes. Um personagem engraçado! (parou a olhar para o ar como quem regressa por instantes a um lugar já inabitável mas que se mantém aceso na sua memória. “Fiz o 2º ano, fui para Lisboa. Fiz a António Arroio à noite. Fui trabalhar na Caixa Geral de Depósitos e matriculei-me na Escola das Belas Artes” que concluiu em 1974.

Quem nos tira a aguarrás tira-nos tudo.

Daniel Vieira fez cursos nocturnos de Pintura, Gravura, Música, (um deles com o professor João de Freitas Branco, “grande maestro, gostava muito de ver as mãos dele!”), Teatro, Expressão Dramática… Em Belas Artes especializou-se em Gravura, “quem nos tira o cheiro da aguarrás tira-nos tudo!” Não pára de estudar. No ano passado voltou para as Belas Artes para um curso de Ilustração porque sentia “necessidade de falar com pessoas novas!” Um eterno jovem. “ Nasci no ano da graça de 1937. No ano em que Picasso pintou a Guerenica”, a última invenção feita em Arte. Agora é muito difícil criar algo verdadeiramente novo. Pinta por necessidade, porque sente coisas e tem que as pôr cá fora. Não trabalha todos os dias a horas certas, funciona por impulso quase visceral. “Bem, estou trabalhando sempre, mas às vezes é só de cabeça!” Tem imensos quadros inacabados e trabalhos terminados que são compostos por várias telas que se completam, como se de um puzzle se tratasse. As exposições que apresenta na Horta das Artes, muitas vão-se renovando e continuando, porque o tema lhe agrada e encontra sempre forma de melhorar aquilo que exprimiu. Isso acontece com a actual, intitulada “Herotices”, “sim, sempre fui virado para o herótico mas agora estou mais descarado!!!” (risos), e se mistura com uma série de outros trabalhos que enchem as paredes da “oficina”, trabalhos seus e trabalhos de outros que por ali passaram. Em simultâneo existe outra exposição, permanente, de gravura (sempre a renovar-se, claro!), esta sobre a música popular, tema que trabalha neste instante também em desenho, aguadas e técnicas mistas e sobre a qual tem umas “esculturazitas” de barro.

Aprende a tocar viola campaniça… pelo telefone!?

Detentor de aguçado espírito crítico e social preocupa-se com as raízes dos hábitos e costumes das gentes que estão na vida. Participou em inúmeros Congressos e Colóquios ligados à cultura e música popular. Investiga nessa área. Tem vários trabalhos publicados como “ Simbologia do Povo Português”, “Música, dança e gastronomia medievais” entre outros publicados e inéditos. Teve diversos cargos públicos. Fez várias recolhas de música popular e desde 1976 tem pertencido a diversos grupos de música popular portuguesa, nalguns como coordenador. Ainda hoje pertence ao Grupo de Música Popular Erva Doce da Casa do Povo de Alte (voz, bandolim, cavaquinho e percussão). “Agora deu-me para aprender a tocar viola campaniça.” Como aprende? “Pelo telefone!” Olha para mim, divertido, “com um amigo meu de Évora, o Virgílio Neve, vou-lhe perguntando coisas e ele vai-me explicando.”
Para o Teatro, Daniel Vieira elaborou cenários, foi actor, encenador, agente cultural, e fundador do Teatro da Estrada, um projecto que já vinha de Messines, criado por Pedro Ramos e outros. Continuou-o e adaptou-o juntamente com a Célia Martins “uma força da natureza. Ela é assim como eu, dá tudo pela Arte, até recusou pertencer a um grupo de teatro onde poderia ganhar dinheiro para se dedicar a isto onde o que ganha é trabalho.”
O projecto Teatro de Estrada funciona dentro da Horta das Artes que “começou de uma maneira muito simples. Quando acabei o curso de Belas Artes fiquei por lá a trabalhar em gravura com o Mestre Teixeira Lopes e com a professora Matilde Marçal. De vez em quando lembrava-me de Alte e tinha as minhas confissões. O Teixeira Lopes perguntou-me se eu não tinha cá uma casa velha onde pudesse fazer uma oficina de gravura. Inicialmente isto era só um armazém onde o meu pai tinha as alfarrobas e as amêndoas. Ele deixou de apanhar alfarroba e amêndoa e eu roubei-lhe a casa. (Risos) Fiz a minha primeira oficina! Depois houve aqui um curso intitulado ‘Pensar Alte’ com sociólogos e arquitectos de vários países. A Isabel Raposo era a comandante da malta. Fez-se um estudo bastante completo e interessante sobre como reconstruir a aldeia. A Isabel Raposo escreveu dois livros, ‘Alte e a roda do tempo’, que conta a história de Alte e da sua arquitectura e outro sobre a maneira de reconstruir a aldeia. O livro foi para a Câmara Municipal de Loulé e durante três ou quatro anos esteve guardado em caixotes. Depois de terem feito estes mamarrachos todos é que fizeram o lançamento do livro!?” Nessa altura constatou-se que era necessário criar uma escola. Havia falta de terreno. “Se fizerem uma escola dedicada às artes gráficas, eu dou o terreno. A Câmara não quis! Então eu pedi dinheiro emprestado, a Isabel Raposo fez o projecto, ainda me vi à rasca com isso, cheguei a dever dinheiro a dois bancos ao mesmo tempo. Mas cá está a Horta das Artes” com exposições e outras actividades culturais que abre diariamente das 11 às 19 horas, não apenas aos visitantes mas também a quem queira ir para lá aprender e trabalhar.
E… fica afinal quase tudo por dizer sobre este homem onde a vida pulsa, lançada em diversas direcções que se completam, em permanente renovação.

Paula Ferro

Entrevista/reportagem com Susana Nunes

2009-06-03T06:51:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"

Novembro de 2007

"Não há nada mais fútil, mais falso, mais vão, nada mais necessário que o teatro."
Louis Jouvet

Já fiz praticamente de tudo que se possa fazer em teatro.

O seu percurso como actriz foi muito autodidacta.

Susana Nunes sempre gostou muito de cinema e de música mas o teatro passava-lhe ao lado até que veio estudar engenharia biotecnológica para a Universidade do Algarve. No primeiro ano inscreveu-se num “curso de iniciação teatral do SIN-CERA. Tinha 19 anos”, era um curso “de três meses, expressão dramática, o geral, o básico para pessoas que quisessem ter o primeiro contacto com o teatro” orientado por “Vítor Zambujo que é actor e professor. Trabalha com o CENDREV em Évora, é um dos manipuladores dos bonecos de Santo Aleixo. No final fizemos uma pequena apresentação pública a partir de uns textos de Karl Valentim, e adorei aquilo, foi a primeira vez que tomei contacto com aquele tipo de exercícios e foi toda uma nova série de possibilidades que se abriram ali. Foi uma sensação muito clara porque foi muito orgânica, uma coisa desproporcionada em relação àquilo que via que os meus colegas estavam a sentir. Não tinha memória de ter feito alguma outra coisa na minha vida que me tivesse dado tanto gozo, que me tivesse dado tanta alegria fazer e percebi que independentemente do curso que a minha vida viesse a tomar, ia ter de arranjar maneira de continuar ligada ao teatro porque simplesmente não havia outra hipótese. Continuei a colaborar com o SINC-ERA e fiz de tudo: sonoplastia, operação técnica de luz, de som… fui fazendo workshops de teatro, de movimento, de dança… coisas promovidas pelo SIN-CERA e por outras entidades em Faro, em Lisboa… Fui complementando a minha formação, comecei a ver espectáculos, tudo o que tinha possibilidade de ver, aqui, fora, onde quer que fosse. Fui-me envolvendo de uma forma cada vez mais intensa com o SIN-CERA, estive na direcção durante quatro anos e a trabalhar como intérprete, sonoplasta, produtora… durante seis anos. Já fiz praticamente de tudo aquilo que consigo lembrar-me que se possa fazer em teatro. Não fiz direcção, nunca parti para um projecto de raiz para encenar e assumir inteiramente a responsabilidade artistica de um trabalho. Para já não é o que me interessa, também porque não me sinto preparada para o fazer. Acho que convém ir acumulando experiências, ver o trabalho dos outros, observar, conversar, ler, e perceber se tenho alguma coisa para dizer e de que forma é que o posso fazer…”

O teatro não pode apartar-se de uma certa responsabilidade.

Quando está a representar “a sensação que considero mais interessante experimentar é a dualidade. Conseguir estar em dois espaços, em dois estados de consciência em simultâneo…é uma viagem que permite abstrairmo-nos completamente de tudo. Um estado de concentração… essa possibilidade de me conseguir fechar sobre uma coisa, sobre um objecto, sobre algo que estou a fazer, mas em que há um publico, um receptor muito concreto”.
O seu percurso como actriz “passou muito pela auto descoberta, desenvolver o auto conhecimento, foi de uma forma muito autodidacta”.
Para Susana Nunes “o teatro não pode apartar-se de uma certa responsabilidade. Considero que a experiência é intensa para o público, sempre. O teatro é eficaz, de uma forma sub-reptícia para que as pessoas se encontrem e se confrontem com as suas próprias emoções. Essa eficácia e esse poder não podem ser usados de uma forma inocente e quem o faz, tem que saber que tem essa responsabilidade. O teatro pode ser um veículo transformador, de desbloqueio, mas não tem que ser nada massivo. Aqueles pequenos dados que se vão introduzindo, deixando sementes... trabalhar com essa subtileza pode ser mais eficaz do que estar a ‘bandeirar’ explicitamente determinadas ideias”. Creio que o essencial é gerar diferenciação, confrontar o público com novos dados, novas perspectivas e deixá-lo ir para casa germinar”.

Representar em interacção com o público é um bocadinho como estar em queda livre.

É muito diferente representar uma peça onde o público não intervém directamente e representar quando existe contracena com o público, como acontece muitas vezes com o grupo Al-MasRAH, do qual Susana Nunes também é fundadora. Representar em interacção com o público é “um bocadinho como estar em queda livre. Ainda que não tenhamos que esperar uma resposta do público, olha-se para as pessoas e percebe-se exactamente o que elas estão a sentir, percebem-se as emoções, os pensamentos, as reacções, em esgares muito pequeninos, em momentos muito pequeninos de expressão. Se calhar as pessoas pensam que estamos alheios ao que elas estão a sentir, que criamos uma esfera para nos protegermos e não deixarmos que isso nos perturbe ou distraia, mas não, nós estamos atentos, presentes e altamente sensíveis a esse estímulo. Esse jogo é muito interessante, a possibilidade de o espectador, de um momento para o outro, tomar a coisa nas suas mãos, alterar o curso, introduzir um dado novo, agora mando-te esta, o que é que fazes com isto? Não posso ignorar isto senão estrago o jogo. Só que nunca acontece, e é essa linha ténue que o actor vai percorrendo porque sabe que o espectador a maior parte das vezes não tem coragem para o fazer, há uma espécie de intimidação, se bem que a possibilidade está sempre presente. Enquanto espectadora sinto muito isso. Quando estou numa plateia e sinto que de repente os actores vão arrancar para o público, vão agarrar alguém pela mão, ou que me vão perguntar alguma coisa, eu fujo! Não sei bem porquê. Se calhar, há uma certa perda da inocência quando se conhece o processo de dentro, e depois se parte para o lugar de espectador. Parte-se do princípio que o actor precisa dessa inocência para fazer o jogo funcionar, e se calhar eu não lhe vou dar isso, só vou tornar a coisa mais complicada”. Quando trabalha directamente com o público, “há essencialmente essa troca e uma sensação muito clara que as pessoas são altamente generosas, receptivas e estão cheias de vontade de participar. Isso é muito evidente e muito estimulante”.

Teatro e expressão dramática não são a mesma coisa.

Susana Nunes também é formadora, “a experiência que tenho é só ao nível da expressão dramática e com um público muito jovem, entre os seis e os doze anos, essencialmente. Teatro e expressão dramática não são a mesma coisa. Expressão dramática, não tem por propósito a criação de um objecto teatral formal para mostrar a um público. É uma disciplina com exercícios próprios, uma ferramenta de trabalho para o teatro mas existe fora do teatro. Existe agora no currículo de escolas secundárias, por exemplo, e independentemente de os alunos virem a ser actores ou não, expressão dramática é útil para a vida”. Para as crianças, “basicamente é o exercício da imaginação, estimular a imaginação. E, é auto conhecimento, o contacto com o outro, o conhecimento dos outros, o conhecimento do seu corpo e da sua expressão particular, dos seus potenciais e limites. Ajuda a inter agir e é partir daí que se cresce. Qualquer pequena brincadeira de crianças tem todo esse processo, eles fazem expressão dramática naturalmente, criam personagens instintivamente, imitam o que vêem os adultos fazer, em casa, na televisão, os professores… O que nós também podemos fazer é trazer questões da vida deles, conflitos, problemas, evidenciar isso de alguma forma no trabalho de grupo e ajudá-los a reflectir para encontrarem soluções”.
A expressão dramática, seja para crianças ou para adultos, ajuda o individuo a tornar-se mais assertivo na medida em que “desenvolver a empatia pelo outro, conhecer o outro, desenvolver o auto conhecimento… predispõe a entender o meio em que se encontra. Se a pessoa se conhecer bem, sabe lidar melhor com os seus próprios ‘reveses’, aceita melhor o que a vida lhe traz, torna-se mais responsável pelos seus gestos e pelas circunstâncias em que se encontra. Fica mais perto de si própria e por isso também mais perto dos outros e do mundo”.

Paula Ferro

Entrevista/reportagem com Marta Caldas

2009-05-28T04:11:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes

do Postal do Algarve

Janeiro de 2009

“Temos a arte para não morrer da verdade.”
in “Vontade de Poder” de Friedrich Nietzsche

Uma coisa com que não me preocupo nada é com a função da arte, espero que ela não funcione

Marta Caldas nasceu em Lisboa em 1982. Estudou música e teatro. Frequentou o curso de História de Arte na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa e completou o Plano de Estudos Completo do Ar. – Co. Participou de exposições colectivas e colaborou em projectos de artistas como Thierry Simões e Armanda Duarte.
A sua primeira exposição individual está patente ao público na Artadentro em Faro até dia 31 de Janeiro.
Presentemente trabalha na tese de mestrado em Artes Visuais na Universidade de Évora.

A forma como construo os desenhos faz com que cada um deles não tenha um parceiro obrigatório.

Onde se inicia a sua relação com as artes?
Em termos de prática das artes plásticas começou no Ar-Co mas a atenção para certas coisas já tinha começado antes, na música e no teatro. Comecei aos treze anos a fazer teatro. Entretanto entrei no Conservatório de Música, fiz um ano de violoncelo que interrompi porque entrei na Escola Superior de Teatro para fazer formação de actor. Posteriormente abandonei o Conservatório e fui para o Ar-Co. Fiz um ano de pintura e percebi que não era de todo a pintura. Não tenho sensibilidade à cor e comecei a aperceber-me que aquilo que fazia na pintura era desenho. Foi um erro de inscrição, no fundo devia ter-me inscrito em desenho e inscrevi-me em pintura por não saber os espaços de cada coisa e que o meu espaço era o desenho e não a pintura.

São dois espaços assim tão diferentes que não se podem misturar?
Para mim não. É uma questão de superfície e matéria. A tinta não me serve, nunca me serviu. Com o desenho é completamente diferente. Mudei a tempo. No segundo ano de Ar-Co ainda fiz um semestre de pintura mas percebi que não era aquilo e passei para o desenho que era de facto o sítio onde estava bem. Aí parei. Entrei para o Ar-Co com dezoito anos e mudei muito. Houve uma mudança muito grande principalmente na forma como eu me coloco e como uso as coisas.

Desenho sempre na horizontal e isso implica na visão que tenho dos desenhos e até na forma como eles são desenhados.

Participou de que exposições?
As exposições que fiz foram sobretudo no Ar-Co. A primeira foi no terceiro ano de desenho na Quinta de S. Miguel em Almada na exposição de Verão. Até terminar o Ar-Co, expus outra vez na Quinta de S. Miguel e na exposição de finalistas no Júlio de Matos.
Na Páscoa integrei uma exposição colectiva organizada pela Andreia Brandão. Ela resolveu juntar um grupo de pessoas que por algum motivo achou que tinham alguma afinidade, muitas delas nem se conheciam mas havia algo que permitia construir uma exposição sem que à partida houvesse um enunciado que nos ligasse, ou que servisse de ponto de partida para os nossos trabalhos. Eu não conhecia muitos dos trabalhos até os ver no espaço. Não houve nunca uma conversa, não havia um tema, não havia nada por trás que unisse os trabalhos de toda a gente. Essa foi a primeira exposição autónoma, sem estar ligada a uma escola. Foi no Espaço Avenida. Tínhamos o espaço mas tudo o resto foi preparado por nós. Sorri com um brilho fresco e contagiante. Correu bem! Em Faro é a segunda. Mas o ritmo não pode ser muito mais acelerado do que este. Não faria sentido para mim fazer mais exposições do que as que fiz, acho que foram as justas.
Em relação a esta, na Artadentro, combinou-se a exposição e só depois é que vi o espaço. Tive algum tempo para pensar nela. Muitas possibilidades foram acontecendo na minha cabeça. Fui fazendo o meu trabalho normalmente e depois cheguei ao momento em que percebi que os trabalhos iam ser expostos juntos e tive de perceber se eles podiam ou não estar juntos.
Aquele espaço de galeria é rectangular, tem uma escada e a sala de cima. Sempre percebi que não queria dois níveis de exposição. A forma como construo os desenhos faz com que cada um deles não tenha um parceiro obrigatório. Não faço séries, isso implica que no momento em que os trabalhos são expostos seja um bocadinho complicado encontrar o parceiro. A forma como são vistos implica em cada um deles e pode transformar muito. Quando cheguei ao ponto em que percebi que tinha que começar a juntar os trabalhos que tinha feito, de escolher aquilo que ia ser mostrado, como é que ia ser mostrado, com qual é que ia ser mostrado, é que surgiu a disposição que está lá, um desenho numa mesa e dois desenhos nas paredes.

A mesa faz parte do trabalho, também foi feita por si.
Sim, mas não dou a importância de objecto à mesa. A mesa é como a moldura, é um auxiliar de exposição.
O ser mostrado na horizontal é que tem importância para mim porque tem a ver com a maneira como os desenhos são feitos. Desenho sempre na horizontal e isso implica na visão que tenho dos desenhos e até na forma como eles são desenhados. Ao levantá-los, eles ganham outro ponto de vista. Há uns que se permitem a ser levantados, os que estão nas molduras permitem-se a isso, outros não se permitem.
Não é uma regra, não é qualquer coisa que eu imponho à partida mas normalmente coloco-os na horizontal. Há uma relação completamente diferente quando o desenho está levantado na parede ou quando está na horizontal, há uma proximidade completamente diferente com o corpo do desenho. Quando se entra numa galeria e o desenho está exposto na parede não precisamos de chegar ao pé dele para o ver. O facto de estar numa mesa implica um aproximar da mesa e o dobrar para ver o desenho. Isso é completamente diferente.
Quando percebi que aquele era o grupo de coisas que fazia sentido expor porque havia uma união entre elas, tive de jogar com o que vai ser visto ao pé do quê e como é que pode ser visto. O facto de haver dois planos, o da mesa e das molduras, é importante. Não é possível ver o que está na mesa e o que está na parede ao mesmo tempo, implicam tempos de visão diferentes. Quando se entra na sala só se vê os desenhos da parede. O desenho da mesa só é visto quando se chega ao pé dele. Isso foi um elemento que apareceu em relação àquele espaço onde as coisas tinham que olhar obrigatoriamente umas para as outras porque são só paredes, não há recantos nem divisões, é uma sala ampla. Houve alturas em que pensei que só podia expor um desenho. Isso aconteceu no Espaço Avenida, numa das salas só expus um desenho porque tinha de estar sozinho.
Porquê a “queda” como título da exposição?
Olha-me a rir, com ar divertido.
O título não é a “queda” (de cair).
Não?
Não! Continua a rir da minha confusão. A queda (de cair) ou a queda (de quieta). O título da exposição é a queda (de quieta). A queda (de cair) não me interessa para nada. Interessou-me a palavra por ter esse duplo sentido mas o título só passa a existir a partir do momento em que é lido porque se torna uma opção em relação a ele, até lá, é uma palavra que tem os dois significados. No fundo quem escolhe o título da exposição é quem lê, não sou eu.

Depender do desenho para sobreviver é muito triste.

Também existe texto.
Sim. Descobri que havia uma série de coisas escritas que no início me chegava como uma confusão que me fazia trabalhar. Depois percebi que a confusão não era propriamente uma confusão, era qualquer coisa que existia naquelas frases que escapava à própria frase mas à qual eu conseguia aceder num plano qualquer da frase que não existia na própria frase e que era isso que me interessava, era isso que me fazia desenhar.
Faz uma pausa, baixa a cabeça como quem olha para dentro, abre-se em sorriso que rebenta num gargalhar quase infantil e olha-me, com ar traquina. Depois deixei de roubar frases e passei a ser eu a escrevê-las.

Roubava frases?
Sim, roubava de livros, normalmente rearranjava-as, tirava aquilo que as contextualizava, tentava pô-las como frases auto-suficientes que não tinham necessariamente que vir na sequência de outras.

Trabalha independentemente da arte?
Sim, sim.

A arte é paralela.
O trabalho é que é paralelo. Sorri, mas há segurança e serenidade no seu olhar frontal e cheio de brilho. Dar umas aulas é uma necessidade, preciso disso para comer. Depender do desenho para sobreviver é muito triste. Acho que não há grande hipótese ou se calhar não quero construir essa hipótese. Como é que isso se faz? Não faço a menor ideia. Isso deve implicar fazer mais do que “x” desenhos por mês e não tenho muita vontade de pensar que desenhar tem a ver com a minha sobrevivência.

No fundo onde é que nasce a arte, o que é que é isso da arte?
Ai não, não, não! Olha-me com um ar divertido, acenando com as mãos como quem afasta o assunto. Isso não me interessa nada. Sem deixar de rir olha-me de frente com ar seguro embora solto. Não preciso de ter essa resposta para fazer o que quer que seja. É-me indiferente ter ou não ter a resposta, até porque só ter uma resposta é coisa pouca, prefiro ter mais do que uma e ir variando. Um dia posso acordar com uma e outro dia acordar com outra. Prefiro isso do que ter uma espécie de revelação de revista.

Acha que a arte tem uma função social?
Espero bem que não. Faz uma pausa. Está nitidamente divertida com as minhas questões. Ter função social? Não sei. Para uns tem uma grande função, ganham imenso dinheiro com isso. Ri, solta. Uma coisa com que também não me preocupo nada é com a função da arte, espero que ela não funcione.

Num momento destes em que se fala tanto em crise, há desemprego, há pessoas que não têm como alimentar os filhos, acha que há o direito de se fazer, comprar e vender arte?
Que eu tenha dado por isso não tenho nada a ver com esta crise, não a provoquei, não a pedi. De repente olha-me com um ar sério embora não deixe de sorrir. Agora, se me sinto uma sortuda por poder estar a desenhar enquanto há gente a morrer de fome? Sim, sinto! Mas também acho que essas pessoas vão continuar a morrer de fome mesmo que eu pare de desenhar e esse é que é o problema.

Paula Ferro

Entrevista/reportagem com Jorge Rodrigues

2009-05-28T03:49:00.000-07:00

in ".S" - Caderno de Artes

do "Postal do Algarve"

Fevereiro de 2009

“A arte não imita, interpreta.”

in "Note Azzurre" de Carlo Dossi

Jorge Rodrigues
persistir e acreditar na própria genialidade

Jorge Rodrigues cresceu na Raposeira, uma terrinha a cerca de 20Kms de Lagos onde o mistério está instalado no ar e o peso da história reside nos gestos das gentes que a habitam. Desde que se conhece, o desenho e a pintura fazem parte do seu quotidiano. “É uma coisa natural em mim”. É curioso, gosta de experimentar. Enquanto aluno do secundário fez teatro e esteve ligado a diversas iniciativas que se prendiam com as artes plásticas. Depois, “Lagos, sempre teve muita força a nível das artes, muitos artistas passaram por lá”. Gosta de aprender com quem sabe, por isso colaborou com artistas de renome internacional, “o artista aprende com o mestre. As escolas afinal são recentes”.
No início da década de 90 decidiu estudar artes e a partir dos encontros que foi tendo apercebeu-se “que realmente no Ar.Co é que estavam os grandes mestres”.
Em 1994 era aluno do Ar.Co (Centro de Arte e Comunicação Visual) em Lisboa, onde se entregou afincadamente ao trabalho.
“Quando vou pintar, penso sempre que esta tela vai ser a melhor de todas”. Cria metas a si próprio, estimula-se, “tenho que ter um objectivo alto para me motivar e conseguir trabalhar”.
A sua máxima é: “quanto mais trabalhar, melhor conseguirei atingir os meus objectivos”. Não se permite a preguiças e acredita que “a inspiração não faz nada. Dá ideias, e é com o trabalho que ela se espevita. A inspiração acontece com o músculo do trabalho e depois torna-se viciante. Não consigo passar muitos dias sem pintar”.
Em 2000 terminou o Curso avançado de Artes Plásticas no Ar.Co e desde então já participou de diversas exposições em Portugal e no estrangeiro. Está representado em várias colecções públicas e privadas das quais se citam o Banco de Espanha, a Galeria Filomena Soares em Lisboa, a Fundação EDP, a Fundação Arzpar Szenes/Vieira da Silva em Lisboa e o Hammersith Hospital em Londres.

O azul do silêncio, do infinito, do caminho para a claridade

Neste momento está patente ao público uma exposição de Jorge Rodrigues no Centro Cultural de Lagos intitulada “Silencescapes”.
“A exposição apresenta-alberga alguns trabalhos realizados recentemente. Trinta desenhos em formatos idênticos que foram criados para este projecto e percorrem metricamente todo o espaço. Estes são confrontados por pinturas sobre tela em formato maior que, cromaticamente, oferecem ao olho de quem passa e ao espaço, a consagração da cor. Estas telas levam-nos o caminhar até à última sala onde estão seis desenhos de referência, de trajectória”, obras mais antigas que nos fazem entender um percurso condutor, o caminho de um sentir. E é aqui, afinal, que começa a exposição, “quando se faz o percurso em sentido contrário”. À porta, “estrategicamente colocada à saída que é entrada”, uma tela, “a primeira e a última imagem que se tem da exposição” e “funciona como quadro eléctrico onde tudo se liga energeticamente”.
O propósito da exposição são os trabalhos sobre papel, são eles que “ lhe dão o título. Os outros complementam-nos embora também façam parte dessa solução”. Estes, “cada um tem o seu espaço, tempo e decomposição diferentes que formam ritmos entre si e no todo. Depois há a cor, de silêncio, a mesma cor de milésimas variações de tonalidade, o zoom da escala de cada cor. O azul, que os une em sintonia, aquele azul, das profundezas da cor, da transparência, do vazio exacto, puro e frio. O azul do silêncio, do infinito, do caminho para a claridade”.
Os azuis de Jorge Rodrigues deixam-nos presos a um tempo sem tempo, a um espaço sem espaço, num navegar em estado zen que nos transporta para dentro e para fora em simultâneo. E em paz.

Definir a arte é colocar-lhe limites e ela não os tem.

“O meu próprio olhar como fazedor de pintura e inventor de imagens começou pela paisagem. No início a terra enchia a tela e depois o céu foi crescendo. Fui dando mais importância ao céu, e depois houve uma altura em que deixei de me preocupar”, sorri e um pedaço do céu assoma-se do seu olhar. “É como o mapa da evolução humana, o homem vai-se levantando, vai-se aproximando do céu…”, faz o gesto de como o macaco se faz homem, e abre os braços, como quem já sabe voar.
Mas a sua terra é muito importante para a poética do seu trabalho, para a poética do seu sentir. A terra onde foi aprendendo a ser e a olhar “é finisterra em fim de mundo, é a divina comédia do vento. Onde o mar se ergue, determinante, explodindo de alegria, ao esculpir suas pedras como se de um espectáculo pirotécnico se tratasse”. Há ventos coloridos a correr pelos pigmentos do olhar. “A adrenalina das nuvens, as nuvens das ilusões, do anunciar. O movimento não uniforme, acelerado”. Pequenas pausas acontecem mas as imagens quase se atropelam e adiantam a melodia da voz. “A vegetação que se agita espevitadamente, direccionando e inclinando a verticalidade dos seus traços, proclamando o caminho pró sul”. Um cintilar interior invade o olhar de sorrir. “Em que o fantástico faz 360 graus no que é possível a retina reter em cada ser humano ou ‘coisa’ que capte imagem. Valores tempestivamente intemporais, que sinto de sentir e funcionam na minha pele, no meu corpo, quando me aproximo, e na memória, quando me afasto”.
Este sentir embala-lhe as pinceladas e as suas obras deixam em nós a sensação de uma espécie de concórdia acesa.
O palmilhar do seu trabalho “é espontâneo”. Tanto pode ser “devida e minuciosamente projectado” como pode acontecer “sem projecto algum”.
Para o Jorge, “a estética é formada/dividida por conceitos como beleza, equilíbrio, harmonia, forma. Conceitos que, ao longo da história, sempre estiveram intimamente ligados à arte”. Mas a arte é muito mais do que isso. “É valor acrescentado, é habilidade, consciência…” e não se define, porque “definir equivale a delimitar. Definir a arte é colocar-lhe limites e ela não os tem. Jamais poderia tê-los”.
O seu trabalho prende-se com a sua “(sobre) vivência mental e física enquanto ser humano. O ser conduzido por absoluta necessidade interior do fazer, do continuar”.
O seu lema é “ser perseverante, estar preparado para o reagir do tempo, das massas planetárias, mais, menos, muito ou pouco interessadas ou esclarecidas, que de algum modo têm acesso ao trabalho”.
Acredita que “há um artista em cada homem” e o mais importante “é persistir e acreditar na própria genialidade”.

Paula Ferro

Actualizando um pouco

2009-05-22T07:14:00.000-07:00

Já há muito que não sou elemento de A Ponte.

E já há muito que a sede do grupo não é a mesma.

Estou no Ar.Co desde o princípio do ano lectivo em Estética com o Manuel Rodrigues e em pintura com o Ângelo Encarnação e a Armanda Duarte. Isso alterou algumas coisas no meu modo de olhar. Trouxe clareza ao meu pensamento.

Das aulas de pintura não tenho aproveitado tanto porque não tenho tempo para pintar muito, fora das aulas. Busco espaço para isso no meu quotidiano também.

A disciplina é realmente um ponto a trabalhar em mim.

As aulas de Estética têm sido uma maravilha. Sinto que encontrei o que já há muito procurava. O Manuel Rodrigues semeia a consciencia crítica com a naturalidade com que respira.

Depois também estou a dar aulas de Português como Língua Estrangeira pelo CIAL (Centro Internacional de Aprendizagem de Línguas). Já desde 1993 que ensino Português a estrangeiros mas aqui é diferente porque se prende também com o nascimento de cursos e o início de outro caminho.

Disponho, neste momento, de muito pouco tempo para o Mar e Raízes mas sinto vontade de voltar a ele, agora sem A Ponte, e permitindo-lhe ser ele, Mar e Raízes, aquilo que se for tornando.

Fiz entrevistas que quero colocar aqui pois acredito que essas pessoas dizem coisas que são importantes partilhar, logo, devem estar acessíveis.

Para onde quer que olhe, só encontro trabalho pela frente.

Isso não me assusta. É antes um desafio.

Busco um pequeno espaço no meu quotidiano para ir regressando ao Mar e Raízes.

Até breve.

Um sorriso do tamanho do Universo, cheio de Sol.

Entrevista com Margarida Palma

2009-05-22T05:58:00.000-07:00

in "Postal do Algarve"

Novembro de 2008

“A arte é visão ou intuição. O artista produz uma imagem ou um fantasma: e quem aprecia a arte volta o olhar para o ponto que o artista lhe indicou, observa pela fenda que este lhe abriu e reproduz dentro de si aquela imagem”.

in “Breviário de Estética” de Benedetto Croce

"Vejo a arte como uma coisa do dia a dia."

O encontro com Bartolomeu dos Santos marcou a sua vida

Margarida Palma nasceu em Lisboa mas os três primeiros anos de Pintura em Belas Artes foram feitos no Porto, onde o ensino era “muito clássico, muito formal. Quatro horas de pintura três vezes por semana, várias disciplinas de desenho com objectivos diferentes. Essa ênfase muito grande no desenho está bem vincada no meu trabalho”.
Termina o curso em Lisboa e inicia-se uma nova fase da sua vida.
“Comecei por trabalhar no bar da Casa das Artes em Tavira”. Nesse dia conhece Bartolomeu dos Santos que “ia inaugurar uma exposição com alunos das diversas escolas por onde tinha passado como professor. O projecto chamava-se Caleidoscópio”. Este encontro marca definitivamente a sua vida. “Foi ele quem me incentivou a fazer o mestrado em Londres e também a voltar para cá”.
Bartolomeu dos Santos era cliente assíduo da Casa das Artes. “Fui conhecendo muita gente mas o Bartolomeu era uma figura constante. Um dia ele soube que eu era aluna de pintura e, generoso como de costume, convidou-me para experimentar a fazer gravura, logo ali, ao virar da esquina da Casa das Artes. E foi um momento mágico da minha vida. Quando vi uma primeira prova de uma gravura percebi que tinha que fazer aquilo. Então, primeiro fiz uma, depois outra, e comecei a fazer gravura com alguma regularidade”.
Um dia Bartolomeu dos Santos convida-a para ser sua assistente num registo mais regular. “Ele vinha a Portugal com frequência e eu ia a Tavira trabalhar com ele. O trabalho era muito intenso. Mas apesar da diferença de idades e de percursos, havia uma afinidade e um entendimento muito grandes”.
Bartolomeu continuou a transmitir-lhe conhecimentos e “a certa altura achou que já não fazia sentido eu estar aqui. Começou a incentivar-me para tirar um mestrado em Londres”. Margarida termina o mestrado em gravura na Camberwell College Of Arts em 2004. “Comecei a expor mais regularmente, criei uma rede de conhecimentos e consegui mostrar as minhas coisas noutros países, então o Bartolomeu começou a insistir para eu vir para cá pois era muito importante não perder o contacto com a realidade do meu país”.
No seu trabalho está patente a vivência como mulher portuguesa, “apesar de ter estado fora durante cinco anos, um período considerável numa vida de trinta, sinto-me profundamente portuguesa e sei que há coisas que preciso de explorar nessa identidade”.
Tavira marca-a como pessoa e como artista, “foi ai que se deu uma série de acontecimentos importantes. Foi ai que conheci o Bartolomeu e ai se passa muito da minha história pessoal. Cresci em Lisboa mas as férias eram sempre passadas em Tavira”.

A parte positiva da minha vida passou por Tavira

As vivências que as paisagens solicitam, que os lugares permitem, assim como o modo como usufruímos dos espaços, esculpe forma em nós, cria chão para as nossas aderências e opções no futuro.
“A parte positiva da minha vida passou por Tavira. O tempo para gozar as coisas, para sentir. Passou pela praia quando a ilha era uma coisa fantástica. Havia um microcosmo nas nossas brincadeiras que passava completamente despercebido a qualquer outra pessoa e que numa escala e uma natureza marcou o meu trabalho. Gosto desta dimensão íntima das pequenas coisas que ninguém vê”.
As raízes bem vincadas no solo, plantam gestos no fluir do nosso quotidiano actual. Selecções do real abrigam-se no nosso olhar, através das histórias de outros, onde o mesmo sangue dava outra forma à vida, no momento da habitação do tempo.
"O meu avô era de Santo Estêvão e a minha avó é de Santa Catarina. A família do meu pai tem uma história muito próxima da terra. Ficou-me o cheiro das alfarrobas e dos figos. Ouvir os grilos e as cigarras ao calor… é uma coisa tão intensa! Só conseguiria explicar isto a alguém que passou por lá e sentiu”.
Aqueles ensinamentos que passam de geração em geração e não são imunes à transformação. “Tinha uma bisavó a quem chamávamos a avó velhinha. Ninguém sabia exactamente qual a idade dela. Contava muitas histórias, as suas experiências, que para nós eram realmente do outro mundo. Outra época, outro manifesto. Essas narrativas da minha bisavó, as da minha avó, e as do meu pai, marcaram-me profundamente”.

Não seria quem sou hoje se não tivesse vivido e brincado nestes sítios

O passado só pode estar vivo dentro da transformação e da consciência da alteração que cada decisão individual implica na direcção de um percurso que pode ser de todos. “Acho que as coisas não se devem preservar como um boneco mas há memórias a guardar e tenho pena que se tenha perdido muita coisa genuína no Algarve”.
Sente-se feliz por ter tido acesso ao contacto directo, por ter convivido com os gestos adequados ao que era a vida neste local onde tudo se conjuga: paisagem, arquitectura, hábitos, crenças, sabores, cheiros, objectos e rostos. “Não seria quem sou hoje se não tivesse vivido e brincado nestes sítios. O Mediterrâneo tem esta força para quem o viveu, para quem o sentiu como criança. Marca muito mais do que a vida em Lisboa”.
Nós somos um resultado das nossas vivências, muitas delas prendem-se com os espaços que habitámos, são consequência dos hábitos e práticas daqueles que nos são mais chegados, daqueles com quem, no fundo, aprendemos a ser.
A sua avó era costureira e “os processos manuais de costura são uma coisa fundamental no meu trabalho”.
Passado e presente tocam-se através de instantes vividos que permanecem suspensos e residem em objectos que atravessaram o tempo, gerando hoje outras acções, outros começos.
“Parti para uma série de trabalhos que têm como base uma boneca que fiz, quando tinha onze anos, para oferecer à minha mãe. Uma boneca estranhíssima, totalmente disforme, com um corpo estranho. Mas eu achava a boneca perfeita quando a fiz. Tem um sorriso enorme, os olhos são bordados, o cabelo é linha mas a boca é desenhada. Fiz a boneca e coloquei-a numa caixa que na altura também achava perfeita e que agora acho incrivelmente mal feita. A minha mãe preservou-a mas só depois dela morrer é que voltei a pegar na boneca. Comecei a usá-la como uma espécie de metáfora para o corpo e para a identidade, para a tentativa de os definir. Ser perfeito ou não, depende do ponto de vista, depende da nossa percepção da realidade. E isso é um elemento que tem aparecido muito frequentemente no meu trabalho”.
O mundo estimula-nos, obriga-nos a uma adaptação permanente à sua transformação contínua, mas “nós temos as nossas ferramentas, físicas e emocionais, para nos conseguirmos defender e adaptar. Essa adaptação pode ser microscópica ou macroscópica, pode partir do interior ou do exterior mas temos que encontrar novas fórmulas para nós mesmos. É isso que essa boneca me tem trazido como ponto de partida para o meu trabalho, essa ideia de readaptação à realidade”.

Recolhia sobretudo uma mitologia familiar

A exposição que se encontra neste momento no Palácio da Galeria “começa por ser um desafio do Dr. Jorge Queiroz. Perguntou-me se eu gostaria de fazer uma exposição relacionada com ‘Tavira Patrimónios do Mar’. Explicou-me quais os princípios e no que é que ia constar essa exposição. Deveria haver uma relação entre o meu trabalho como artista e a minha ligação a Tavira. Deveria haver um paralelismo entre um conceito museológico e a Arte Contemporânea”.
O trabalho nasce então da partilha de vivências entre três gerações. “A partir de conversas com o meu pai e a minha avó comecei a fazer, até por curiosidade, uma espécie de árvore genealógica da família, mais no sentido figurado porque aquilo que me interessava não eram as relações e as linhas directas e indirectas, o que me interessava eram as histórias de cada uma das personagens. Para cada pessoa eu criava um balão enorme ao lado com as histórias. Recolhia sobretudo uma mitologia familiar”.
E o caminho surge de uma prática simples entre mãe e filho. “Começo a valorizar uma história que já tinha ouvido: o meu pai a aprender a ler e a minha avó, que não sabe ler, ambos ao serão. Ela a bordar e ele a ler para ela, à luz de um candeeirozinho a óleo, julgo eu. Mas ele lia um livro que não tinha as últimas páginas, que não tinha fim. E eles leram aquele livro uma série de vezes. Acho isto uma coisa extraordinária! Se a história não tem fim, porque a leram tantas vezes?”
A resolução de uma falta conduziu à prática da multiplicidade de possibilidades que o devir contém e “este exercício de projectar um final, interessou-me muito. Porque é realmente aquela ideia do fio quebrado e das múltiplas possibilidades, das reformulações, da história que pode ser aquilo que nós quisermos”.

Pretendi reflectir um pouco sobre o que é que nós guardamos, o que é que nós depois utilizamos no nosso processo, na nossa vida.

A história, que se constrói a partir das pequenas histórias, das histórias vividas por cada personagem que compõe as gentes dum determinado local. No fundo, as histórias individuais que se entrecruzam é que são o miolo da história.
“O que apresento é um paralelo entre o que é o museu e os princípios museológicos que estão por detrás daquilo que está feito na outra exposição, e uma espécie de ‘paramuseu’ que é o que eu fiz, que é o meu museu, a minha memória, a minha visão das coisas”.
A partilha é fundamental. Para que exista partilha, nalgum ponto, tem que existir identificação. “Há um lado da identificação que era muito importante alcançar: conseguir que o trabalho fizesse sentido para outras pessoas dali, de Tavira. As exposições atingem o seu objectivo quando uma pessoa se me dirige e percebo que o trabalho chegou lá, que lhe tocou de algum modo, que a pessoa reflectiu um bocadinho que seja sobre aquilo que viu”. Objectivo que consegue atingir. “Houve uma senhora que me disse: ‘obrigada por me ter deixado percorrer as suas memórias’, e fez mais alguns comentários evidenciando claramente essa identificação com o que viu”.
É importante perceber o que as coisas são porque a nossa acção sobre o mundo é transformadora, seja ela consciente ou não, da transformação que propicia. É importante ter consciência disso para percebermos o que fazemos com os bocados de mundo que nos vêm parar às mãos.
“Pretendi reflectir um pouco sobre o que é que nós guardamos, o que é que nós depois utilizamos no nosso processo, na nossa vida, na nossa personalidade. Como é que recebemos uma coisa e depois a transformamos noutra coisa qualquer”.
E, como quem arranca um fruto de uma das árvores do pomar dos seus avós, saboreia o conteúdo de “uma frase da Tracey Emin que acho muito importante: ‘não interessa o que uma pessoa tem ou recebe dos outros, o que interessa é o que uma pessoa faz com aquilo que recebe dos outros’. Como é que utilizamos aquilo que chega até nós para evoluirmos. A arte passa muito por aí. Conseguirmos compreender aquilo que chega até nós, reformularmos e darmos uma visão do mundo tal como o percebemos”.
De algum modo, ser artista é “continuar a pertencer a essa cadeia de eventos, de receber e dar algo. Não vejo a arte como uma coisa sagrada, vejo-a mais como uma coisa do dia a dia, dos objectos e das experiências”. Todos somos potencialmente artistas, “não acho que a arte seja pertença de alguns iluminados. Todos temos potencial para criar qualquer coisa, a predisposição para criar é que já é diferente. Nem toda a gente está disposta a olhar para ver, a pensar para depois transformar”. A arte “é um processo de transformação que deverá trazer algo de novo ou pelo menos deverá fazer olhar de novo para as coisas”. A arte tem um papel, o “de nos fazer parar e pensar” e deve ter um propósito social, “enriquecer o modo como as pessoas se relacionam com o mundo”.

Paula Ferro

Entrevista com Pedro Cabrita Reis

2009-05-13T22:30:00.000-07:00

in ".S"

- Revista de Artes - Suplemento Mensal do Semanário

"Postal do Algarve"

( Fevereiro de 2009)

Cabrita Reis
autenticidade materializada

Cabrita Reis nasceu em Lisboa mas escolheu o interior da serra algarvia para construir a sua casa. Gosta da luz do sul porque possui um imenso “rigor mental”. Conta com o reconhecimento internacional dentro da arte contemporânea. Considera-se um pintor mas a sua obra tornou-se crucial para o entendimento da escultura.
Mantém-se em diálogo com as grandes tradições da história da arte moderna. Encontra nelas terreno fértil onde planta a sua imensa capacidade de se deixar impressionar por momentos simples mas únicos da realidade que depois de integrados faz acontecer em Obra.
Homem e artista aliançam-se numa amálgama compacta de vida que se busca e se expressa. Possui uma personalidade saliente que alberga um luzir constante. A sua presença sente-se. Quando entra, o olhar antecede-o e marca território no primeiro instante.
Para quem só o conhece do outro lado das coisas, ele intimida.

Como artista revelo-me em tudo aquilo que faço e na maneira como sou.

- O que é que leva uma pessoa a optar pelo caminho das artes plásticas e depois a manter-se nele? Perguntei. É por ser uma profissão como outra qualquer ou é algo mais visceral?
- Só posso responder por mim.
A sua voz é palpável e enche o lugar.
- Desde que me conheço sempre quis ser pintor e sempre o fui. Nunca tive qualquer dúvida ou hesitação. Nunca se me pôs a questão da dúvida sequer.
Há firmeza, ritmo, cadência, na projecção das palavras.
- As dúvidas que eventualmente pudesse ter tido, tenho e terei, prendem-se com as minhas interrogações sobre o trabalho, nunca sobre a minha vida, ou sobre aquilo que nem sequer escolhi fazer, fiz sempre.
Fica suspenso por um momento.
- Nunca me interroguei sobre a justeza desse modo de estar na vida.
Há uma frontalidade intensa no olhar. A sua presença instala-se como autenticidade materializada.
- Considera-se um pintor…
Deixa escapar uma pequena impaciência. As palavras saem-lhe a trote.
- Considero-me um pintor e sou um pintor e é coisa que faço sempre. Posso, de vez em quando, fazer ou não fazer esculturas, ou outras coisas…
- Era isso que queria dizer, como é que fazendo escultura…
- Não vejo as coisas tão diferentes umas das outras. Devo-lhe dizer que por mais de uma vez essa questão me foi colocada.
Uma macieza recente roça a tonalidade da voz que de repente volta a ficar firme e segura.
- Volto àquilo que sempre disse. Eu, de facto, sou um artista, com a carga e o peso que isso tem. Como é que me revelo como artista? Revelo-me em tudo aquilo que faço e na maneira como sou. Não creio que haja uma forma linear de determinar uma evolução causal no processo. Não faço desenhos para depois fazer pinturas, para depois olhar para elas e fazer esculturas. Provavelmente a pintura ainda não está seca e já estou a pregar as tábuas uma na outra e entretanto olho para o lado e vejo que não tenho pregos e já passa da hora para os ir comprar, e porque não posso continuar a fazer a escultura que estou a fazer, faço uns desenhos, enquanto a pintura está a secar. Não há um edifício causal em que umas coisas levam às outras num processo de evolução. O que há é um todo que é o eu, é o ser, é nome, é o olhar sobre o mundo, e esse todo vai-se reconhecendo a si próprio, vai-se materializando, existe, vai-se satisfazendo, fazendo o que lhe dá na gana. E eu sou assim.
Quando a comunicação se começa a estabelecer, há uma confiança que nasce no ar e o tempo começa a escorregar, balançado pelo sopro da sintonia.
- Há uma altura em que inclui lixo nas suas obras.
- Incluo tudo o que me interessa, tanto faz. Posso incluir um bocado desta conversa, ou uma imagem que tenha visto por acaso, fortuitamente. Posso dizer, por exemplo, que a imagem mais forte que hoje guardei na memória foi um gato entalado entre uma janela e uma grade. Entalado na transparência do vidro. Gostei de ver. Agora faz parte do meu caderno de apontamentos mental tal como um bocado de um lixo qualquer, ou algo que veja e mais tarde me dá informação para um trabalho.
- Para si a arte não tem limites.
- Creio que para ninguém.
Um sorriso marca o instante e um princípio de cumplicidade amanhece.
- Não imagino como poderia ter limites. Teria limites se tivesse uma determinação de funções e uma determinação de usos. Nem uma coisa nem outra se podem aplicar ao entendimento ou ao exercício da arte. A arte é, digamos, uma das características da espécie.
- Mas acha que a arte serve para alguma coisa?
Sorri.
- Não. Essa é que é a sua grande vantagem. Justamente.
A qualidade absolutamente extraordinária deste exercício que só nós inventámos é a sua absoluta inutilidade. Não serve para garantir nenhuma das funções da sobrevivência humana e contudo é específico da nossa espécie. Quer dizer que evoluímos ao ponto de fazermos uma coisa que não serve para nada. Mais ainda, evoluímos ao ponto de deixar que alguns de nós, da comunidade, possam fazer uma coisa que não serve para nada e que é, à posteriori, muito útil para todos, por muitas razões.
Deixa o tempo exacto para que as suas afirmações se aconcheguem no interior do outro. E continua:
- É, de facto, uma actividade que não tem qualquer utilidade, entendida esta à luz de um discurso de necessidades imediatas, por hipótese. E é isso que a torna tão escorregadia, tão fugidia, tão incapaz de poder ser massificada e inclusive de ser utilizada. Não é que tenham faltado ocasiões ou pessoas que a tenham querido utilizar por razões políticas, mas curiosamente, o resultado ou produto desses momentos é sempre o primeiro a ser descartado e mandado para o lixo porque não tem, jamais atinge, a qualidade ou a importância da arte que não é vista por esse lado funcional. Todas as fases da história da arte que foram ilustração propagandística deste ou daquele momento, desta ou daquela circunstância histórica e fugaz, acabam por ser deitadas para o caixote do lixo pela própria história. Neo-realismo, o Realismo Socialista, etc...
Uma curta pausa culmina em novo arranque sem espaço para questões.
- É evidente que a arte não está desligada das contradições sociais e da história. O Barroco não podia ter aparecido na altura do Neoclássico e a Arte Flamenga não podia ter aparecido na altura da Renascença, o Impressionismo só podia ter aparecido depois das primeiras descobertas ópticas e o Cubismo só aparece com a psicanálise. As coisas só aparecem no tempo em que podem aparecer. Daí inferimos, sem grande dor ou sofrimento, ou sem grande exercício mental, que a arte tem sempre um pé na história e um pé no futuro, na utopia, na visualização daquilo que há-de ser. Por isso é que a arte é importante, por ser aquela espécie de capacidade de poder configurar aquilo que nós viremos a ser. Curiosamente só se percebe isso depois.
As pessoas que cumprem na sociedade a função inútil de ser artistas, são pessoas que configuram modelos de relação, olhares sobre o mundo. Essas coisas não são importantes ou claras no momento em que se fazem, mas são, à posteriori, ferramentas para se perceber o tempo.
A arte tem algumas vantagens em relação a outras actividades humanas, ela é uma ferramenta do mundo, dizem que menos objectiva que a ciência, mas seguramente mais rica no modo como pode permitir ao ser humano imaginar-se como um todo. Posso perceber o que é que se passa com as células estaminais, posso considerar importante a questão da difusão da luz ou física quântica, contudo nada disto, em si mesmo, me dá uma noção absoluta de mim próprio e do mundo. São coisas parcelares, seguramente muito importantes para a luta contra o cancro mas absolutamente inúteis quanto ao entendimento da espécie. A arte tem essa capacidade, imagino eu. Se me perguntar como é que tenho a noção de como é que nós fomos e do que eventualmente poderemos vir a ser, seguramente temos muito mais margem para perceber isso analisando as pinturas, lendo os livros e escutando as musicas que foram construídas, do que analisando os decretos-lei, as decisões dos reis, ou as tricas da Igreja, meras questões parcelares. Há um conhecimento absoluto, radicado na posição artística, não verificável em qualquer outra manifestação da espécie.

A procura da beleza é a procura de uma coisa impossível que é sarar uma ferida, uma ruptura entre a expulsão do paraíso e a tentativa de retornar a ele.

Aproveito um silêncio e pergunto:
- E qual é o lugar da ética? Estética e ética. Há relação, não há relação?
- Não creio que haja uma relação intestinal entre ambas . A ética de um artista prende-se exclusivamente com a natureza do trabalho que faz. A ética é uma construção de um comportamento ou de uma atitude que apenas se prende com o modo ou a forma como esse artista pretende projectar uma imagem de si próprio sobre o mundo. Não pode ser um juízo valorativo ou um código determinador de comportamentos, não há, não pode haver.
- Nem chamadas de atenção…
- Não, de todo, de forma alguma. Não!
- É apenas a expressão de si próprio?
- Só pode ser assim e depois a sociedade digerirá ou interessar-se-á por isso, se a coisa for oportuna e se de facto tiver algum peso.
Posso-lhe perguntar: qual é a ética da escola de Barbizon? Aqueles pintores que pintavam umas ovelhas no campo, umas nuvens e uns pôr-do-sol. Aparentemente nenhuma. Não vem daí nenhum princípio normativo para regulamentação do comportamento humano. Contudo são o sintoma de uma coisa muito importante que é uma espécie de um momento pré moderno, e quando a saída do atelier para o exterior vem prefigurar uma mudança de paradigmas nos interesses dos artistas, que até essa data integravam sobretudo um universo muito ligado à mitologia, ou à religião, ou ao elogio heróico da sociedade política, dos reis. Libertos no campo com telas, pincéis e cavaletes, no fundo, os artistas preparam-se para se desviar das regras políticas que os tornavam meros ilustradores do status quo. Descobrem a individualidade e, passam a descobrir que a vida real, aqui simbolizada pela observação e representação da natureza, é suficiente manancial para reflexão e exercício da arte. Propõem-se, ao sair para a natureza, sem que o saibam ainda, fazer uma mudança radical que é subtrair a acção do artista à estrutura histórica de ligação a uma posição que, esteticamente, seria a validação permanente dos sistemas de valor políticos a que estavam ligados. Com a saída para fora do atelier, para fora do palácio ou da Igreja, cria-se uma ética nova.
Em arte, não creio que se olhe para a ética esperando que esta tenha uma função. Não se espera sequer que tenha uma função. O artista não está obrigado a salvar nada ou ninguém através da importância da sua arte. Tê-lo-á, ou não. A sociedade é que determina se a ética que o artista tem lhe interessa ou não. A estética faz parte da Filosofia. O problema da estética é o problema clássico da procura do Belo. É, e será sempre. O Belo é uma coisa muito simples, é a questão da harmonia, do equilíbrio. A procura da beleza é a procura dessa coisa impossível que é sarar a ferida, uma ruptura entre a expulsão do paraíso e a tentativa de retornar a ele. Uma necessidade, em absoluto, de encontrar a verdade. A beleza é uma espécie de harmonia última, é o lugar onde não há mal, onde não há morte, é o lugar da eternidade. Nesse aspecto interessa-me. A estética interessa-me seguramente mais do que a ética. A estética é uma permanente escavação num campo onde se julga que está um tesouro escondido. Esse tesouro seria a unidade absoluta entre o autor e a sua obra, entre as pessoas umas com as outras, era o lugar da perfeição, inatingível é evidente, por isso é que ainda continua o debate, e continuará sempre.
- Quando cria uma peça preocupa-se com a harmonia?
- É evidente que uma obra só estará acabada quando se sente que ela tem uma espécie de equilíbrio próprio, de vida própria, sabemos que ela não tem falhas, não há falta de balanço em todas as suas partes, é como se lhe reconhecêssemos uma capacidade de autonomia. Não sei como posso explicar isto melhor. É uma coisa que se sente, não é uma coisa que se possa explicar. É tal como quando faço uma obra. Sei que está acabada de uma forma que não tem a ver com a inteligência tal como a conhecemos. Não é um discurso racional ou lógico, é mais, quase um bem-estar físico oriundo ou fruto da sensação, assim: “Ah! Está feito!”
Uma expressão elevada e fresca sai em talhe de sorriso.
- E o corpo sabe isso de uma forma diferente da cabeça, sabe-o provavelmente com maior antecipação e talvez até com mais clareza do que a própria cabeça. A cabeça virá depois e analisará, lembrando-se, até, de como o seu corpo reagiu quando percebeu que a coisa já estava acabada.
- A cabeça já faz parte do corpo.
- Sim, mas tem tendência, o que não é desinteressante, para ter uma espécie de pensamento próprio. O corpo pensa de uma maneira, a cabeça pensa de outra, e isso é produtivo, é bom!
Acontece um silêncio. Pedro lembra-se do charuto que mantém na mão desde que chegou e leva-o à boca.
- Nas suas leituras tem preferência por poesia.
- É verdade. A poesia tem aquela coisa particular, de ter uma forma condensada, depurada, de linguagem. É uma forma quase perfeita.
- Na sua obra existe poesia?
- Na minha obra!?
Pendura um olhar no espaço e continua:
- Se entendermos a poesia como uma forma exaurida de utilizar a palavra no sentido de a tornar pura, é evidente que sim, eu gostaria de ter isso na minha obra. Gostaria de ter a capacidade de atingir essa pureza, essa lucidez, essa justeza, esse rigor mental.
A poesia é isso em relação à linguagem. O meu esforço maior é nesse sentido, é no sentido de que aquilo que faço transporte consigo essa inevitável certeza, percebe?
E a mão direita, porque a outra mantém o charuto hasteado, interrompe por instantes a sua dança constante que amplia o semblante ao pensamento.
- Tudo o que é a mais não existe, o gesto deve ser reduzido ao mínimo. Por muito confusa que possa ser, a contribuição das coisas todas deve ser pensada e feita de tal modo que não restem quaisquer duvidas. Não há nada a mais. Pode ser um caos, pode ser cheio de muitas coisas, mas contudo, o corpo da obra, por muito complexa que seja formalmente, deve ser perfeito, não deve ser fechado, não deve ter falhas, não deve ter interrogações ou dúvidas.
Pequena pausa. O corpo gira sobre si próprio e o olhar, virado para dentro, expressa uma fidalga divagação.
- Isso acontece uma vez em cada cinquenta anos. Mas não custa nada tentar.
Sorri, e o luzir interior anima-se.
O à vontade está estabelecido e a conversa flúi com a serenidade das águas que correm para a amplitude.

Não se tem outra coisa, como artista e como pessoa, que não seja o desejo absoluto, único e último de se ser tudo ao mesmo tempo.

- Este Verão fez uma exposição no Palácio da Galeria em Tavira com obras que pertencem a colecções privadas e agora uma exposição de trabalhos recentes na Galeria Trem em Faro. Há alguma marca na sua carreira que pretenda anunciar?
Sorri como se já esperasse uma pergunta assim. Movimenta-se no banco, dá uma fumaça no charuto e embala:
- Não, não há nada, é uma coisa muito simples. A exposição de Faro estava prevista antes da de Tavira. O Manuel Baptista, grande amigo, pessoa que admiro muito e um belíssimo pintor que já conheço há muitos e muitos anos, voltou a perguntar-me se, neste novo momento dele na direcção da Trem, eu quereria fazer qualquer coisa. Disse-lhe que sim. As exposições tinham uma natureza e uma dimensão diferentes. Pensei que não era bom para ninguém se as exposições fossem excessivamente próximas no tempo.
- Tem alguma coisa a dizer relativamente a estas duas exposições?
Volta a sorrir e dispara:
- Tenho a dizer que ambas me deram grande prazer e que alem disso ficaram muito boas. Tavira, o mérito de mostrar que existem coleccionadores, em Portugal, acompanhando o trajecto dos artistas e fazendo essa coisa extraordinária que é gastar dinheiro numa coisa que não serve para nada.
Pareceu-me interessante, mostrar um conjunto de obras que além de desvendarem o tempo de um percurso, revelam, por pertencerem todas a colecções privadas, que há pessoas que compram arte. Isso é muito importante. Essas pessoas, provavelmente não tendo disso uma consciência muito presente, também constroem de alguma maneira e, a seu modo, a história. São guardiães se assim o quiser, guardiães de ideias, guardiães de tesouros para os que hão-de vir depois. Ora bem, isso é importante mostrar. Acho que essas coisas têm que ser realçadas, daí que tenha ocorrido fazer a exposição e chamar-lhe “Colecções Privadas”. Fi-la apenas com obras que vieram de colecções privadas portuguesas, e isso, de alguma forma, permitiu-me trazer a Tavira um percurso transversal ao longo dos vinte e tal anos de trabalho que fui fazendo.
A de Faro é unicamente obra do atelier, trabalho recente, com dois, três anos no máximo. Contudo, encontra-se com a de Tavira no sentido em que pretende trazer às pessoas a diversidade de linhas de acção e de pensamento que se têm revelado no meu trabalho nestes últimos anos. Tavira informava sobre o meu passado mais longínquo, esta informa sobre questões mais recentes.
- O catálogo do Palácio da Galeria…
- O catálogo é um objecto muito, muito bonito, tem sido muito admirado e não há razões para menos.
- No catálogo diz que “não há obra de arte alguma que não seja ela própria uma substituição do mundo por inteiro.” Isto é ânsia, volúpia, intensidade?
- Em cada pintura, ou desenho, em cada risco simples num papel, está o seu autor e por inerência, quase poderia dizer também o mundo por inteiro. Num risco, nesse risco, está tudo aquilo que se precisa de fazer. Não se escolhe qual a parte de si mesmo que faz aquele risco.
O olhar apontado e os gestos acesos em movimento reforçam os contornos do sentido.
- Pega-se num lápis e faz-se assim no papel, (faz o gesto de desenhar), e ao fazer-se isto não se está a escolher de dois em dois centímetros qual é a parte da nossa vida que se está a pôr ali. Uma coisa que é verdade é que esse risco transporta tudo aquilo que se é. Ora, cada um só é o mundo inteiro, porque não se tem outra coisa, como artista e como pessoa, que não seja o desejo absoluto, único e último de ser tudo ao mesmo tempo, porque é a única maneira de desprezar a morte. Cada traço, por mais simples que seja, é o mundo inteiro. É isso que essa frase queria dizer.
Desde o momento em que se começa qualquer coisa de novo, volta-se a querer continuar… a querer continuar a não morrer.
- E isto é uma atitude do homem ou só dos artistas?
- Não creio que haja diferença. Cada um de nos fará à sua maneira e como souber, riscos sobre o papel.
Pára uns instantes. Fico suspensa no saborear as suas palavras. A sua energia sugere uma estrutura sólida, terrena, que contém no seu interior um rio galopante, imparável, transportando imagens, ideias, emoções várias, que vêm ao de cima com precisão e consonância.
- Na sua “Autopsicografia” Pessoa define o poeta como um actor do seu próprio sentir. E o pintor? O Pedro é actor quando cria?
- Acho que não há gesto humano, por mais simples que seja, que não carregue consigo essa qualidade que Pessoa descreve nessa poesia. Toda a vida é uma mediação do mundo. Nas coisas mais simples, desde lavar os dentes até seja o que for. E todo o caos, o rio infindável de gestos humanos entendidos seja individualmente, seja socialmente, são mediações do mundo, são coisas que têm como única função criar uma hipotética verosimilhança para justificar porque é que se existe, porque é que se está aqui. Se entendermos que existe na actuação, ou no ser actor, essa espécie de deslocação para criar uma projecção de comportamentos que, sendo abstracta, seja de algum modo simbólica, trazendo consigo alguma coisa mais do que simplesmente o gesto que se vê, acho que essa qualidade residirá, afinal, em tudo o que fazemos e portanto não posso estar fora disso. Não, não estou fora disso.

Paula Ferro

imagens do pensamento

2008-11-27T17:26:00.000-08:00

Chovem côdeas na paixão
nascem figos no tomilho
ouço vozes no convés.

Abate-se uma traineira
no grelo da tradição

Diário de bordo

2008-10-30T10:46:00.000-07:00

Resolvi criar mais este item no blog.

Um item que não exija de mim uma preparação prévia, onde me permita soltar-me e seguir o fluir do pensamento,

onde me exponha numa outra dimensão,

é este que enceto agora,

o diário de bordo.

De momento a minha vida divide-se entre as minhas duas cidades

embora só uma seja realmente e verdadeiramente a minha: Tavira!

O meu ser,

o meu sentir,

o meu cheirar,

a minha musicalidade...

a minha aprendizagem do mundo e da sua valorização foi feita aqui

em Tavira

e através desta cidade, das suas manchas cromáticas, dos seus volumes, dos arredores, dos seus ventos e águas... das suas temperaturas... das suas gentes, enfim....

se me começaram a despontar os humores

e a classificar os sabores.

A outra,

é aquela onde nasci, Lisboa,

aquela que nunca quis conhecer, nem quando para lá fui e lpor á andei a vender cursos de porta em porta,

(não vendi grande coisa porque não estava muito convencida do que queriam que eu convencesse os outros a comprar...)

nem quando lá renasci,

no Ar-Co,

escola que frequento agora de novo, após vinte e um anos de ausência.

Essa coisa de ter nascido fora da minha terra sempre me deu que fazer por dentro.

Sempre achei que Lisboa me tinha roubado qualquer coisa por me ter visto nascer.

Arrancou-me à plenitude das minhas raízes e eu fiquei muito zangada.

E não me tornei menos provinciana lá por causa disso, palpita-me que bem antes pelo contrário,

sinto uma mistura profunda com o horizonte natural destas bandas.

Com o urbano nem por isso.

A Eulália marcou o meu destino com as histórias que me contava na minha infância, quando eu estava doente ou, muito simplesmente, quando ela precisava de fazer qualquer coisa, e por isso era imperioso que eu me mantivesse pelo menos quieta.

Ela conseguia prender minimamente a minha atenção com aquela coisa da Maria dos Reis, a lavadeira que levava os meninos que não comiam a sopa toda ou que se portavam mal.

Antes de me mostrarem na rua a Maria dos Reis de saco às costas, pois eu ainda ía construindo uma imagem de uma criatura humana capaz de levar tanto menino dentro do saco, mas quando a vi, ri-me logo toda por dentro e pensei cá com os meus botões que elas deviam achar mas é que eu era tansa. Como se eu não tivesse já sentido prático e noção do que é plausível de ser verdadeiro ou falso.

Então, pois se andavam sempre a chagar-me a mioleira porque eu marinhava às árvores, corria pelos telhados, queria apalpar as coisas e misturar-me com o mundo...

Quem corre e finta e salta, tem que avaliar os balanços do corpo, medir a força dos músculos... eu competia também com rapazes nestas brincadeiras necessárias a encontrarmo-nos com a matéria que nos rodeia e com aquela que nos enforma...

Com certeza que quando me disseram que aquela senhora meio magra com ar triste, não de má, que vergava uma quase corcunda de fazer as costas aos sacos... eu pensei: Coitados, não vêem que isso não tem jeito nenhum!? Então não se vê logo que o mundo não pode ser assim?

Às vezes ia para a contra loja das minhas tias e escondia-me dentro dos caixotes de papelão.

Ai!? Precisava de respirar fundo de tanto disparate que me envolvia. Depois andava tudo à minha procura e eu ficava ali encolhida a pensar: Já está! Já estou outra vez metida numa embrulhada!?

Ah! A Eulália tinha também aquela da Mulher das Orelhas Grandes que estava escondida na casinha do tanque. Está bem!

Não acreditava lá muito mas o que é certo é que a Mulher das Orelhas Grandes de algum modo marcou a minha infância pois houve fazes em que já adulta sonhei muito com a casinha do tanque, com uma espécie de elefante do tamanho da minha tia Júlia mas gordo como um elefante, de pé, no meio da casinha, com um ar de estátua imperturbável mas que no seu interior continha uma vida com tiques de perversão e olhava com ironia por dentro de um outro olhar que pareciam bocados de vidro que fazem de conta que vêem.

E esse elefante baixo, sem dentes mas com tromba, estava ali, prostrado, no centro, contornado por um lago redondo que circundava a ilha onde o elefante permanecia, cheio de cobras pequenas, muito coloridas, muito cheias de intensidades fosforescentes nos seus corpos longos e finos ou curtos e finos, muitas, diferentes, rabeando por todo o lago, impregnadas de venenos dispares e intensos.

Toda a luz existente na casinha do tanque, nesses sonhos, provinha daí, desse lago entre dois círculos... o que dava ao (à) elefante um ar ainda mais ridiculamente pérfido.

Mas, na vida real da minha infância, eu também não ia lá muito nessa coisa da Mulher das Orelhas Grandes. Achava que já que ela insistia tanto, até que podia ser que realmente existisse uma mulher de orelhas grandes escondida na casa do tanque pronta a fazer mal a qualquer criatura inocente que passasse. Isso para mim, mesmo em pequenina, não fazia sentido nenhum.

Quando embalava mais na cantiga da Mulher das Orelhas Grandes era quando seguia as suas descrições, fazia uma espécie de visualização (a gente sempre fez coisas destas, das maneiras mais caseiras possíveis, só que não lhes dávamos nome nenhum, nem pensávamos nisso, né? Agora é que a consciência dos processos vem a chamar a essas coisas de "visualizações" e são-no na realidade e podem ser conduzidas de milhentas maneiras). Ficava em transe, pois claro, e aí a gente embarca em muita coisa...

Mas a Eulália um dia descobriu o Tarzan!

Contou-me uma história do Tarzan e eu nunca mais quis outra coisa! Tarzan é que era!

Aí, aderi perfeitamente à personagem e depois comecei a ler bandas desenhadas do Tarzan e depois também romances... e depois... colei-me ao bom selvagem solitário cheio de valores.

Esse, toda a gente sabe que era inventado, eu também sabia que o Tarzan tinha nascido da cabeça de um homem. Pois, mas esse que me disseram que era inventado, eu cá achava-o até muito real.

E foi assim que a Eulália, sem crer, marcou definitivamente o meu destino porque me abriu uma porta, tipo luva, para eu encaixar uma directriz estrutural para o olhar.

A Ilha de Tavira fez o resto.

É interssante que estas imagens me venham à cabeça exactamente na altura em que resolvo conciliar-me com Lisboa, em que me disponho a conhecê-la e a re-partir para a minha vida também dentro dela.

Fotografia - Reflexos e Pintura 1

2008-10-09T17:12:00.001-07:00

Aqui está outro registo fotográfico de reflexos de barcos de pesca na ria, na Fuseta.

É por estas e outras que eu costumo dizer que ando à procura das pinturas do Criador. As pinturas que já estão dentro das coisas, do mundo real que nos circunda, tão cheio de histórias e lendas escondidas por contar.

Tenho outras que são autênticos quadradinhos de banda desenhada, mas interessa-me mais mostrar a plasticidade da realidade não apenas nos reflexos mas na forma como estes podem estar instalados na realidade, como podem já estar enquadrados "à maneira" nos bocados da realidade onde a gente pousa o olhar.

Ou como esta foto que se segue, que me suscita de imediato mil histórias para desenvolver e onde ao mesmo tempo se pode ver o que o toque da evidencia do real, encarnado naquela tira de lancil, pode implicar na composição.

Fotografia - Reflexos e Pintura

2008-10-09T16:38:00.000-07:00

Sinto que as minhas buscas com a máquina fotográfica me conduzem à pintura.

Nos reflexos torna-se muito evidente essa minha tendência para a pintura.

O olhar pictórico.

Aconteceu-me encontrar este reflexo no Sécua, foi registado do lado de lá da ponte (na zona das esplanadas à beira rio, a seguir ao arco, perto da Ponte Romana).

A rua de onde se vê nascer a luz, sobe em direcção às traseiras do Palácio da Galeria.

De algum modo parece uma pintura, mas não é, é um registo fotográfico.

Um registo fotográfico que pode ser reenquadrado:

Pode ser reenquadrado de várias maneiras, dando destaque a partes diferentes do mesmo registo.

Posso querer explorar apenas a luz de permeio quase de um diálogo.

Ou procurar, a partir da luz, um ténue princípio de um rosto.

E estes registos podem apenas iniciar projectos de pintura que evoluem posteriormente para outros caminhos.

Prosa poética

2008-09-18T15:31:00.002-07:00

Quando o sol abriu o primeiro olhar sobre o mundo já eu te amava em canduras e deleites infantis. Há em ti um flanco intocado. Um lugar que se mantém guardado. Um mistério por revelar. E em mim, um encantamento, transportado num lamento, que tem vindo a vagar o tempo, magoado de tanto esperar.

Amo-te, pousada nas brumas da outra margem das coisas. Construo coroas de sorrisos floridos. Ainda há um romance por inventar.
Molho os pés nus nas águas de uma nova força por desatar. E brinco, distraída, nas chuvas dos passos que abrem o teu rosto, envergonhado, das formas refeitas onde se anuncia o nascer do sol e o luar.
Quem és tu cavaleiro de amplos gestos? Porque trazes tanta espada loura escondida nas dunas do teu olhar? Onde guardaste a raiz da tua candura? Quero ir à tua procura. Deixa-me perder-me no odor das tuas primaveras já desventradas. Solver os despojos da semente perdida daquela flor mesclada ainda por despontar.
Amo-te como quem ferve. Visto-me de pássaros de muitas cores e abeiro-me das nuvens por onde escapam os teus sonhos em sachos de rebuçado. Porque escondes os teus mistérios e os penduras lá no céu onde só transformada em asa branca consigo chegar? Porque guardas tanto pranto nas conchas dessas mãos com que me debulhas receoso de te revelar?

Lembras-te da manhã em que o sol acendeu o dia diante do nosso olhar? Depois pousou-se nos montes, abriu os braços e correu para nós. Veio dizer-nos que gosta de nos ver brincar.
Nessa noite havia-me esquecido do medo bebendo mel da tua força. Passeei pelos planaltos do teu corpo com o andar distraído de quem se perde em cada recanto. O tempo não existe quando o agora se transforma em pérola cheia de magias por navegar.
Os teus lábios vistos de cima, e aquietados em sorriso meigo alagam-me a alma. O teu olhar cheira a linho e o teu corpo goteja o assomar de uma paixão. Gosto de repousar nas tuas reentrâncias e lanço os lábios em aventuras de veludo nos montes fofos do teu peito, cortado por um ribeiro onde os peixinhos gostam de me contar contos de encantar. Os teus ombros são planícies serenas onde o meu rosto se estende para sentir melhor os teus malabarismos raros. As pontas dos teus dedos são rebentos de beijos encadeados e abrem-me caminhos cheios de sensações que estavam por rebentar. Os corpos misturam-se em dança. Alvoraçam-se os corações em tango e fado. Beijo-te como quem voa e ultrapassa o limite. E amo-te nas espumas breves que se soltam do chilrear dos pássaros matinais.
Beijas-me como quem embala uma criança há muito guardada dentro do peito e que agora quer brincar. Beijamo-nos com encantamento e deleite. Entretidos, embevecidos, estendendo o tempo, entregues ao que está a acontecer com a naturalidade de quem faz aquilo que sempre fez, porque nasceu para o fazer.

Escrito em 2006

Jornalismo - Entrevista com Henrique Gabriel

2008-09-18T15:31:00.001-07:00

in Postal do Algarve - Julho de 2008

“Os paraísos perdidos estão somente em nós mesmos”.
Marcel Proust

Cada obra surge como um fragmento de uma busca da resposta possível.
Cada tela é a revelação de uma parte de mim
Uma viagem a Santiago revolucionou a sua vida

Henrique Gabriel nasceu no Concelho de Arganil, em Vila Cova de Alva. Comecei por lhe perguntar quando descobriu que tem alma de artista. Respondeu que “se ter alma de artista é sentir o mundo como uma pergunta que procura uma resposta, uma busca do sentido da existência, uma procura por algo que adivinhamos estar em algum lugar e ser fundamental para o entendimento do Todo, então diria que é algo que nunca me foi estranho. Acredito no entanto que de alguma forma não é privilégio, ou fado, de apenas alguns eleitos mas algo inerente à condição humana. O que talvez faça a diferença é ser-se mais ou menos inconformista, é o aceitarmos ou não o visível e aparente como real e imutável e as ansiedades da vida como algo sem redenção. É no assumir dessa demanda, desse estado de espírito que surge a necessidade de exteriorizarmos os vazios e empreendermos a caminhada, aí surge o artista e cada obra surge como um fragmento de uma busca da resposta possível.
Talvez que cada obra seja como a peça de um puzzle e no seu conjunto a resposta que o artista procura, o seu Graal, a sua Pedra Filosofal”.

Foram 20 anos a trabalhar como criativo gráfico

Em 1977 frequentou o Curso das Artes Plásticas da ARCA em Coimbra mas acabou por enveredar pelas Artes Gráficas mas desde pequeno o seu sonho era ser pintor. “Nasci numa pequena aldeia beirã. Os meus pais tinham um pequeno comércio. Muito pequeno tive acesso ao lápis e ao papel pardo que fazia parte integrante do balcão da mercearia. Foi o meu primeiro estirador, o meu primeiro cavalete, subia acima de um banco e desenhava. Ao contrário da maior parte dos meus colegas de escola primária os meus pais puderam proporcionar-me a continuação dos estudos. Quando chegou a altura de optar por um curso superior, como era hábito na época, quem desenhava optava por arquitectura mas sinceramente nunca senti que fosse curso para mim. Acabei por (na altura achei que era uma pausa) começar a trabalhar numa gráfica em Coimbra. Foi a minha grande escola profissional. Quando por volta dos 21 anos vim para Lisboa”, onde frequentou o Curso de Design Gráfico na ARCO, “os meus conhecimentos técnicos de artes gráficas aliados ao facto de sempre ter continuado a desenhar abriram-me as portas das agências de publicidade. Foram 20 anos a trabalhar como criativo gráfico até ter a minha própria agência. Em 1997, tirei um mês de férias e fui percorrer a pé o Caminho de Santiago de St. Jean Pied-Port a Santiago de Compostela. Quando regressei, deixei a publicidade e assumi a pintura como ocupação a tempo inteiro.

Percorrer o Caminho de Santiago foi o culminar de uma etapa dessa busca

Esta viagem revolucionou a sua vida e devolveu-o aos sonhos de tenra idade. “Há quem defenda que o Caminho de Santiago existia muito antes do Cristianismo. Para os druidas, que acreditavam na reencarnação, terá sido um caminho de limpeza cármica. Terminava em Finisterra, à beira-mar onde tomavam um banho de purificação e assistiam ao pôr-do-sol, a morte do Sol, que no dia seguinte surge de novo, brilhante de vida, para mais uma etapa de morte e renascimento. Fulcanelli fala do Caminho de Santiago (em sentido figurado ou não) como fundamental para o alquimista na concretização da Grande Obra. A história do caminho é para mim a história de cada um que ao longo dos tempos o percorreu. Assim sendo só posso falar da minha experiência. Desde sempre dediquei grande parte do meu tempo à leitura de temas que versam a espiritualidade nas mais variadas vertentes e percorrer o Caminho de Santiago foi o culminar de uma etapa dessa busca. No primeiro dia de caminhada, no cimo dos Pirinéus, encontrei o primeiro de muitos peregrinos com quem me cruzei. Era um gigante da Corunha, Santiago Navarro, figura imponente do alto dos seus 63 anos e das suas barbas brancas, para quem o caminho já não era desconhecido. Dois dias depois juntou-se a nós um brasileiro Jaime Sprícigo e caminhámos juntos bastantes dias criando um forte laço de fraternidade. Um dia enquanto o Santiago dormia, sentei-me ao seu lado e desenhei-lhe um retrato. Ficou tão contente com aquele pequeno presente, que nos dias que se seguiram mostrou-o a todos com quem nos cruzávamos. Quando regressei a casa, comprei material e pintei-lhe uma tela que hoje está em casa dele na Corunha. Foi a minha primeira tela, continuei a pintar e em 2000 optei pela pintura a tempo inteiro. Tudo o resto já não me fazia sentido”.
Participou de várias exposições colectivas e individuais em vários pontos do país, em Espanha, e Estados Unidos da América. “Fiz a minha primeira exposição sobre o Caminho de Santiago em 2001, é um tema inesgotável e de várias formas o Caminho também se manifesta assiduamente como que me indicando que estou no caminho certo. Dou um exemplo, meia hora antes de inaugurar esta exposição no Convento de S.José, estava a passear num jardim próximo e de repente sou surpreendido por uma personagem sentada num banco do jardim. Compridas barbas brancas, pelo peito, cajado com uma cabaça pendurada e vieira ao peito. Um peregrino de Santiago, ali mesmo no Centro de Lagoa. Trocámos histórias, convidei-o a ir à inauguração. Concedeu-me o privilégio da sua visita, brindámos o Caminho com um vinho do Porto e despedimo-nos com um abraço a tratarmo-nos por irmãos. Já percorri vários Caminhos para Santiago e dei algumas palestras sobre o tema, frequentemente perguntam-me quantas vezes fiz o Caminho, respondo que o Caminho de Santiago não se faz, inicia-se. Aprende-se uma forma de viver, de comunicar, de estar com os outros e de estar com nós mesmos. Em Setembro próximo, após 11 anos vou-me reencontrar com o Santi e com o Jaime e percorrer o Caminho de Salamanca a Finisterra. Estas amizades são para a vida”.

Para mim pintar é uma forma de meditação

Para Henrique Gabriel “pintar é uma forma de meditação. Nunca faço esboços as imagens acontecem quando crio o espaço para essa manifestação. Um espaço de abstracção, é uma caminhada para outros lugares, outras formas. Sinto cada quadro como um vislumbre de um outro mundo que existe em algum lugar do meu imaginário e que só através da pintura me é acessível. Cada tela é a revelação de uma parte de mim onde racionalmente não consigo chegar”.
Para mais informações sobre o artista pode consultar http://www.hgabriel.com/.

Paula Ferro

jornalismo - Entrevista com Vitor Picanço

2008-09-18T15:31:00.000-07:00

in Postal do Algarve - Junho de 2006

Nós somos um somatório de emoções

Vítor Picanço é natural de Tavira e licenciado em Escultura pelas Belas Artes de Lisboa. Tirou o curso trabalhando em Arquitectura, Urbanismo, Topografia e dando explicações de Geometria Descritiva. Foi bolseiro da Gulbenkian. Leccionou Educação Visual, Geometria Descritiva e Oficina de Artes durante 28 anos em várias escolas e paralelamente sempre se dedicou à Escultura. Não trabalha, vive, porque tem prazer no que faz.
Podem ser vistos trabalhos seus na Galeria da Restauração em Olhão até dia 14 do corrente mês.

Com que idade descobriu que tinha tendência para a arte?

A tendência para a arte descobri no primeiro ano do liceu. Na escola primária houve uma passagem em que me mandaram desenhar um copo com água. As professoras ficaram encantadas porque se via a transparência no vidro. Mas aquilo não me disse nada. Depois no 1ºano do liceu, o professor de desenho começou a falar da qualidade dos meus trabalhos, a compará-los com os trabalhos dos outros, a pedir-me às vezes para fazer determinadas coisas e eu comecei a notar que havia uma tendência para as artes em mim. A pouco e pouco essa tendência foi-se intensificando. Quando cheguei ao 5ºano, o meu irmão Pedro Mestre foi para Arquitectura e comecei a pensar em também ir para Arquitectura. Fiz o 5ºano cortado a História. Nessa altura a alínea adequada para ir para Arquitectura tinha História e não me pude matricular nessa alínea. Matriculei-me na alínea F que dava acesso a diferentes cursos de Ciências. Como era bom aluno a matemática, a minha mãe sugeria-me seguir engenharia. Cheguei ao 7ºano e pensei que levar a vida inteira sentado à secretária a fazer contas não era para mim. Deixei de estudar e trabalhei com o engenheiro Fernando Mendonça durante algum tempo. A certa altura surgiu um concurso para desenhar planos de urbanização na Direcção Geral dos Serviços de Urbanização. Concorri e colocaram-me na cidade da Guarda. Três anos mais tarde saiu um decreto-lei que permitia seguir mesmo com deficiência a História. Pedi a transferência para Lisboa. Fiz o exame de admissão e fiquei aprovado. Matriculei-me nas cadeiras comuns às Artes Plásticas e Arquitectura. Como já tinha o bichinho da Escultura inscrevi-me também em Iniciação à Escultura onde constatei que a minha vocação era mesmo a Escultura e pus de parte a Arquitectura.

Também se sente atraído pela Pintura?
Gosto de Pintura, tenho lá umas tintas e umas telas e ando há bastante tempo a desejar, não é a querer (fez uma paragem sorrindo), a desejar fazer umas pinturazinhas mas a Escultura tem um apelo mais forte e a Pintura vai ficando de parte.

Escolheu a pedra.
A pedra sempre. Gosto imenso da luta com a pedra.

Que pedras usa?
Qualquer uma. Desde os calcários vulgares à brecha, o mármore, o granito, o xisto…

O xisto é fácil de trabalhar?
Aparentemente. Falha muito e para além de falhar, faz um pó muito fininho. A rebarbadora às vezes prende, embaça e dá uns esticões fortes. Os meus dedos mostram aqui uns golpezinhos da rebarbadora. (Sorrisos) São ossos do ofício!

O granito é difícil?
Sim. Só com discos de diamante é que lá se chega.

O mármore?
O mármore já é mais fácil, menos o puro. O mármore mais puro tem uma espécie de cristais e falha com facilidade, tem que se ter muito cuidado. É muito delicado.

O que utiliza para trabalhar a pedra?
A rebarbadora. O escopo e o ponteiro para determinadas posições onde a rebarbadora não chega. A grosa e a lixa. À mão e com a lixadeira. A catrabucha a que chamam boneca para polir usando o chamado sabão de polir.

Que caminhos segue para criar?
Há situações em que a pedra me sugere as formas do trabalho. Por vezes sinto necessidade de introduzir outras pedras tirando partido da composição das cores e das texturas. Noutras ocasiões também com materiais diferentes (metais, madeira, acrílico, etc). O outro caminho é imaginar a forma e depois procurar as pedras adequadas àquilo que se pretende. A luta é igual. (Abre um sorriso brilhante) O gozo é o mesmo. Levo é muito tempo à procura das pedras. Há a pesquisa. Às vezes não é a forma da pedra, é a textura, ou são as cores… Há quem me pergunte porque é que numa exposição não faço tudo numa só linha. Não, nós não comemos peixe todos os dias (sorrisos). Eu gosto de variar. Às vezes faço vários trabalhos do mesmo género mas a seguir apetece-me fazer outros. A maior parte das vezes tenho em mão vários trabalhos. Um dia apetece-me trabalhar num, outro dia trabalhar noutro. Não é pegar num e ir de seguida até ao fim. É conforme me apetece! Eu quero viver e viver é fazer aquilo que dá prazer fazer. Cito sempre o Professor Agostinho da Silva. Ele diz que o Homem não nasceu para trabalhar, nasceu para viver. Quando se faz aquilo de que se gosta, vive-se. Quando se faz uma coisa de que não se gosta trabalha-se.

Quando dá aulas gosta?
Adoro! Reformei-me e estive dois ou três anos a dar apoio aos meus colegas o que me deu muito gosto.

Dava Educação Visual e Geometria Descritiva?
Sim, e Oficina de Artes: Pintura, Escultura, Arquitectura e Design.

Bolseiro da Gulbenkian.
Tive média de 15 no exame de saída no 4º ano e isso permitiu-me obter uma bolsa da Gulbenkian.

E compor?
As linhas de composição são as linhas que nós fazemos quando estamos a compor, quando estamos a criar as formas. As linhas de força são linhas que não existem mas nós sentimos e todas elas fazem parte da estrutura do trabalho.

Existe também o equilíbrio e o peso.
Claro, esse peso é um peso visual. É muito importante também pensar na iluminação das formas.

A composição é fundamental.
Claro que é. Na Escultura não são só as linhas. São as cores, as texturas, as formas, os relevos…

O que é para si ser artista?
O que é ser artista? (Recostou-se na cadeira sorrindo. Olhou-me com o verde do seu olhar todo iluminado.) Olha, vou responder-te com quadras do António Aleixo: “Ser artista é ser alguém./Que bonito é ser artista. /Ver as coisas mais além/do que alcança a nossa vista. /Arte é dom de quem cria. /Portanto não é artista /aquele que só copia /as coisas que tem à vista. /A arte é uma força imanente./ Não se ensina, não se aprende. /Não se compra, não se vende./ Nasce e morre com a gente.” Ele define perfeitamente o que é um artista e o que é a arte.

O artista vai mais além.
Esse é o artista porque o outro que faz as coisas muito bem feitinhas é o artífice, não é o artista porque não cria. Não compõe, não vai além daquilo que se vê. É o artífice. Executar é uma coisa, criar é outra.

É necessário saber executar para criar?
A parte principal é a criação. Por exemplo, um indivíduo que faz música e faz bem, embora se fale pouco dele nesse campo, é o professor Moniz Pereira, o treinador de atletismo. Ele é um fraco executante mas é um bom criador.

A técnica não é fundamental?
É evidente que é! Mas, por exemplo no futebol, os treinadores sabem como é que se faz mas nem sempre sabem fazer. O Mourinho que é considerado o melhor do mundo, (olhando para mim com um imenso sorriso, divertido com a minha admiração) foi fraco jogador. Foi um fraco executante mas é um bom criador de jogadas.

Ser bom executante não é importante para o acto de criar?

É que criar é conceber mentalmente e depois executar é transmitir através dos materiais que se usa, aquilo que se concebeu. O bom não é o perfeitinho. É o equilíbrio entre todos os elementos que se utiliza para fazer os trabalhos. É a impressão estética. Nós temos cinco tipos de emoções. Temos uma impressão de um perfume que é bom. O que é que quer dizer aquele cheiro? Nada. Nós temos uma emoção. Agradável ou desagradável. A música, com os sons. A visual, a gustativa, o olfacto e o tacto. Nós somos um somatório de emoções.

Texto e foto de Paula Ferro

impressão do dia

2008-09-16T16:29:00.001-07:00

impressões do dia

2008-09-14T16:08:00.000-07:00

Fotografia - impressões - A Ponte

2008-09-14T15:57:00.000-07:00

Registos feitos a 12 de Maio de 2008

A Ponte e o Vaticano

2008-09-10T13:57:00.000-07:00

Em Março passado, Gilberto Ferro cedeu-nos um armazém na Quinta do Rosal, Sítio de S. Pedro, rente à EN 125, à saída de Tavira, no sentido de Faro, com o objectivo de aí criarmos a nossa sede.
Podemos utilizar também o espaço exterior que circunda o armazém.

A primeira reunião que aconteceu na nossa, na altura ainda sem nome, foi no dia 15 de Abril.

Como já fazia bom tempo, começámos no exterior. Com o que tínhamos por perto criámos uma espécie de sala de reuniões para o instante.

Colin Howe (Malik), Leif Lonne, Mathijs Warner e Ola Andresen (de costas).

Ola Andresen (em cima) que partilhava, na altura, a presidência com Isabel Macieira (Bli), em baixo.

A reunião alongou-se, o dia extinguiu-se e o frio começou a chegar. Resolvemos continuar dentro da sede. Aqui já nos encontramos no interior.

Linda Brubacher e Colin Howe (Malik)

Matthijs Warner (elemento da Direcção)

Malik, Ola, Alberto Corvo e Margarida Santos

Isabel Macieira e Matthijs Warner

Depois começaram as limpezas e os arranjos na nossa sede. O pessoal pôs mãos à obra.

Alguns momentos dessa fase:

Colin Howe (Malik)

Linda Brubacher

Casey Clark

E, lentamente, tudo foi ganhando um outro ar de começo.

Para mais informações sobre A Ponte, clique em

www.art-in-tavira.com

Fotografia - imagens com chuva 1

2008-09-07T18:00:00.000-07:00

Registos de Outubro de 2006.

A chuva sempre me atraiu. Aliás, a água atrai-me.

Houve uma altura da minha vida em que a chuva me chamava, sempre que a chuva batia na janela, ouvia-a, não resistia e ia ter com ela para a rua.

Não uso guarda-chuva. Não gosto. Atrapalha-me. Não sei lá muito bem o que hei-de fazer com aquele objecto estranho.

Um dia comecei a reparar que a chuva nos vidros dá outros contornos aos objectos que estão do outro lado das janelas, e que, sobretudo nos dá outra dimensão, outra imagem deles. apresenta-nos nesses mesmos objectos, outro tipo de atractivos.

Passei a registar também momentos deste género.

Inicialmente, era o que surgia. Depois passei a ir mesmo à procura de imagens, de motivos, experimentando, com várias intensidades de chuva, limpo o vidro do carro, deixo pousar a chuva e vou observando e registando... Nas janelas de casa, noutros locais...

a chuva ainda me chama e ainda vou ter com ela para a rua, muitas vezes. Outras, fico dentro do carro ou dentro de casa à janela e converso com ela na mesma.

impressões - registos urbanos

2008-09-07T17:51:00.000-07:00

Outros registos urbanos.
Outra linguagem.
Setembro 2008.

Fotografia - reflexos

2008-09-07T17:30:00.000-07:00

Registos feitos em Outubro de 2005.

Esta é uma série de registos feitos no mesmo dia, no tanque da casa de um amigo meu.

Isto é uma série, não são as únicas fotos que tenho deste tanque. Tenho uma pasta de séries deste tanque com os seus reflexos, os seus peixes, as suas plantas... e este tanque ainda não está esgotado para mim.

impressões

2008-09-07T17:07:00.000-07:00

Registos de 2006 e 2007.

"Com janelas assim, quem precisa de ver televisão?", "com um céu assim, quem precisa de televisões?" ou seja, com um mundo tão recheado, quem precisa que lhe digam "é assim que se olha!"?

Basta abrir os olhos, rodar a cabeça , deixar que algo prenda o olhar e depois, deixar acontecer...

e ir fazendo isso por aí...

Por tudo quanto é lado há bocadinhos de realidade cheios de coisas por dizer.

impressões

2008-09-07T16:50:00.001-07:00

Apontamentos registados em Setembro de 2008.

impressões - registos urbanos

2008-09-07T16:35:00.001-07:00

Faro, Setembro de 2008.

impressões do dia

2008-09-07T16:19:00.001-07:00

Impressões do dia, Domingo, 7 de Setembro de 2008.

impressões do dia

2008-09-07T16:08:00.001-07:00

Impressões do dia, Sábado, 6 de Setembro de 2008.

impressões do dia

2008-09-07T15:45:00.001-07:00

Impressões de Sexta, 5 de Setembro de 2008.

Fotografia e comentário - sobreposições 1

2008-09-07T14:28:00.000-07:00

Sobreposições da realidade
ou
mistura de realidades

Interseccionismo pessoano (?)

Outro dos temas que me assalta a atenção é o das sobreposições da realidade, sobretudo urbana. Na natureza as sobreposições de realidades, com esta evidencia, é muito mais simples. Até agora tenho-a explorado sobretudo na vertente dos reflexos na água.

Não me interessam, pelo menos de momento, as manipulações de imagem a este nível. O que exploro no photoshop são outras coisas.

Interessam-me as sobreposições, mas as da realidade que nos circunda, as que estão por aí, à solta, paletes delas, por tudo quanto é canto de cidade...

As montras são uma fonte inesgotável de cenários de realidades misturadas. Nas próximas três fotos, insiro-me na imagem.

Assim compreende-se melhor do que falo.

A mesma montra é fonte de diversos tipos de cenários, conforme nos posicionamos e apontamos a camara.

Sobretudo quando encontramos uma montra grande num local movimentado, que é o caso da desta loja de mobílias, mesmo rente a uma estrada onde os carros estão sempre a passar.

Os cenários estão sempre a alterar-se porque o próprio fluir do transito traz novas tonalidades e enquadramentos às imagens que começam a transformar-se diante do nosso olhar.

Quando nos cansamos de explorar uma zona, basta movimentarmo-nos um nadinha e surgem de imediato novos polos de interesse.

Aqui o que pretendo mostrar é a exploração do olhar.

Isto, no fundo, não passa de um exercício de observação, de observação do real que nos circunda, para além do que é habitual observar.

É aqui que digo que não precisamos de televisão. De televisão no sentido esteriotipado da mesma. No sentido, no fundo, do modo como vulgarmente é usada, a televisão e outros orgãos de comunicação, no sentido de "encarneirar" o modo de olhar.

Trocas de experiencias e de posicionamentos perante a realidade devem, em meu entender, ser sempre bem-vindas. Partilhar experiencias é sempre enriquecedor. Mas para as partilhar é preciso tê-las, é preciso vivenciar, experienciar, sentir na pele, expor-se à acção que a aprendizagem do mundo implica.

É muito importante que cada um se posicione, no instante em que se encontra, e se vivencie.

É só isto!

Fotografia - Exposição - Miragens

2008-09-06T18:50:00.000-07:00

Esta exposição apresentava uma fotonovela. Uma espécie de estória de estórias. Uma estória cheia de estórias.

Intitulou-se "Miragens" e esteve patente ao público em Julho de 2006 no IPJ (Instituto Português da Juventude) em Faro.

o sopro do bicho... é mágico!

Ateia-me, ao vento...

mais um passo no d'ouro dado.

Amigas de infância na menopausa

conversa a postes

Vim dar-te um segredo.

Hoje a moira não quer namorar.

Sémen de Sol na Ria Formosa.

Mas...eles amam-se, compaixão!!!

À Ordem do Azul.

O coração à sombrá do...

Fotografia - exposição - Bocadinhos de Verão

2008-09-06T18:11:00.000-07:00

Na Casa da Cultura de Loulé em Outubro / Novembro de 2006.

( cartaz criado por Pedro Ricca)

Algumas das imagens que foram apresentadas na exposição:

Fotografia - sombras 3

2008-09-06T16:41:00.000-07:00

Registos feitos em 2006.

Fotografia - apanhados na praia, de Inverno 2

2008-09-06T16:22:00.000-07:00

Passear na praia de Inverno também nos pode oferecer momentos que nos fazem sorrir e nos agarram o olhar.
Este é um deles.
Registos feitos em Janeiro de 2008.